Cosa fare in Irlanda

Tre delle mie sculture selezionate per Eco Aware Art Gallery ® Art Gallery
La nostra visione è quella di ridurre gli sprechi nel mondo attraverso l'arte. Promuoviamo opere d'arte realizzate con materiali di scarto, riciclati e di recupero.

https://visit.virtualartgallery.com/ecoawareartgallery

Questa mostra in galleria è incentrata sull'installazione tessile dell'artista Varvara Keidan Shavrova, nata nella Russia sovietica e ora residente in Inghilterra e Irlanda. L'installazione presenta otto coperte in feltro serigrafate, ciascuna raffigurante immagini tratte dall'album fotografico di famiglia. Quest'opera d'arte sociale e performativa invita all'interazione: i visitatori sono incoraggiati a toccare le coperte o a drappeggiarle sulle spalle.

Accanto alle opere d'arte si trovano oggetti storici provenienti dalla collezione del Centro di documentazione, tra cui una tovaglia della Prussia orientale, un copriletto della Boemia e una piccola tovaglia del Brandeburgo.

Tessuti come coperte, tovaglie, fazzoletti, costumi tradizionali, cappotti, mantelli, sciarpe e plaid sono toccanti testimoni di difficoltà e sofferenza. Sono reliquie di perdita e privazione, incarnando il desiderio profondamente umano di connettersi con il calore, la familiarità e la famiglia. Questi oggetti offrono un senso di conforto contro le dolorose esperienze di sradicamento, solitudine e sradicamento.

Il lavoro di Varvara Keidan Shavrova racconta le esperienze condivise da milioni di rifugiati, sfollati ed emigranti, risuonando con le loro storie durature.

Date della mostra: 2 febbraio - 16 novembre 2025

ICollezione MMA: l'arte come agenzia è un'importante mostra triennale che celebra la Collezione Permanente dell'IMMA come fonte di iniziativa e conoscenza. Con oltre 100 artisti, dagli anni '1960 a oggi, mette in risalto opere chiave, tra cui molte acquisizioni recenti. Questa ambiziosa mostra invita al coinvolgimento e alla ricerca nel tempo, consentendo un'esperienza ricca e duratura della collezione d'arte moderna e contemporanea irlandese.

Attraverso approcci tematici, cronologici, geografici e basati sui media, la mostra esamina come le opere d'arte si colleghino attraverso il tempo e i contesti, promuovendo nuove interpretazioni e rilevanza. Opere dagli anni '1960 agli anni '1980 evocano la storia fondante del mondo dell'arte irlandese. Pur riconoscendo il contesto del predominio modernista e prevalentemente maschile di quell'epoca, la mostra mette anche in luce l'innovazione materiale e le pratiche socialmente impegnate di altri che hanno resistito nonostante lo status quo relativamente conservatore.

La mostra presenta anche lavori più recenti che esplorano temi globali urgenti come genere, ibridazione, storie culturali, decolonialismo, diaspora, migrazione, ingiustizia alimentare, cambiamento climatico ed ecologico. Memoria, immaginazione e narrazione svolgono ruoli fondamentali in queste opere, offrendo modi generativi per elaborare la frammentazione, la dislocazione e la sopravvivenza in spazi sconosciuti. Opere nuove ed esistenti nella sede dell'IMMA approfondiranno questi temi.

La mostra comprende uno spazio espositivo "white cube" appositamente creato, ispirato alla celebre serie di saggi di Brian O'Doherty Dentro il White Cube – L’ideologia dello spazio espositivo (1976), che critica gli effetti auratici e orientati al mercato del formato della galleria "white cube". Allo stesso modo, la scelta delle opere curate per questo spazio si discosta, evidenziando opere di donne americane del dopoguerra, opere concettuali pionieristiche di Marcel Duchamp e Brian O'Doherty, nonché una risposta femminista contemporanea di Andrea Geyer.

Intrecciando narrazioni storiche e contemporanee, L'arte come agenzia invita il pubblico a riflettere sui significati e sulle possibilità in evoluzione dell'arte nel plasmare la nostra comprensione e azione nel mondo.

Kith & Kin: The Quilts of Gee's Bend è una mostra collettiva che presenta le opere di donne afroamericane di una piccola comunità dell'Alabama, le cui creazioni sono diventate simboli di emancipazione e orgoglio culturale dei neri. Questa splendida collezione di opere tessili celebra la cultura e il patrimonio afroamericano.

28 febbraio 2025–27 ottobre 2025
Galleria 3

IMMA presenta "Kith & Kin: The Quilts of Gee's Bend", la prima mostra delle Gee's Bend Quiltmakers in Irlanda, co-organizzata con Souls Grown Deep. Le Gee's Bend Quiltmakers, un gruppo di donne afroamericane provenienti da una piccola comunità dell'Alabama con una tradizione bicentenaria nella creazione di quilt, hanno creato trapunte dal significato sia artistico che politico. Dal punto di vista artistico, il loro lavoro è rinomato per lo stile improvvisato, i colori audaci e i disegni astratti, spesso paragonati a movimenti artistici modernisti come l'espressionismo astratto. Le loro trapunte, realizzate con tessuti riciclati, sono profondamente radicate nelle tradizioni tessili afroamericane e mostrano una creatività unica nei motivi geometrici.

Politicamente, le trapunte riflettono resilienza e autosufficienza, poiché sono nate dalla necessità in una regione economicamente svantaggiata e segregata razzialmente. Il movimento per i diritti civili ha attirato l'attenzione su queste donne, che sono diventate simboli dell'emancipazione e dell'orgoglio culturale dei neri. Le loro creazioni sono state esposte in musei di tutto il mondo, evidenziando l'importanza delle voci emarginate nella storia americana. Le trapunte sono sia una celebrazione del patrimonio afroamericano sia una testimonianza della forza e della creatività delle donne di fronte all'oppressione sistemica.

Attraverso il programma pubblico, l'IMMA esplorerà i parallelismi con le tradizioni tessili e di quiltatura in Irlanda.

IMMA TALKS / Conferenza e lancio
Le trapunte di Gee's Bend
Raina Lampkins-Fielder
Unisciti a Raina Lampkins-Fielder, curatrice capo della Souls Grown Deep Foundation, per un incontro sulla straordinaria tradizione artigianale di quilt di Gee's Bend, una comunità di oltre cinque generazioni di quiltmaker afroamericani situata sulle rive del fiume Alabama. L'incontro coincide con l'inaugurazione della mostra "Kith & Kin: The Quilts of Gee's Bend".

Giovedì 27 febbraio 2025, dalle 5:6 alle XNUMX:XNUMX
Johnston Suite, IMMA
Prenotazione obbligatoria - Gratuito

Nel 2025 il Lismore Castle Arts festeggerà 20 anni presentando una mostra dedicata al tema della Kunstkammer, curata dallo storico dell'arte e scrittore Robert O'Byrne.

La Kunstkammer è una forma di museo in cui vengono esposti oggetti rari o insoliti, nota anche come Gabinetto delle Curiosità. Un tempo diffusi in tutta Europa, questi musei privati ​​erano rinomati per la loro ampia varietà di oggetti, tra cui Arteficialia (prodotti dell'uomo) e Naturalia (prodotti della natura), insieme a strumenti scientifici, orologi e automi.

Opere d'arte di inestimabile valore sono state esposte accanto a strane curiosità, antichità accanto alle più recenti invenzioni. Erano unite nella loro diversità e nella loro bellezza. La Kunstkammer del Castello di Lismore è al tempo stesso una ricreazione e una reinvenzione del genere. Attraverso una serie di sale, ognuna diversa per dimensioni e forma, oggetti storici provenienti da collezioni private e pubbliche condivideranno lo spazio con opere di importanti artisti contemporanei irlandesi e internazionali.

La mostra crea nuovi incontri con il familiare e l'inquietante, invitando a conversazioni attuali su esposizioni, collezioni e pratiche contemporanee come artefatti del futuro. Attingendo ai temi dell'esposizione, l'opera invita il pubblico a interagire con l'arte contemporanea in modo accessibile, rifacendosi a una delle ambizioni originarie del Cabinet of Curiosity: promuovere l'apprendimento attraverso l'incontro.

Robert O'Byrne è uno degli scrittori e docenti irlandesi più noti, specializzato in belle arti e arti decorative. Ex vicepresidente dell'Irish Georgian Society, è autore di oltre una dozzina di libri, editorialista della rivista Apollo e collaboratore sia di The Burlington Magazine che dell'Irish Arts Review. Robert ha curato numerose mostre, tra cui "Ireland's Fashion Radicals" per il Little Museum di Dublino e "In Harmony with Nature: The Irish Country House Garden" per l'Irish Georgian Society, entrambe con un afflusso record di visitatori. Negli ultimi dodici anni ha curato il blog pluripremiato "The Irish Aesthete".

La mostra sarà accompagnata da un ampio programma di eventi, conferenze, proiezioni e un programma didattico di ampio respiro. Un catalogo sarà pubblicato nell'estate del 2025 per accompagnare la mostra.

Pallas Projects/Studios è lieto di annunciare gli artisti partecipanti al nostro programma Artist-Initiated Projects 2025, finanziato dall'Arts Council. La serie di 8 mostre della durata di 3 settimane tra marzo e novembre 2025 presenterà mostre di nuove opere di:

Cillian Finnerty, Michella Randilu Perera, Niamh Coffey, Reuben Brown, Lucy Andrews, Kathryn Maguire, Gary Farrelly, Caroline Mac Cathmaoil.

Artist-Initiated Projects presso Pallas Projects/Studios è un programma annuale di gallerie a partecipazione aperta, composto da 8 mostre della durata di 3 settimane, che si terranno tra marzo e novembre 2025. Questo programma unico di progetti finanziati e promossi da artisti, selezionati tramite open call, è altamente accessibile agli artisti, con un'attenzione particolare agli artisti emergenti, agli esordienti e ai neolaureati. I progetti sono integrati da conferenze, testi, workshop o performance di artisti e visite alle gallerie da parte di college e scuole locali.

Cillian Finnerty — 27 marzo – 12 aprile

Michella Randilu Perera — 24 aprile – 10 maggio

Niamh Coffey — 22 maggio – 7 giugno

Reuben Brown — 19 giugno – 5 luglio

Lucy Andrews — 17 luglio – 2 agosto

Kathryn Maguire — 11-27 settembre

Gary Farrelly — 9-25 ottobre

Caroline Mac Cathmhaoil ​​— 6 – 22 novembre

-

Pallas Projects/Studios è uno degli spazi gestiti da artisti più longevi d'Irlanda, con una tradizione di oltre 28 anni dedicata allo sviluppo professionale degli artisti in un ambiente di supporto e guidato dai pari, offrendo opportunità ad artisti emergenti e a metà carriera di sviluppare ed esporre nuove opere. PP/S si è guadagnato una reputazione a livello nazionale e internazionale tra artisti e organizzazioni, e un'immagine pubblica di successo attraverso mostre, pubblicazioni, collaborazioni e partnership di successo e di forte coinvolgimento critico, e programmi educativi per le scuole. Tra i progetti recenti figurano il progetto di ricerca quadriennale e la pubblicazione "Artist-Run Europe", edito da Onomatopee, Eindhoven nel 4, e la mostra annuale "Periodical Review", giunta ormai alla sua tredicesima edizione.

Tilacini, serpenti e rapaci sono gli animali improbabili che si muovono in ambienti frammentati nell'opera di Ailbhe Ní Bhriain. Attraverso antichi racconti del mitico mondo sotterraneo e immagini ricorrenti di stalattiti e stalagmiti, sperimentiamo scene ambientate in grotte e tunnel popolati da stereotipi etnici.

"Ní Bhriain cerca di collocare le nostre crescenti ansie di crisi all'interno di un mondo strano e orfico, dove le eredità coloniali e industriali si fondono con la consapevolezza del momento attuale" – Michael Dempsey.

Una nuova serie di opere create per la Hugh Lane Gallery, Gli intervalli della piscina dei sogni è una meditazione sullo spettro della perdita che aleggia nell'immaginario contemporaneo. Immagini di pose e gesti studiati, tratti dagli albori della fotografia (un'epoca concepita per proiettare stabilità, status, mondanità e superiorità), sono assemblate da Ní Bhriain nelle opere che incontriamo. Smentiscono gli individui rappresentati e si concentrano invece sulla costruzione del mezzo fotografico stesso.

"negli arazzi ci sono immagini di architetture distrutte, raccolte da molteplici fonti, icone di guerra e disastri climatici che sembrano definire questo periodo" – Ailbhe Ní Bhriain.

Cinque arazzi jacquard di grandi dimensioni costituiscono il fulcro della mostra e creano un viaggio attraverso l'iconografia emblematica della passata repressione coloniale e delle prime aspirazioni tecnologiche. Potenti ed eloquenti, trasmettono complessi messaggi politici e dinastici che resistono a un'interpretazione univoca e riecheggiano la natura frammentaria del modo in cui le informazioni vengono raccolte e assorbite nel nostro subconscio.

Gli intervalli della piscina dei sogni è curata da Michael Dempsey, responsabile delle mostre della Hugh Lane Gallery, e sarà accompagnata da un catalogo illustrato.

Ailbhe Ní Bhriain: gli intervalli della piscina dei sogni apre ufficialmente al pubblico il 27 marzo 2025 e rimane aperta fino al 28 settembre 2025. L'ingresso è gratuito.

La mostra prosegue dal 25 marzo al 1° novembre 2025.

Jack Butler Yeats; La strada dei sogni
Mar. 25 marzo – sab. 1 novembre 2025

The Dreaming Road offre al pubblico l'opportunità di ripercorrere lo straordinario viaggio artistico di Jack Butler Yeats attraverso quattro importanti fasi interconnesse della sua vita e del suo lavoro. La mostra affronta l'eredità della sua straordinaria famiglia di artisti, nonché l'indelebile influenza dei suoi primi anni a Sligo su tutta la sua carriera. Una selezione dei suoi dipinti politicamente intesi degli anni '1920 è esposta insieme ad alcuni dei grandi capolavori dei suoi ultimi anni, noti per il loro stile selvaggiamente romantico ed espressionista. Sebbene Jack fosse notoriamente riluttante a parlare della sua pratica creativa, la mostra è arricchita da una serie di dichiarazioni dell'artista stesso che fanno luce su aspetti dei suoi atteggiamenti e approcci alla pittura.

La famiglia Yeats fu una delle più creative e affermate nel mondo letterario e culturale dell'Irlanda del primo Novecento. Il patriarca, John Butler Yeats, si distinse come artista, particolarmente noto per il suo lavoro nella ritrattistica. I tre fratelli di Jack, William, Susan ed Elizabeth, diedero un contributo significativo alla letteratura, all'editoria e all'istruzione nel corso della loro vita. La loro madre, Susan Pollexfen, era figlia di una ricca famiglia di mercanti di Sligo e instillò nei figli un profondo amore per la gente, il paesaggio e la mitologia della contea.

Jack Butler Yeats rimane uno degli artisti più amati e affermati d'Irlanda. A differenza dei suoi fratelli, Jack fu mandato dai nonni materni a Sligo, dove visse tra gli otto e i sedici anni. Si formò grazie alla profonda esperienza della vita irlandese che incontrò in città, e i suoi personaggi western e i suoi paesaggi spettacolari popolarono le sue opere fino alla fine dei suoi giorni. Mentre i suoi soggetti rimasero gli stessi per tutta la sua lunga carriera, il suo stile pittorico e il significato che attribuiva alle sue opere cambiarono nel tempo. Le sue prime rappresentazioni della vita western erano caratterizzate da un forte sentimentalismo, che espresse negli acquerelli durante il periodo 16-1898. Questo lasciò il posto, nel suo primo periodo a olio (1910-1910), al pronunciato realismo che sviluppò per esprimere un commento politico e sociale.

Jack era tornato a Sligo nel 1898, quando assistette ad alcune delle rievocazioni del centenario della Rivolta del 1798. Lo spettacolo dell'evento suscitò in Jack il suo amore per il dramma della vita quotidiana, e lo ispirò a creare una delle sue prime scene politiche, Robert Emmet - Processione a Carricknagat, Contea di Sligo, 1898. Anche la più seria preoccupazione per la nazionalità irlandese, portata alla ribalta dalle celebrazioni del centenario, ebbe un impatto sul giovane artista. Dal 1898 in poi, si convinse sempre più del diritto all'autodeterminazione irlandese. Dipinse poi diverse opere più apertamente politiche, alcune delle quali sono esposte anche in questa mostra, culminando nei capolavori "Il funerale di Harry Boland", del 1922, e "Comunicazione con i prigionieri", del 1924 circa.

Dagli anni Venti e fino alla fine della sua carriera, si verificò un altro sviluppo più marcato. I soggetti di Jack si permearono di un misticismo e di un simbolismo più profondi. Il suo modo di maneggiare la pittura divenne molto più libero, abbandonò tavolozza e pennello e lavorò direttamente sulla tela utilizzando solo i colori primari. Per tutti gli anni Quaranta, i suoi dipinti ci presentano sempre più visioni apocalittiche. Sviluppò una tecnica altamente personale, che poneva meno enfasi sulla composizione. Si concentrò maggiormente sulla creazione di opere in uno stile "flusso di coscienza" e definì i dipinti che realizzava in questo modo "happening".

La mostra prosegue fino al 1° novembre. Visite guidate approfondite con i curatori si terranno ogni sabato alle 11:XNUMX per tutto giugno, luglio e agosto e possono essere prenotate alla reception o sul sito www.themodel.ie.

Tutte le nostre mostre sono gratuite e aperte a tutti. Chiediamo gentilmente a chi può permetterselo di fare una donazione di 5 € per questa mostra. È possibile effettuare il pagamento contactless presso la postazione di questa galleria.

Titanic Belfast ha annunciato che, in collaborazione con il V&A, ospiterà una mostra gratuita delle opere di uno dei più importanti artisti britannici del XX secolo, Lucian Freud, dal 20 maggio al 2 settembre 30.

Belfast sarà la prima tappa della mostra "Lucian Freud's Etchings: A Creative Collaboration", parte di un tour mondiale. Questa attrazione turistica di fama mondiale è l'unica in Irlanda in cui l'opera d'arte verrà esposta.

Lucian Freud's Etchings: A Creative Collaboration presenterà i pezzi forti di una collezione unica di acqueforti, molte delle quali mai esposte prima. Le bozze di prova raccontano la storia della lunga collaborazione di Freud con il maestro stampatore Marc Balakjian, tra cui una delle sue opere più contemplative e psicologicamente ricche, Donegal Man (2007). Il modello di Donegal Man era Pat Doherty, presidente di Titanic Belfast, il che conferisce a questa mostra un legame molto speciale con la sede.

Le opere provengono dal V&A, una catena di musei dedicati al potere della creatività. La sua missione è promuovere il design e la creatività in tutte le sue forme, promuovere la conoscenza culturale e ispirare creatori, creatori e innovatori in tutto il mondo. Questa è la prima volta che la mostra viene esposta fuori Londra.

Judith Owens MBE, Amministratore Delegato di Titanic Belfast, ha dichiarato: "È un onore annunciare che Titanic Belfast sarà la prima sede a ospitare "Lucian Freud's Etchings: A Creative Collaboration" nell'ambito di un tour mondiale. Siamo entusiasti di esporre opere inedite di uno degli artisti più rinomati al mondo e di offrire un ulteriore motivo per visitare Belfast. La mostra è particolarmente speciale per Titanic Belfast, dato il suo legame con il nostro Presidente Pat Doherty, e sarà visitabile gratuitamente. Siamo lieti di migliorare l'esperienza dei nostri visitatori durante il periodo estivo, che è molto affollato".

Gill Saunders, curatrice della mostra Lucian Freud's Etchings del V&A, ha dichiarato: "Realizzate nell'arco di 25 anni, le straordinarie incisioni di Lucian Freud dimostrano la sua crescente padronanza di questo difficile mezzo espressivo. Esposta insieme per la prima volta, questa collezione unica di prove offre affascinanti spunti sul processo creativo di Freud e ci mostra come i suoi successi nella stampa dipendano dalla sua stretta collaborazione con il maestro stampatore Marc Balakjian".

Questa mostra è stata sponsorizzata da Loftlines, il primo complesso residenziale in affitto dell'Irlanda del Nord situato nel Titanic Quarter, a seguito di un investimento di 150 milioni di sterline da parte di Legal & General.

Adam Burney, Senior Fund Manager, Asset Management presso L&G, ha affermato: "Etchings: A Creative Collaboration di Lucian Freud celebra l'arte, la collaborazione e la cultura, valori che sono al centro della visione di Loftlines e L&G per una nuova comunità dinamica.

"Siamo orgogliosi di sostenere questa mostra di livello mondiale insieme al nostro vicino più prossimo, Titanic Belfast, e di celebrare il crescente slancio culturale della città, segnando al contempo l'inizio del viaggio di Loftlines, che ridefinirà la vita nel centro città di Belfast."

"Lucian Freud's Etchings: A Creative Collaboration" sarà aperta al pubblico tutti i giorni dal 2 maggio al 30 settembre. La mostra gratuita si trova presso la Andrews Gallery, al secondo piano del Titanic Belfast.

Venerdì 2 maggio 2025, presso l'IMMA (Irish Museum of Modern Art) verrà inaugurata un'ambiziosa nuova mostra collettiva, Staying with the Trouble, ispirata all'opera fondamentale omonima dell'autrice e filosofa Donna Haraway. La mostra presenta oltre 40 artisti irlandesi e residenti in Irlanda, le cui diverse pratiche esplorano temi urgenti del nostro tempo.

Sfidando le norme sociali, Staying with the Trouble ci sfida e cerca di dare un senso al presente, mettendo in discussione le relazioni interspecie, le idee di trasformazione e rinnovamento. La mostra sfida le narrazioni incentrate sull'uomo, sostenendo una prospettiva multispecie/multiparentale attraverso scultura, film, pittura, installazione e performance.

La mostra segue le proposte di Haraway come "Creare Parentela", "Compostaggio" e "Seminare Mondi", invitando i visitatori a ripensare le proprie connessioni con esseri umani, animali ed ecosistemi. Altre proposte includono "Critters", che enfatizza l'azione della vita non umana, mentre "Techno-Apocalypse" critica le visioni distopiche della tecnologia, proponendo un futuro più sfumato e interconnesso.
Commentando la mostra, Mary Cremin, Responsabile della Programmazione dell'IMMA, ha dichiarato: "Staying with the Trouble è un invito a ripensare e rimodellare il nostro punto di vista, a rimanere presenti nella complessità, a disimparare modi di vedere incentrati sull'uomo e ad affidarci al potenziale radicale della parentela tra specie, materiali e mondi. Questa mostra è sia una provocazione che un invito a reimmaginare il nostro posto in un futuro condiviso e interconnesso".
Da maggio a settembre, presso l'IMMA, si terrà un programma di proiezioni di film e opere di immagini in movimento nell'ambito di Living Canvas.

La mostra sarà accompagnata da una serie di performance dal vivo sabato 26 luglio 2025.

Gli artisti presenti nella mostra includono Farouk858, Kian Benson Bailes, George Bolster, Renèe Helèna Browne, Myrid Carten, Elizabeth Cope, Redd Ekks, Laura Ní Fhlaibhín, Andy Fitz, Laura Fitzgerald, Marie Foley, Paddy Graham, Aoibheann Greenan, Kerry Guinan, Austin Hearne, Atsushi Kaga, Michael Kane, Sam Keogh, Caoimhe Kilfeather, Diaa Langan, Áine Mac Giolla Bhríde, Marielle MacLeman, Alan Magee, Christopher Mahon, Michelle Malone, Colin Martin, Maria McKinney, Bea McMahon, Thaís Muniz, Bridget O'Gorman, Venus Patel, Samir Mahmood, Alice Rekab, Eoghan Ryan, Jacqui Shelton, Sonia Shiel, Katie Watchorn, Luke van Gelderen, tra gli altri.

Crediti immagine: Venus Patel, 'Fotogramma da Daisy: Prophet of the Apocalypse' (2023). Per gentile concessione dell'artista

Vita intricata
A cura di Cristina Nicotra
Maggio-dicembre 2025

Entangled Life, sostenuto dalla Community Foundation Ireland, è un programma che esplora le profonde connessioni tra clima, società ed ecosistemi, dove arte e comunità si intrecciano. Questa iniziativa svela temi climatici e sociali eterogenei, interpretando l'ecologia come una complessa rete di relazioni tra gli esseri umani, il mondo sovraumano e gli ambienti politici e naturali.

Entangled Life si propone di offrire uno spazio per facilitare una rete di relazioni, collaborazione e coinvolgimento all'interno della comunità. Nel corso di 8 mesi, il progetto riunirà partecipanti, artisti ed esperti della comunità – tra cui Lisa Fitzsimons (Responsabile Strategia e Sostenibilità presso l'Irish Museum of Modern Art), Eileen Hutton PhD (Responsabile Arte ed Ecologia presso il Burren College of Art) e Gareth Kennedy (artista, docente e coordinatore principale di NCAD FIELD) – per una serie di dibattiti mensili, workshop e interventi artistici presso Pallas Projects, che culmineranno in una mostra nel dicembre 2025.

Il progetto trae ispirazione dall'omonimo libro di Merlin Sheldrake, che esplora i mondi miceliali interconnessi che aprono possibilità inaspettate, e dai principi di "Speranza Attiva" di Joanna Macy, che enfatizzano conoscenza, compassione e azione. Con l'obiettivo finale di promuovere un futuro decarbonizzato, il progetto esplora i legami tra le problematiche climatiche e la società, e mostra come siano rilevanti nella nostra vita quotidiana e nella nostra comunità.

La serie di eventi offrirà prospettive diverse e spazio per l'interazione diretta tra i partecipanti attraverso un approccio non lineare e non gerarchico, promuovendo l'esplorazione e il pensiero critico, tenendo conto del benessere mentale. Questa iniziativa multidisciplinare risponde all'esigenza di offrire opportunità per influenzare e attivare il cambiamento in modo efficace. Permette alla comunità di conoscere le problematiche climatiche, reagire e co-creare connessioni e ispirazioni diverse, dinamiche e imprevedibili. Il feedback e le reazioni raccolte durante il programma saranno raccolti in un report di strumenti.

In totale, sette argomenti saranno approfonditi e discussi attraverso dibattiti aperti e workshop, a partire da The Art of Just Transition mercoledì 14 maggio, con Rachel Fallon, artista; la dott.ssa Egle Gusciute, professoressa associata di sociologia presso l'UCD; e Michelle Murphy, analista di ricerca e politica presso Social Justice Ireland e membro della Just Transition Commission.

Programma degli eventi

14 maggio L'arte della giusta transizione (discussione)

11 giugno Alla scoperta dei biomateriali nell'arte e nella società (Talk)

9 luglio Arte e biomateriali (Workshop)

3 settembre Oltre le parole: comunicare la sostenibilità (Talk)

1 ottobre Intersezionalità nell'arte e nel clima (Conversazione)

29 ottobre Clima e arte: programmazione e advocacy (Talk)

27 novembre Entangled Life (inaugurazione della mostra)

3 dicembre Crisi climatica e salute mentale (Workshop)

17 dicembre Attivismo climatico e arte socialmente impegnata (discussione)

Gli eventi si svolgono il mercoledì, dalle 6:8 alle XNUMX:XNUMX. I partecipanti sono invitati a partecipare ad alcuni o a tutti gli eventi. È possibile prenotare i posti tramite Eventbrite, ma saranno disponibili posti per i walk-in, soggetti a disponibilità.

Inaugurata da Niamh Flanagan, artista, maestra tipografa e coordinatrice del programma presso Graphic Studio Dublin
Mercoledì 11 giugno 2025 alle ore 7:XNUMX

Navigating Space è una mostra personale di Maria Atanacković. Riunendo opere su carta, legno e lino, la mostra esplora la costruzione dello spazio attraverso l'assemblaggio e la stampa.

La pratica di Atanacković si basa sul processo di scomposizione e ricostruzione della forma, utilizzando forme geometriche, stratificazione e composizione per indagare l'equilibrio tra struttura e spontaneità.

Questo nuovo corpus di opere riflette la sua continua esplorazione delle relazioni spaziali. Attraverso elementi grafici audaci e composizioni attentamente studiate, crea composizioni astratte che riecheggiano i modi in cui ci muoviamo nell'ambiente circostante, sia fisicamente che emotivamente. Alcune opere hanno una qualità architettonica precisa, mentre altre si evolvono attraverso un processo più intuitivo, in cui le forme emergono, si spostano e si stabilizzano.

L'interesse di Atanacković per lo spazio si estende oltre il visibile, approfondendo le strutture sottostanti che plasmano il nostro senso di luogo e di appartenenza. È particolarmente attratta dalla tensione tra familiarità e dislocazione, e dal modo in cui creiamo connessioni all'interno di ambienti non familiari. Navigating Space considera queste idee attraverso materiali e forme, invitando lo spettatore a interagire con l'opera come un processo di movimento e scoperta.

Navigating Space di Maria Atanacković sarà accompagnato da un programma di coinvolgimento per i giovani, che comprenderà uno spazio di risposta nella nostra Galleria al primo piano.

L'IMMA presenta una mostra personale di Sam Gilliam (1933-2022), uno dei grandi innovatori della pittura americana del dopoguerra, co-organizzata con la Sam Gilliam Foundation. Nati a metà degli anni '1960, i suoi canonici dipinti "Drape" fondevano pittura, scultura e performance in un dialogo con l'architettura in modi completamente nuovi. Sospendendo tele dipinte non tese alle pareti o ai soffitti degli spazi espositivi, Gilliam trasformò il suo medium e i contesti in cui veniva osservato.

Sewing Fields mette in luce il legame di Gilliam con l'Irlanda, dove una residenza trasformativa presso la Ballinglen Arts Foundation negli anni '1990 ha rimodellato la sua pratica artistica. Gilliam ha abbracciato nuovi materiali, lavorando con tessuti pre-colorati che aveva spedito in Irlanda, tagliandoli e sovrapponendoli in composizioni scultoree. Una collaborazione con una sarta locale ha ulteriormente ampliato questo processo, rafforzando la sua innovativa fusione di tecniche pittoriche e tessili.

Le forme drammatiche e ondulate delle sue opere risuonano con la vastità e la natura selvaggia della costa irlandese, con composizioni fluide e fluide che riflettono la natura organica e imprevedibile della terra e del mare. Le vibranti campiture di colore, caratteristiche di Gilliam, sono state influenzate dalla luce unica irlandese, dando vita a tonalità atmosferiche, quasi traslucide. Allontanandosi dalla rigida geometria del modernismo, le opere di Gilliam in Irlanda hanno favorito un dialogo intuitivo con l'ambiente circostante, celebrando la fisicità della pittura e la risonanza emotiva del luogo attraverso l'astrazione e la materialità.

Questa mostra prosegue l'impegno dell'IMMA con artisti il ​​cui lavoro ha ricevuto rinnovata attenzione e riconoscimenti negli ultimi anni, tra cui Howardena Pindell (2023), Derek Jarman (2019) e Frank Bowling (2018).

Visita le mostre estive del Douglas Hyde:
⁠
Mohammed Sami 'A chi può interessare'
Galleria 1⁠
⁠
L'occhio dell'artista: Bas Jan Ader⁠
Galleria 2⁠
⁠
13 giugno – 14 settembre 2025

Mohammed Sami ha ottenuto riconoscimenti per i suoi dipinti intensi che esplorano la memoria, il conflitto e la perdita attraverso il familiare reso estraneo. La sua prima mostra personale in Irlanda riunisce un gruppo di importanti nuove tele insieme a una selezione di opere realizzate negli ultimi cinque anni. È uno dei quattro artisti selezionati per il Turner Prize di quest'anno.
⁠
Lavorando direttamente sulla tela con pennelli, spatole e vernice spray, Sami crea texture, superfici e dettagli, costruendo la composizione nel suo insieme. Attingendo alle esperienze personali per dare forma al suo lavoro e influenzato dalla letteratura e dalla poesia araba, Sami sostituisce le immagini del trauma con riferimenti obliqui alla perdita o al conflitto. Sebbene privi di figura umana, le ambientazioni, gli oggetti quotidiani e le ombre, nei suoi dipinti, trasmettono tracce della presenza umana. Utilizza medium, scala e titolo, ciascuno dei quali si alimenta a vicenda per creare opere intense e inquietanti.
⁠
Riconoscendo il ruolo cruciale che gli artisti svolgono nell'influenzare e plasmare altre pratiche artistiche, la serie "The Artist's Eye" chiede a coloro che espongono nella Galleria 1 di invitare un artista influente a presentare un'opera nella Galleria 2. In questa puntata Mohammed Sami ha selezionato l'opera dell'artista Bas Jan Ader intitolata "I'm Too Sad To Tell You" (1971) da presentare.
⁠
Visita The Douglas Hyde da mercoledì a domenica dalle 12:5 alle 12:6, giovedì dalle XNUMX:XNUMX alle XNUMX:XNUMX.

La mostra "Art in Motion" verrà inaugurata al Baile Mhuire Day Centre.

Il Tralee Art Group è lieto di annunciare la sua ultima mostra collaborativa, "Art in Motion", che verrà inaugurata ufficialmente martedì 17 giugno alle 2.30:XNUMX presso il Baile Mhuire Day Centre, Balloonagh, Tralee. L'inaugurazione sarà presieduta dall'ospite speciale Paddy Garvey, Presidente del Baile Mhuire, e tutti sono benvenuti. Gli ospiti potranno godersi un pomeriggio di arte, musica e rinfreschi in un ambiente accogliente e inclusivo.

Questa mostra speciale è il risultato di una collaborazione unica tra i membri del Tralee Art Group e i clienti del Baile Mhuire Day Centre, che mette in mostra l'energia creativa e l'espressione di entrambi i gruppi. Con una varietà di opere realizzate con tecniche, stili e soggetti diversi, Art in Motion celebra il movimento, la creatività e lo spirito comunitario.

Il TAG si impegna ad arricchire la vita culturale di Tralee e delle aree circostanti. Il gruppo organizza regolarmente mostre, workshop e progetti comunitari e ha costruito solidi rapporti con le organizzazioni locali, tra cui una partnership di volontariato in corso con Baile Mhuire.

Questa mostra riflette questa collaborazione, con opere d'arte create non solo dai membri del TAG, ma anche dai clienti del Centro Diurno che partecipano settimanalmente a laboratori creativi tenuti dai volontari del Tralee Art Group. Il risultato è una collezione di opere d'arte gioiosa e stimolante, ogni pezzo racconta una propria storia di immaginazione, connessione e collaborazione.

Tutti sono invitati a partecipare all'inaugurazione e a celebrare questa edificante dimostrazione di espressione artistica nella nostra comunità. La mostra durerà un anno e sarà aperta al pubblico nei giorni feriali dalle 4:5 alle XNUMX:XNUMX.

Date della mostra: 27.06.25 – 13.09.25
Evento di lancio: venerdì 27 giugno dalle 6:XNUMX

Artisti espositori: David Beattie, Ala Buisir, Cecilia Bullo, Pauline Cummins, Lauren Kelly, Maria McKinney e Fiona Whelan

Together in Commune è la prima mostra dello Studio Programme di Rua Red, curata da Marysia Wieckiewicz e che presenta opere degli attuali artisti residenti nello studio di Rua Red: David Beattie, Ala Buisir, Cecilia Bullo, Pauline Cummins, Lauren Kelly, Maria McKinney e Fiona Whelan.

Questa mostra segna un momento importante per Rua Red, evidenziando la profondità e l'ampiezza delle pratiche coltivate e sostenute tra queste mura. Lavorando a stretto contatto con il curatore nei mesi che precedono la mostra, ogni artista presenta opere che riflettono la propria pratica individuale, esplorando al contempo collettivamente temi centrali dell'arte contemporanea socialmente impegnata.

Lo Studio Programme di Rua Red, assegnato tramite selezione da una giuria per un periodo da uno a tre anni, è un pilastro fondamentale della missione dell'organizzazione: supportare gli artisti in ogni fase della loro carriera. Gli studi di Rua Red offrono agli artisti tempo, spazio e una comunità solidale che incoraggia una pratica artistica costante e critica. A sua volta, la presenza di questi artisti nell'edificio plasma radicalmente Rua Red come centro di ricerca e sperimentazione. Il loro lavoro contribuisce a un'ecologia di idee vibrante e in continua evoluzione che si estende oltre le mura dello studio, arricchendo sia l'organizzazione che il più ampio panorama culturale della contea di Dublino Sud e oltre.

L'amore è tendere ciecamente i rizoidi e ancorarli a una roccia è la più recente manifestazione del mondo di Xenophon, un progetto collaborativo di costruzione del mondo di McGibbon O'Lynn.

Radicata nel mondo immaginario degli Xenothorpiani – una specie fluida in continua mutazione attraverso intrecci vegetali, umani ed ecologici – la mostra innesca una storia d'amore multispecie che va oltre la specie e la sessualità. Il progetto espande i concetti di intimità e relazioni attraverso avventure, corteggiamenti, desideri e legami con il giardino.

Il duo artistico riflette su come la gamification degli appuntamenti abbia plasmato il modo in cui gli esseri umani si relazionano tra loro, dai programmi televisivi degli anni '1960 come The Dating Game ai giochi da tavolo degli anni '1990 come Dream Phone, fino alle app odierne basate sullo swipe come Tinder e Bumble. Questi formati riducono l'amore a strategia, velocità e superficialità, spesso rafforzando dinamiche transazionali e usa e getta. Questa mostra risponde a questo cambiamento, interrogandosi su cosa perdiamo quando l'intimità diventa un gioco. Propone una radicale rivisitazione della connessione, verso una forma di amore e relazionalità più espansiva, inclusiva e multispecie.

Il pubblico è invitato a partecipare a questo gioco di incontri multispecie attraverso narrazioni rituali, materiali e speculative. Il progetto si chiede: quali nuove intimità nascono quando amiamo senza confini di specie?

Maeve O'Lynn è una scrittrice, regista e ricercatrice che vive a Belfast. Siobhán McGibbon è un'artista visiva e ricercatrice che vive a Cork. Hanno iniziato a costruire mondi insieme come McGibbon O'Lynn nel 2015.

Questo progetto è sostenuto dalla Lotteria Nazionale attraverso l'Arts Council of Northern Ireland, il Derry City & Strabane District Council e il Cork County Council.

Per maggiori informazioni visita CCADLD.org/exhibitions

Mairead O'hEocha; Alfabeti aggiuntivi
Sab. 5 lug. – Sab. 20 set. 2025
A cura di Michael Hill

I recenti dipinti di Mairead O'hEocha raffigurano una serie di scene da tavolo straordinarie e quotidiane che fluttuano dentro e fuori dai fatti e dagli arredi dell'ambiente circostante: uccelli invadono un pranzo in giardino, un polipo arrotola i suoi tentacoli in una sala dei trofei, una finta pagnotta di pane è esposta solennemente nel museo di un condominio; una bufera di neve viene osservata dalla comodità di uno spazio di lavoro domestico.

I dipinti di O'hEocha consolidano una varietà di temi ricorrenti: come rappresentare "il mondo naturale" e il nostro rapporto con esso, gli incontri sensoriali e lo spazio digitale. Extra Alphabets è la più grande raccolta di opere di O'hEocha in una mostra fino ad oggi. L'attenzione è rivolta a un gruppo di nuovi dipinti a olio di grandi dimensioni, con una serie di opere inedite, oltre a una selezione da mostre internazionali, che arricchiscono questa panoramica della pratica dell'artista. La mostra include anche interventi pittorici che animano le pareti della galleria, portando l'opera di O'hEocha in stretto dialogo con l'architettura unica di The Model. Questi elementi dipinti giocano con i perimetri dello spazio espositivo, così che le vetrine, le finestre, gli animali, gli oggetti in vetro, i tavoli e le loro linee d'orizzonte – il registro dei motivi di O'hEocha – espandono, assorbono e riflettono il suo approccio alla pittura e alle sue forme espositive.

Discorsi d'artista
Sabato 5 luglio, ore 3:XNUMX

All'inaugurazione della mostra Ben Eastham parlerà con Mairead O'hEocha del suo lavoro.

Ben Eastham è uno scrittore e redattore che vive tra Roma e Londra. È caporedattore di e-flux Criticism e co-fondatore di The White Review. Il suo secondo libro, The Imaginary Museum, è stato pubblicato a settembre 2020; il suo romanzo d'esordio, The Floating World, è di prossima uscita per Fitzcarraldo Editions.

Una mostra della Crawford Art Gallery Collection selezionata da Salt & Pepper LGBTQI+ Art Collective con Toma McCullim

Uillinn: West Cork Arts Centre, insieme al gruppo Salt & Pepper (il più antico collettivo artistico LGBTQI+ di West Cork), ha collaborato con l'artista Toma McCullim per curare una mostra stimolante per l'estate 2025. Intitolata Grá, questa mostra celebra l'amore in tutte le sue forme e attinge alla collezione della Crawford Art Gallery. Ad accompagnare questa selezione curata ci sono le risposte alle singole opere d'arte esposte, realizzate dagli artisti del Salt & Pepper Collective.

Mentre questa istituzione culturale nazionale è chiusa per la sua importante riqualificazione – Transforming Crawford Art Gallery – si è presentata l'opportunità di condividere parte della sua collezione con altre organizzazioni in tutta l'isola d'Irlanda per creare incontri significativi per il pubblico. Con la guida del Dr. Michael Waldron, curatore delle collezioni e dei progetti speciali presso la Crawford Art Gallery, Salt & Pepper ha esplorato la collezione per dare forma a una vetrina diversificata e inclusiva per Uillinn, accompagnata da un ricco programma di conferenze, visite guidate, workshop ed eventi.

Grá presenta opere chiave del XX e XXI secolo, tra cui l'iconico Ritratto di Fiona Shaw (20) di Victoria Russell, La rosa rossa (21) di John Lavery e Autoritratto e gatto (2002) di Patrick Hennessy, oltre a Nel suo giardino (1923) di Paul La Rocque e la serie fotografica Hi, Vis (1978-1998) di Dragana Jurišić. La mostra include anche opere di, tra gli altri, Sara Baume, Margaret Clarke, Tom Climent, Gerard Dillon, Stephen Doyle, Mainie Jellett, Harry Kernoff, Janet Mullarney, Isabel Nolan, John Rainey, Patrick Scott, Edith Somerville, Niamh Swanton e Mary Swanzy.

Un momento clou della mostra è la formazione del Coro Grá, guidato dalla cantautrice Liz Clark in collaborazione con Salt & Pepper. Il coro eseguirà "Beloved", un brano corale e un commovente omaggio all'amore duraturo, composto da Carol Nelson per la moglie Deborah, all'inaugurazione della mostra Grá. Un'ulteriore esibizione si terrà nella chiesa di St. Barrahane a Castletownshend più avanti in estate.

Sviluppata attraverso una serie di workshop organizzati da West Cork Rainbow Families in collaborazione con Toma McCullim, la Grá Discovery Box sarà disponibile per tutta la durata della mostra. Invita le famiglie a esplorare insieme la mostra, incoraggiando l'interazione con le opere d'arte e offrendo spunti sui processi creativi degli artisti. L'utilizzo è gratuito e non è richiesta la prenotazione.

Sviluppato e facilitato dall'artista Toma McCullim e dall'esperta in salute Sarah Cairns, "In the Picture, le Grá" è un programma espositivo pensato appositamente per piccoli gruppi e pensato per le persone affette da demenza. Ai partecipanti viene concesso il tempo di esplorare lo spazio e le opere d'arte al proprio ritmo, con rinfreschi leggeri inclusi per creare un'atmosfera rilassata e accogliente.

Le proiezioni cinematografiche includono un programma di cortometraggi curato da Kai Fiáin che riflette i temi della mostra: intimità, resistenza e rinnovamento, sabato 23 agosto alle 7.00:5.5; Not to be Known di Aideen Barry (film a canale singolo, 1 minuti, Crawford Collection) venerdì 10.00 agosto dalle 4.30:12 alle 23:10.00 e The Heart of a Tree di Clare Langan (film digitale HD, 3.30 minuti, Crawford Collection) sabato XNUMX agosto dalle XNUMX:XNUMX alle XNUMX:XNUMX.

La conferenza e le visite guidate alla Grá Gallery con il dott. Michael Waldron si terranno giovedì 24 luglio alle ore 1.00:18 e giovedì 1.00 settembre alle ore XNUMX:XNUMX. L'evento è gratuito e non è necessaria la prenotazione.

Per ulteriori informazioni su questi e altri eventi, consultate i nostri canali web e social media.

Immagine: Paul La Rocque, Nel suo giardino. Collezione Crawford Art Gallery, Cork. © l'artista

Quest'estate segna un momento di trasformazione per Kilmacthomas: lo storico Old Woollen Mill riapre i battenti, con il primo piano del mulino ripensato come l'8 Arch Gallery, un nuovo spazio culturale nel cuore della città. Per celebrare questa riapertura, la galleria presenta con orgoglio la sua mostra inaugurale, con opere di sette dei più importanti artisti viventi d'Irlanda.
Charles Tyrell
Bernadette Kiely
Gerda Teljeur
Paolo Mosse
Eilis O'Connell
Eamon Colman
pat harris
Questa mostra storica riunisce un'entusiasmante collezione di disegni, dipinti e sculture. Ogni artista è stato accuratamente selezionato per il suo contributo alle arti visive e per la voce unica che apporta alla narrativa culturale irlandese in continua evoluzione.

Nel dicembre 2017, l'artista e regista Steve McQueen (nato a Londra, Regno Unito, nel 1969) ha realizzato un'opera d'arte in risposta all'incendio che ha colpito la Grenfell Tower, a North Kensington, nella zona ovest di Londra, all'inizio di quell'anno. Nella tragedia hanno perso la vita 14 persone. Filmando la torre prima che fosse ricoperta di cartelloni pubblicitari, McQueen ha voluto creare un ricordo.

In seguito all'incendio, un'inchiesta governativa è stata avviata da settembre 2017 a settembre 2024. Le raccomandazioni formulate non sono ancora state attuate, il che significa che una tragedia simile potrebbe ripetersi. È in corso un'indagine penale, con possibili accuse tra cui omicidio colposo. Non sono previsti processi prima del 2027, ovvero oltre un decennio dopo l'incendio.

Grenfell è stata presentata per la prima volta nel 2023 alla Serpentine Gallery nei Kensington Gardens di Londra, dopo un periodo di esposizioni private, dando priorità alle famiglie in lutto e ai sopravvissuti. Dopo la sua presentazione alla Serpentine Gallery, l'opera è stata affidata alla Tate Gallery e alle collezioni del London Museum.

Si prega di notare che le proiezioni di Grenfell si terranno a orari prestabiliti. Le porte apriranno quindici minuti prima dell'orario della proiezione e la proiezione inizierà puntualmente. Quest'opera è pensata per essere vista dall'inizio, quindi purtroppo i ritardatari non saranno ammessi. Il film dura 24 minuti.

Il filmato contiene immagini ravvicinate della torre sei mesi dopo l'incendio. Se avete bisogno di un momento di pausa, riposo e riflessione, vi preghiamo di contattare un membro del nostro team.

Non è consentito filmare o fotografare all'interno della galleria. Si prega di assicurarsi che il telefono sia in modalità silenziosa.

Questo tour nazionale è coordinato dalla Tate in collaborazione con le sedi partner ed è reso possibile grazie ai finanziamenti pubblici della National Lottery tramite l'Arts Council England e dall'Art Fund.

Siamo lieti di presentare "Primate" dell'artista irlandese Daphne Wright. Quest'opera fa parte di una serie di sculture di Wright che esplorano il rapporto tra esseri umani, animali e medicina. La scultura è stata realizzata partendo da uno stampo di un macaco rhesus recentemente morto presso l'istituto scientifico Wisconsin National Primate Research Centre.

L'artista spiega: "Per affrontare il problema di ciò che noi umani facciamo coinvolgendo gli animali nella nostra ricerca salvavita, l'atto centrale della creazione dell'opera d'arte è stato quello di accedere a questa fase della vita-morte dell'animale attraverso la sua forma fisica diretta. Il primate è nostro parente e il nostro sostituto. Non solo in medicina, ma anche per il cuore e l'immaginazione. È un'immagine dell'umano. Tutto ciò che riguarda il suo essere simile a noi è pieno di pathos: il suo corpo, la sua vicinanza, la sua delicata biologia, la sua espressione. La scimmia rhesus è il nostro antenato, il nostro antenato passato e scomparso, un oggetto di fantasticheria, onore, compassione e lutto".

Questa notevole aggiunta alla collezione continua a rafforzare la missione della Galleria: acquisire opere di artisti irlandesi e internazionali che riflettano l'evoluzione delle pratiche artistiche. L'attuale esposizione di Primate coincide con la mostra personale di Wright "Deep Rooted Things" all'Ashmolean Museum di Oxford, concepita in collaborazione con la Hugh Lane Gallery. Il catalogo della mostra è disponibile presso la libreria HLG.

Il Grande Libro d'Irlanda è uno straordinario manoscritto su pergamena che contiene le opere originali di 120 artisti, 140 poeti e nove compositori.

A tutti i partecipanti è stata posta una domanda: esprimere le proprie speranze, gioie, paure e passioni per un irlandese all'inizio del secondo millennio. Descritto dall'ex presidente Mary Robinson come "il Libro di Kells del secondo millennio", tra gli artisti e gli scrittori che hanno contribuito figurano Samuel Beckett, Eavan Boland, Cecily Brennan, Louis le Brocquy, Eiléan Ní Chuilleanáin, Barrie Cooke, Dorothy Cross, Daniel Day-Lewis, Nuala Ní Dhomhnaill, Seamus Heaney, Eithne Jordan, Michael Longley, John Montague, Tony O'Malley, Kathy Prendergast e Patrick Scott.

I visitatori avranno l'opportunità di visionare il manoscritto originale e di utilizzare un touchscreen digitale per voltare le pagine ed esplorare l'eccezionale gamma di pratiche artistiche riunite in questo straordinario manufatto culturale.

I visitatori avranno l'opportunità di visionare il manoscritto originale e di utilizzare un touchscreen digitale per voltare le pagine ed esplorare l'eccezionale gamma di pratiche artistiche riunite in questo straordinario manufatto culturale.

The Great Book of Ireland è sostenuto dall'Arts Council Ireland, dall'University College Cork e da enti filantropici privati ​​attraverso la Cork University Foundation.

Nella sua nuova opera sperimentale di immagini in movimento The Glass Booth / An Both Gloine, l'artista Jenny Brady getta uno sguardo cinematografico sulla figura dell'interprete, esplorando la professione interpretativa e il panorama contemporaneo dell'interpretazione. Attraverso vignette ambientate in ambienti sia estremi che familiari, il film ritrae i processi di ascolto, parola e oblio all'interno di atti di interpretazione formale e informale. Questo film è uno studio della natura complessa e intersoggettiva del lavoro degli interpreti, ponendoli al centro, piuttosto che come intermediari che si confondono sullo sfondo. Brady cerca di illuminare l'atto interpretativo: un elaborato processo sensoriale di ascolto, decodificazione e risposta.

Il film nasce da una ricerca sulla nascita della professione di interprete, che ha meno di un secolo. La tecnologia dell'interpretazione simultanea, il sistema di interpretazione linguistica che consente agli interpreti di ascoltare e parlare contemporaneamente, fu impiegata per la prima volta in modo prominente durante i processi di Norimberga, svoltisi tra il 1945 e il 1946, sviluppandosi in diretta relazione con le moderne relazioni diplomatiche internazionali e con la fondazione delle Nazioni Unite. Questo progetto si basa sui temi esplorati nei recenti film di Brady, Music for Solo Performer (2022) e Receiver (2019), che hanno esaminato le complessità della comunicazione mediata dalla tecnologia.

The Glass Booth esamina l'arte dell'interpretazione in quattro ambiti diversi: l'incontro tra Ronald Reagan e Mikhail Gorbachev al Summit di Ginevra del 1985, un colloquio con un richiedente asilo presso l'Ufficio per la Protezione Internazionale, un programma per Giovani Interpreti in una scuola elementare di Dublino e un interprete di conferenza europeo che traduce in tempo reale nelle lingue di destinazione. In ogni contesto, sebbene la posta in gioco sia alta, gli errori sono inevitabili. Un interprete parla della sua dipendenza dalla memoria muscolare per svolgere il lavoro, paragonando il suo lavoro di interpretazione simultanea alla sua precedente carriera di paramedico e al suo interesse per i rally. Esplorando la negoziazione tra intenzione ed espressione, l'opera mette a nudo come l'interpretazione sia essenziale per la sopravvivenza dell'umanità. Il film sarà proiettato in due versioni, alternate: una con sottotitoli e l'altra con descrizioni audiovisive per un pubblico non vedente o ipovedente. The Glass Booth è stato generosamente finanziato attraverso il Film Project Award dell'Arts Council ed è stato presentato in anteprima al Galway Film Fleadh 2025.
Testo di Aisling Clark.

Orari di proiezione: 11:00, 11:40, 12:20, 1:00, 1:40, 2:20, 3:00, 3:40, 4:20, 5:00.
Il film verrà proiettato in due versioni alternate: una con sottotitoli e l'altra con descrizioni audiovisive per un pubblico non vedente o ipovedente.

Sara Flynn, Sueharu Fukami, Shihoko Fukumoto, Joe Hogan, Eiko Kishi, Frances Lambe, Deirdre McLoughlin, O'Donnell + Tuomey, Satoru Ozaki, Sean Scully, Joseph Walsh, Kan Yasuda, Osamu Yokoyama.

A cura di Wahei Aoyama e Joseph Walsh.

RINN esplora la cultura del fare e il suo rapporto con il luogo e il tempo attraverso il lavoro di artisti e architetti irlandesi e giapponesi. Sebbene ogni pezzo sia un'espressione personale della forma, le loro opere sono accomunate da un'immersione nella cultura del fare. Che si tratti di attingere alla tradizione artigianale – i materiali e le competenze associati al luogo – o di sperimentare nuove tecniche e ricercare nuovi materiali, tutte condividono un rapporto intimo con il fatto a mano.

Rinn in gaelico significa luogo o punto, mentre in giapponese la stessa parola significa cerchio, anello o circolarità. Joseph Walsh ha osservato che il significato in entrambe le lingue rappresenta fortemente le idee inerenti alla sua pratica, quelle del luogo e del momento presente nel tempo, all'interno di un ciclo continuo.

Presentata da Making In di Joseph Walsh Studio nell'ambito del programma Ireland Japan 2025 in collaborazione con il governo irlandese, la mostra è stata inaugurata ad aprile presso Ireland House e A Lighthouse called Kanata, Tokyo.

Il Glucksman è orgoglioso di ospitare lo spettacolo al suo ritorno in Irlanda.

RINN è sostenuto da The Arts Council Ireland, University College Cork, Government of Ireland, Ireland Japan 2025, A Lighthouse Called Kanata e dalla filantropia privata tramite la Cork University Foundation.

Maitiú Mac Cárthaigh è un'artista visiva, ricercatrice e laureata presso la MTU Crawford. La sua attuale ricerca nasce dal suo legame con l'esistenza queer rurale in Irlanda. Questo progetto esamina la solitudine queer (de)coloniale/performatività identitaria nella cultura contemporanea e come questa sia influenzata dalla nostra storia. Negli ultimi quarant'anni, abbiamo assistito a un rapido cambiamento nella posizione queer in Irlanda, arrivando al punto in cui la queerness è diventata sinonimo di parole come "nuovo" e "radicale". Con questo progetto, Maitiú ripercorre la storia irlandese e si interroga su come l'occupazione coloniale e la persistente egemonia cattolica romana abbiano epurato, bruciato e relegato così tante storie e storie queer. Come si può conoscere appieno la propria identità quando ne viene negata la discendenza e come la cultura eteronormativa è in grado di usare questo contro di noi? Questa ricerca si inserisce nel contesto più ampio della loro pratica, che esamina i meccanismi di assimilazione di gruppo, autoannientamento e ascesa all'interno di comunità queer, bianche e irlandesi isolate. Il lavoro di Maitiú è formalizzato attraverso bioinstallazioni, stampe, suoni e video.

Dopo aver completato il Master in Ricerca Artistica nel 2023, hanno ottenuto una residenza presso Casino Display (LUX), sono stati selezionati per gli RDS Visual Arts Awards 2023 e selezionati per esporre nell'ambito di "Person, Presence, Perception", una mostra itinerante che coinvolge tutta l'Irlanda con l'OPW e il Dipartimento delle Finanze dell'Irlanda del Nord. Di recente, hanno presentato il loro lavoro nell'ambito del Radio Solstice in Cork Midsummer Festival 2024 e hanno ricevuto l'Agility Award 2024.

Questa residenza e la successiva mostra personale si baseranno sull'attuale attenzione dell'artista per l'omosessualità rurale e i processi agricoli in Irlanda. Durante la residenza, si concentreranno sulla storia e gli effetti della solitudine sull'esperienza queer rurale e su come questa sia collegata a idee di sterilità, monoculturalismo comunitario, omogeneità, senso di colpa bianco e assimilazione queer nella cultura eteronormativa dominante. Questo lavoro è un'estensione della ricerca di Maitiú sulle politiche agricole irlandesi e su come questa sia influenzata dalle storie di colonizzazione, globalizzazione e superiorità occidentale.

Questo progetto mira a rivendicare la presenza queer irlandese e la performatività dell'identità attraverso la voce e la tradizione di na coainte (plurale nomativo di coaineadh). Partendo dalla loro pratica materiale esistente, questa ricerca si articola in tre elementi. Il primo è una pubblicazione di ricerca in corso commissionata da Bad Penny Publishing (L'Aia, Paesi Bassi). Come ricerca sui materiali, Maitiú sta proseguendo l'esplorazione di bioplastiche realizzate con lubrificante e collaborando con il Dr. Declan Tuite per creare un mottetto queer o un brano corale monastico polivocale.

La residenza coinciderà con il Cork Pride Festival.

Triskel Sample Project Space è una nuova partnership tra Triskel e Sample-Studios che offrirà uno spazio dedicato ai progetti di arti visive per artisti, in particolare emergenti e a metà carriera, dove testare idee e sviluppare nuove opere accessibili al pubblico. Questo offre agli artisti concrete opportunità di sviluppo professionale e di coinvolgimento del pubblico nel loro "territorio di casa", dove hanno a disposizione uno spazio sicuro per sviluppare nuove idee, all'interno del quale è possibile assumersi dei rischi.

Alan Butler
Maria FitzGerald
Damien Flood
Marco Joyce
Sorcha McNamara
Bridget riley
Oisín Tozer

Date della mostra: 1 agosto – 19 settembre 2025
Inaugurazione: giovedì 31 luglio 2025, ore 5:8-XNUMX:XNUMX

"Delizie Terrene" è il titolo del trittico di Hieronymus Bosch, risalente all'inizio del XVI secolo, intitolato "Il Giardino delle Delizie". Questo dipinto racconta la Creazione, la Nascita e la Caduta dell'uomo e della donna. Fu dipinto nei Paesi Bassi tra il 16 e l'inizio del 1490. Attualmente si trova al Museo del Prado di Madrid. Da allora ha affascinato pubblico e artisti, tra cui alcuni artisti irlandesi e uno o due presenti in questa mostra.

Il tema del Giardino è ripreso anche nella mostra estiva Earthly Delights della Green On Red Gallery, che presenta artisti le cui opere riflettono sulla vita, sulla morte e sulla società, per non parlare di un mondo in crisi.

Craig Jefferson è un artista scozzese che ora vive a Bangor, nell'Irlanda del Nord, con la moglie e tre figli. Ha iniziato la sua carriera creativa alla Leith School of Art di Edimburgo nel 2002 e ha proseguito gli studi all'Edinburgh College of Art, dove si è laureato con lode in Disegno e Pittura.

Craig è attualmente rappresentato dalla Stafford Gallery di Londra e dalla Contemporary Six Gallery di Manchester. Come membro del New English Art Club, espone annualmente presso le Mall Galleries e presso gallerie associate in tutto il Regno Unito. Ha partecipato a diverse mostre collettive dell'Accademia nel Regno Unito e in Irlanda e le sue opere sono state incluse in prestigiose mostre premiate come il Columbia Threadneedle Prize e il Lynn-Painter Stainers Prize. Le sue opere sono presenti in collezioni private in Europa e negli Stati Uniti.

Craig è stato uno dei nostri primi membri dello studio a Seacourt, dove ha uno spazio con vista su Central Avenue al secondo piano. Da quando è qui, si è immerso nella stampa d'arte, concentrandosi su serigrafia, monografia e collografie in tetrapak.

Questa mostra sarà la prima in cui Craig esporrà stampe accanto ai suoi dipinti. L'impollinazione incrociata di questi processi ha apportato una ventata di freschezza all'approccio e all'applicazione dell'artista, come lui stesso afferma:

"L'impegno nella stampa ha avuto un impatto enorme sul mio modo di dipingere. È un modo di pensare completamente nuovo. Mi si è aperto un nuovo regno di idee e possibilità."

Venite a vedere dal vivo le opere di Craig la sera dell'inaugurazione della mostra, giovedì 31 luglio dalle 6:9 alle 19:XNUMX. La mostra proseguirà fino al XNUMX settembre.

Ricevimento di apertura:
Giovedì 31 luglio, ore 6

'Faigh Amach' è un'iniziativa della Temple Bar Gallery + Studios (TBG+S) in collaborazione con Culture Ireland e Southwark Park Galleries (SPG) di Londra, per sostenere un artista nella presentazione della sua prima mostra personale fuori dall'Irlanda.

"Faigh Amach", che si traduce approssimativamente come "scoprire", si terrà come mostra collettiva presso TBG+S nell'estate del 2025, riunendo tre artisti selezionati tramite un bando aperto nel 2024: Ella Bertilsson, Kathy Tynan, Emily Waszak. Uno dei tre artisti espositori sarà invitato a presentare la sua prima mostra personale internazionale presso la SPG Lake Gallery nella primavera del 2026. Durante la pianificazione e la durata di "Faigh Amach", la direttrice della SPG Judith Carlton e la vicedirettrice Charlotte Baker condurranno visite in studio di persona e online con i tre artisti, oltre a visitare la mostra presso TBG+S prima di effettuare la selezione per il loro programma.

Ella Bertilsson utilizza immagini e materiali legati alla cultura pop e all'estetica della nostalgia per evocare un senso condiviso di memoria e luogo. Le sue installazioni, che spesso incorporano film e performance, utilizzano il linguaggio visivo del realismo magico e dell'assurdo per evocare ambienti sensoriali onirici e dal cupo umorismo. Lo scontro tra bizzarria e ingenuità riflette l'impatto dell'ansia e della precarietà nella vita quotidiana. L'installazione di Bertilsson per "Faigh Amach" crea un nuovo incontro con un recente lavoro cinematografico, "A PEANUT WORM'S DREAM", mentre gli spettatori si immergono in uno spazio interno immersivo dietro una scena di montagna che funge da sfondo fotografico. Ora, emergendo dal film stesso, alcuni dei suoi personaggi – un pesce e una capra/cervo – iniziano a popolare il loro ambiente reale al di fuori dei confini dell'ambientazione del magazzino del film.

I dipinti di Kathy Tynan, che ritraggono paesaggi urbani familiari e scene domestiche, illuminano momenti di affetto, intimità e curiosità. Invece di focalizzare lo sguardo su punti di riferimento monumentali, Tynan attribuisce valore a ciò che altrimenti verrebbe trascurato. I suoi soggetti semi-autobiografici includono la sua famiglia e i suoi amici, ma parlano più ampiamente di entusiasmi condivisi, esperienze di cura, comunità e relazioni. Il gruppo di dipinti recenti di Tynan in mostra raccoglie una serie di scene personali tratte da ricordi e fotografie di famiglia. Piumini e pigiami a fantasia confondono linee temporali tra l'infanzia dell'artista e la sua esperienza di madre con un figlio piccolo. La sequenza di dipinti appare come un panorama di flashback cinematografici.

Le opere tessili e di assemblaggio di Emily Waszak traggono ispirazione dai rituali del suo patrimonio culturale giapponese, dalle esperienze di lutto e dal paesaggio della sua casa nel Donegal. Utilizzando tecniche di tessitura antiche e contemporanee, insieme alla raccolta e all'esposizione di materiali di recupero e altri oggetti fatti a mano, Waszak combina processi che trascendono il tempo e lo spazio per trovare un significato nella perdita e comprendere come accedere all'aldilà. Waszak ha prodotto diverse opere tessute su larga scala per la mostra, utilizzando una combinazione di tessuti di scarto raccolti da siti industriali di Dublino e frammenti di tessuto dal profondo significato personale. I tessuti incombono su un gruppo di vasi di argilla contenenti oggetti cerimoniali come ossa di animali, che possono essere usati come shaker in una forma di incantesimo per connettersi con il mondo spirituale.

Ella Bertilsson è nata a Umeå, in Svezia, e lavora a Dublino e Kilkenny. Le sue mostre personali recenti e future includono The Horse, Dublino (2025); Ballina Art Centre (2024); The Dock, Carrick-on-Shannon (2023); The Complex, Dublino (2022).

Kathy Tynan è nata e lavora a Dublino. Le sue recenti mostre personali includono Kevin Kavanagh, Dublino (2024); Dunamaise Arts Centre, Portlaoise (2022); Highlanes Gallery (con Andrew Vickery), Drogheda (2020); The LAB, Dublino (2019).

Emily Waszak è nata nella Carolina del Nord, negli Stati Uniti, e lavora tra Dublino e Donegal. Le sue mostre personali recenti e future includono: Regional Cultural Centre, Letterkenny (2026); Pallas Projects, Dublino (2024); TU Dublin (2023).

Southwark Park Galleries è un'organizzazione artistica interdisciplinare nel sud-est di Londra. Attraverso un programma di mostre, performance e coinvolgimento del pubblico di rilevanza locale e internazionale, la loro missione è quella di connettere le persone utilizzando l'intersezione tra arte, natura e cultura per favorire la creazione di significato e il benessere tra le comunità. Fondata nel 1984, vanta una solida reputazione come luogo di sperimentazione artistica, commissionando ad artisti in una fase critica le loro opere più ambiziose da esporre.

MOSTRA D'ARTE – TOM BYRNE
Titolo: "Posso comprarmi dei fiori".

5 agosto-30 settembre

Tom Byrne, nato a Dublino nel 1962, è un artista irlandese noto per la sua vasta gamma di opere, tra cui ritratti, paesaggi e opere astratte, che spesso esplorano temi della storia, della cultura e della spiritualità irlandese. Ha studiato al Dún Laoghaire College of Art and Design e successivamente a Berlino, traendo ispirazione dalla tradizione Bauhaus, da scrittori irlandesi come Samuel Beckett e James Joyce e da temi contemporanei. Byrne è anche noto per il suo coinvolgimento nel movimento punk, che ha influenzato alcuni dei suoi primi lavori, tra cui copertine di album e street art. Tom ha ricevuto incarichi di ritratti dalla regista hollywoodiana Elizabeth Banks, Matthew Rhys e Kerri Russell. Nel 2018, gli è stata commissionata la creazione di un'opera per la visita di Papa Francesco in Lituania, ora esposta in Vaticano. Lo stile di Tom Byrne è davvero unico: crea texture lussuose in strati di pittura sfumati e lussureggianti e strati di colore strutturati, mediati dalle sue esperienze estetiche. Vortici di colori gioiello trascendono le opache e opulente pennellate di tono. Inoltre, utilizza la cera per creare una superficie luminosa e tangibile che crea un'esperienza multisensoriale, coinvolgendo l'osservatore non solo a livello visivo, ma anche attraverso un'esperienza tattile.

Tá áiteanna sácráilte istigh sa talamh. Tá taibhsí sna háiteanna sin. Táimid i ndiaidh cur isteach orthu.
Tháinig gach pictiúr sa taispeántas seo chun cinn de thoradh oilithreachta Pearsanta chuig áit shácráilte i dtírdhreach na hÉireann. Rinne mé taighde ar an bhéaloideas atá fite fuaite sna háiteanna sin, ina logainmneacha agus ina seandálaíocht. Tá baint phearsanta agam le go leor de na háiteanna ar tugadh cuairt orthu. Rinne mé machnamh chun na háiteanna a 'shú isteach', mar a dhéanadh na filí. Spraag mo chuid taighde agus físeanna machnaimh pictiúir nua.
Is ionaid chomhlínte iad ionaid shácráilte. Cumhdaíodh a n-oidhreacht faoi thionchar na Críostaíochta. Rinneadh a n-ainmneacha a ghalldú. Goideadh a dtaiscí seandálaíochta. Rinneadh damáiste dóibh go nádúrtha, ach loiteadh go leor eile, amhail Cnoc na Teamhrach, d'aon ghnó. Rinneadh roinnt acu a mhilleadh ag tionscadail a cheadaigh an Stát lena n-áirítear obair chairéalaithe ar Chnoc Alúine ag Roundstone Ltd. Tá an chuid è mó de na láithreáin ar thailte príobháideacha. Go minic tá foraoisí sprús Sitceach ar gach taobh dóibh. Spreagann siad cuimhní ar mo mhuintir dhúchais nach réitíonn leis an chineál saoil atá agam sa lá atá inniu ann, mar shampla mo sheanathair ag baint na móna ar Shliabh gCod – ní raibh 'sleán' i me dhorn agam riamh.
Léiríonn mo chuid saothair na coimhlintí sin – tá cuid acu nár críochnaíodh mar is ceart nó atá folaithe ar bhealach d'aon ghnó. Leagtar móitífeanna físiúla ó thréimhsí éagsúla d'ealaín dhúchasach na hÉireann ar bharr a chéile – e agus an teibíocht fite fuaite iontu.
Is ealaíontóir as contae Chill Dara é Rónán Ó Raghailligh a oibríonn le péint, scríbhneoireacht agus léirithe. Téann a chuid oibre i ngleic le Éirinn roimh theacht na Críostaíochta chun aghaidh a thabhairt ar ghníomhaíocht chomhaimseartha iarchoilíneach. Feidhmíonn an béaloideas, an stair agus an tseandálaíocht mar thús pointe don taighde. Tá sé ag foghlaim na Gaeilge arís agus é ina dhuine fásta agus téann an t-eispéireas sin i bhfeidhm go mór ar a chuid saothair.
Bhain Rónán céim amach ón Choláiste Ealaíne agus Deartha le céim mháistreachta sa Mhínealaíon nel 2021 agus cuireadh saothar dá chuid ar taispeáint in Éirinn agus thar sáile. Is é 'Turais Taibhsí' an dara taispeántas aonair aige i mBéal Feirste, e ndiaidh dó 'Vae Victis' un thaispeáint in Platform Arts nel 2022.

Ci sono luoghi sacri in questa terra. Ospitano fantasmi. Li abbiamo disturbati.
Ogni dipinto in questa mostra è il risultato di un pellegrinaggio personale in un luogo sacro del paesaggio irlandese. Ho studiato il folklore intriso di questi luoghi, i loro logainmneacha (nomi toponomastici irlandesi) e l'archeologia. Ho un legame personale con molti dei luoghi visitati. Ho eseguito meditazioni per "canalizzare" i luoghi, come facevano i filí. Le mie visioni di ricerca e meditazione hanno costituito la fonte per nuovi dipinti.
I luoghi sacri sono luoghi di conflitto. Il loro folklore è stato sovrapposto dal cristianesimo. I loro nomi irlandesi sono stati tradotti. I reperti archeologici sono stati rimossi. Sono danneggiati naturalmente, ma alcuni sono stati deliberatamente vandalizzati, come nel caso della Collina di Tara. Alcuni sono stati distrutti da attività industriali approvate dallo stato, come l'estrazione della Collina di Allen da parte della Roadstone Ltd. La maggior parte dei siti si trova su terreni privati. Sono spesso circondati da foreste di abeti di Sitka. Rievocano ricordi ancestrali in contrasto con la mia vita contemporanea, come il taglio della torba da parte di mio nonno sul Monte Church: non ho mai tenuto uno "sleán".
Il mio metodo pittorico rispecchia questi conflitti: alcune parti sono deliberatamente incompiute e oscurate. Motivi visivi tratti da vari periodi dell'arte vernacolare irlandese si sovrappongono, fondendosi con l'astrazione.

Rónán Ó Raghallaigh è un artista di Kildare che si occupa di pittura, scrittura e performance. La sua pratica si confronta con l'Irlanda precristiana come strumento per un'azione postcoloniale contemporanea. Folklore, storia e archeologia, radicati nel paesaggio irlandese, costituiscono la base della sua ricerca. Da adulto, sta riapprendendo l'irlandese, un'esperienza che influenza notevolmente il suo lavoro.
Rónán si è laureato al NCAD nel 2021 con un MFA in Arte nel Mondo Contemporaneo e ha esposto le sue opere in Irlanda e all'estero. "Turais Taibhsí" segna la sua seconda mostra personale a Belfast, dopo "Vae Victis" esposta alla Platform Arts nel 2022.

Per la prima volta in oltre trent'anni, il lavoro potente e profondamente personale del fotografo olandese Frits de Ridder (1954-1994) sarà esposto in una mostra che aprirà il 7 agosto 2025 al Belfast Exposed. Frits de Ridder: Staring at the Sun presenta un ritratto risoluto della vita, della malattia e della resistenza durante il picco dell'epidemia di HIV/AIDS. Questa mostra storica, realizzata con il pieno supporto della famiglia di de Ridder e un accesso senza precedenti al suo archivio, segna la prima presentazione pubblica del suo lascito fotografico dalla sua scomparsa. Curata da José Neves, la mostra attinge alla vasta collezione di opere di De Ridder conservata dall'Istituto Internazionale di Storia Sociale (IISH/IISG) di Amsterdam. Le opere di De Ridder forniscono una potente documentazione visiva della sua esperienza di convivenza con l'HIV/AIDS, riflettendo al contempo la più ampia lotta per la dignità, la visibilità e la giustizia che ha caratterizzato le esperienze di coloro che sono stati colpiti dal virus tra la fine degli anni '1980 e l'inizio degli anni '1990. Le sue fotografie ritraggono un periodo segnato da stigma e paura, ma anche da resilienza e risveglio politico. Aprendo al pubblico il suo archivio inedito, la mostra intende incoraggiare la riflessione, l'attivismo e la memoria collettiva. Inoltre, colloca l'eredità di de Ridder nel contesto attuale, poiché l'obiettivo di eliminare le nuove trasmissioni di HIV entro il 2030 rimane raggiungibile, ma è sempre più a rischio.

Per la prima volta in oltre trent'anni, il lavoro potente e profondamente personale del fotografo olandese Frits de Ridder (1954-1994) sarà esposto in una mostra che aprirà il 7 agosto 2025 al Belfast Exposed. Frits de Ridder: Staring at the Sun presenta un ritratto risoluto della vita, della malattia e della resistenza durante il culmine dell'epidemia di HIV/AIDS.

Questa mostra storica, realizzata con il pieno sostegno della famiglia di de Ridder e un accesso senza precedenti al suo archivio, segna la prima presentazione pubblica del suo lascito fotografico dalla sua scomparsa. Curata da José Neves, la mostra attinge alla vasta collezione di opere di De Ridder conservata dall'Istituto Internazionale di Storia Sociale (IISH/IISG) di Amsterdam.

L'opera di De Ridder fornisce una potente documentazione visiva della sua esperienza di convivenza con l'HIV/AIDS, riflettendo al contempo la più ampia lotta per la dignità, la visibilità e la giustizia che ha caratterizzato le esperienze di coloro che sono stati colpiti dal virus tra la fine degli anni '1980 e l'inizio degli anni '1990. Le sue fotografie raffigurano un periodo segnato da stigma e paura, ma anche da resilienza e risveglio politico. Aprendo al pubblico il suo archivio inedito, la mostra intende incoraggiare la riflessione, l'attivismo e la memoria collettiva. Inoltre, colloca l'eredità di de Ridder in un contesto attuale, poiché l'obiettivo di eliminare le nuove trasmissioni di HIV entro il 2030 rimane raggiungibile, ma è sempre più a rischio.

– Orari di apertura: da giovedì 7 agosto a venerdì 19 settembre, dalle 11.30:5.30 alle XNUMX:XNUMX
– Aperto tutti i giorni per il Kilkenny Arts Festival, poi dal giovedì al sabato settimanalmente

"Beyond, Below, Beside" esplora il sito delle Tea House e la loro vicinanza al fiume Nore e al suo affluente, il fiume Breaghagh. Durante la sua residenza, l'artista Kate Fahey ha esplorato il luogo, tra cui il villaggio modello di arti e mestieri di Talbot's Inch e gli ex lanifici Greenvale, e si è confrontata con la ricca storia sotterranea, culturale e industriale associata ai fiumi, inclusa la grande alluvione del 1947.

Ispirandosi a materiali, forme e motivi legati alla rinascita delle arti e dei mestieri storici di Kilkenny, l'installazione presenta il vicino fiume Breaghagh (che si traduce come il fiume ingannevole) come una presenza vorticosa, tortuosa e inquieta, una figura imbrogliona, soggetta a sollevarsi e a crescere in modo imprevedibile. Ponendo al centro di questa indagine l'incontro tattile con il mondo materiale, la mostra riecheggia poeticamente un senso di risonanze interconnesse e in rete attraverso il tempo e lo spazio, situate oltre, sotto e accanto alla riva del fiume.

A cura di Rachel Botha.
Progetto di Emmet Brown.

Kate Fahey è un'artista che vive tra Kilkenny e Londra e lavora con suono, scultura, immagini in movimento, stampa e installazione. Ha esposto le sue opere in spazi come l'ICA di Londra, il VISUAL Carlow, il Bluecoat di Liverpool, il CCArt di Andratx, l'Arti et Amicitiae di Amsterdam e il Pallas Projects di Dublino. Ha conseguito un Master in Fine Art Print presso il Royal College of Art di Londra e un dottorato di ricerca pratico presso la University of the Arts di Londra nel 2020. È docente senior di Belle Arti presso la Oxford Brookes University.

Le Tea Houses si trovano lungo il fiume Nore, nel centro di Kilkenny, e sono state acquisite dal Kilkenny Arts Office per ospitare un programma artistico che incoraggia il senso di comunità e la cittadinanza attiva.

Con il gentile supporto di Kilkenny Arts Office, Kilkenny County Council, ArtLinks e Arts Council, Irlanda.

Is ealaíontóir teibí í Anna Marie Savage atá lonnaithe in Ó Méith, Contae Lú, agus a bhfuil go leor gradam buaite aici. Bhain sí céim sa Mhínealaín amach ag Ollscoil Uladh, áit inar shaothraigh sí Céim le Céad Onóracha nel 2009. Cuireadh saothar dá cuid ar taispeáint ar fud na hÉireann agus an RA, e bronnadh go leor leor gradam egus sparánachtaí uirthi.

Scrúdaíonn na saothair is déanaí léi, Uisce Salach agus Dríodar, na héifeachtaí tubaisteacha a bhaineann le dumpáil breosla mídhleathach ar éiceachórais áitiúla. Trína hanailís mhionsonraithe ar shamplaí uisce truaillithe ó Abhainn Átha Féan, Co. Lú, cuireann Savage ar ár ár súile dúinn na géarchéimeanna comhshaoil ​​seo, rud a spreagann feasacht egus gníomhaíocht. An comhoibriú s'aici le hOllscoil Leeds ar an togra seo, a chuimsíonn teorainn Mheicsiceo chomh maith, cuireann sé gné idirnáisiúnta le hiniúchadh Savage ar an díghrádú comhshaoil. In Uisce Salach agus Dríodar úsáideann sí an ealaín chun an eolaíocht, an éiceolaíocht agus an gníomhaíochas a tharraingt le chéile.

Anna Marie Savage è una pluripremiata artista astratta che vive a Omeath, nella contea di Louth. Si è laureata in Belle Arti presso l'Università dell'Ulster, dove ha conseguito una laurea con lode nel 2009. Ha esposto ampiamente in Irlanda e nel Regno Unito e ha ricevuto numerosi premi e borse di studio.

"Braithim gur mór an phribhléid dom agus cuireann sé bród orm an saothar seo a chur ar taispeáint sa Chultúrlann. Mar dhuine a bhfuil grá agam don Ghaeilge e agus a bhfuil muinín agam aisti, mothaím go bhfuil sé thar a bheith cuí taispeántas a chur i láthair in áit a ndéanann ár gcultúr agus ár n-oidhreacht a cheiliúradh Tá na pictiúir seo fréamhaithe i dtalamh agus in uisce an oileáin seo – sin an áit è dual dóibh.” – Anna Marie Selvaggia

Il suo ultimo lavoro, Uisce Salach e Dríodar, esplora gli effetti devastanti dell'industria petrolifera illecita e lo scarico dei suoi sottoprodotti sugli ecosistemi locali. Attraverso la sua meticolosa raccolta e analisi di campioni di acqua inquinata del fiume Fane, la contea di Louth Savage apporta un linguaggio visivo a queste crisi ambientali, ispirando consapevolezza e azione. La collaborazione di Savage con l'Università di Leeds su questo progetto, che si estende anche al confine con il Messico, segna una dimensione internazionale alla sua indagine sul degrado ambientale. Attraverso Uisce Salach e Dríodar, usa l'arte per creare un ponte tra scienza, ecologia e attivismo.

"Mi sento molto privilegiata e orgogliosa di esporre quest'opera ad An Chultúrlann. Come persona che ama e crede nella lingua irlandese, esporre in uno spazio che celebra la nostra cultura e il nostro patrimonio è incredibilmente appropriato. Questi dipinti affondano le loro radici nella terra e nell'acqua di quest'isola: è qui che appartengono." – Anna Marie Savage

Inaugurazione della mostra: sabato 9 agosto, dalle 3.00:5.00 alle XNUMX:XNUMX. Tutti sono benvenuti.

La Butler Gallery, in collaborazione con il Kilkenny Arts Festival, è lieta di presentare una mostra che esplora il tema delle "Città del Mondo" di due artisti, Kathy Prendergast e Chris Leach. I due non si sono mai incontrati, ma sono intrinsecamente legati da questo tema, che realizzano in modi molto diversi.

Kathy Prendergast, artista irlandese residente a Londra, è rappresentata dalla sua serie di 113 City Drawings, iniziati nel 1992. Di proprietà dell'IMMA, non sono stati esposti da molti anni. Basandosi sulle mappe contemporanee delle capitali del mondo, Prendergast comprime ogni città, grande e piccola, e segue il suo personale senso di scala per contenere ogni città sullo stesso foglio. Trascrivendo la rete di linee con sobri segni a matita, trasmette lo schema dei percorsi attraverso, dentro e intorno a ogni città, imponendo al mondo un insondabile senso di democrazia. Le immagini scheletriche riducono anche le comunità più grandi e potenti a una delicata rete di linee che ricordano i modelli organici presenti in natura.

Chris Leach, artista britannico residente a Manchester, ha iniziato il suo progetto di disegno "Capitals Cities" nel 2012, proseguendo fino al 2022. Ha completato 196 piccoli disegni di ogni capitale riconosciuta del mondo, che insieme costituiscono un'unica opera. I disegni in miniatura di Leach sono solidamente tridimensionali, realizzati con matita, bisturi e strumenti di brunitura sulla superficie gessata di un blocco di quercia. Leach è interessato a come la scala possa essere utilizzata come strumento di indagine sia psicologica che rappresentativa.

Il lavoro sulle città di Kathy Prendergast e Chris Leach è un'affascinante giustapposizione e stimola dibattiti più ampi su geografia, architettura e politica: cosa dicono le città di noi e cosa no.

Inoltre, la rassegna cinematografica "City as Character" metterà in luce città iconiche, sia nel cinema mainstream che in quello d'essai. Co-curata dalla Butler Gallery e da Out of Focus, la rassegna sarà proiettata nella Digital Gallery e in collaborazione con il Watergate Theatre di Kilkenny.

Anna O'Sullivan
Direttore e curatore della mostra

Eventi di apprendimento e coinvolgimento del pubblico:

Gli artisti Kathy Prendergast e Chris Leach in conversazione con la curatrice della mostra Anna O'Sullivan e la Dott.ssa Yvonne Scott, martedì 12 agosto 2025 alle 12.00:XNUMX, Parade Tower, Castello di Kilkenny. Evento gratuito con biglietto, prenotabile sul sito web del Kilkenny Arts Festival.

La Dott.ssa Yvonne Scott è una ricercatrice emerita ed ex professoressa associata di storia dell'arte presso il Trinity College di Dublino.
Le è stata conferita la Medaglia d'Oro RHA nel 2025 in riconoscimento del suo contributo all'arte irlandese. Ha svolto ricerche e pubblicato numerosi articoli sull'arte moderna e contemporanea, tra cui un'analisi di vari aspetti dell'opera dell'artista Kathy Prendergast. Il suo libro più recente è "Paesaggio e ambiente nell'arte contemporanea irlandese", pubblicato da Churchill House Press in collaborazione con l'Irish Museum of Modern Art, 2023.

Immagine: (L) Kathy Prendergast, Città del Messico da 'City Drawings', 1992, matita su carta, 24 x 32 cm, collezione Irish Museum of Modern Art, acquisto 1996, © Kathy Prendergast. (R) Chris Leach, Tallin, Estonia, matita, bisturi, strumento per lucidare, gesso di pelle di coniglio su quercia tagliata a quarti, 32 x 43 mm (dalla serie Capital Cities 2013-2023)

Inaugurazione sabato 9 agosto 2025. Dalle 5:7 alle XNUMX:XNUMX. Esibizione musicale speciale di Rory Pierce

La Ballinglen Arts Foundation è orgogliosa di presentare Janet Pierce: Verso la luce, una mostra personale della celebre artista scozzese Janet Pierce, residente a Dublino. Dal 9 agosto al

Il 20 ottobre 2025, questa mostra riunisce opere nuove e recenti che esplorano la luminosità, la visione interiore e la risonanza spirituale attraverso un'astrazione riccamente stratificata.

L'opera di Pierce trae spunto da una vita di immersione nei paesaggi della contea di Fermanagh e della contea di Monaghan. I suoi dipinti, eterei ma concreti, fungono da spazi meditativi che invitano alla riflessione e alla quiete. Nota per l'uso di foglie d'oro, velature traslucide e simboli sacri, il linguaggio visivo di Pierce unisce la materialità al misticismo, offrendo agli spettatori un percorso "verso la luce".

Per oltre un decennio, Pierce ha trascorso gli inverni in India, esponendo ampiamente a Nuova Delhi e producendo un libro con l'acclamato poeta Sudeep Sen. Due opere significative di quel periodo – un dipinto e un arazzo – sono esposte in modo permanente nella Cappella Mageough a Rathmines, Dublino. Ora residente a Rathmines, dopo aver vissuto per 15 anni in una casa da lei costruita sul terreno del Tyrone Guthrie Centre, Pierce continua a creare opere che sono al tempo stesso profondamente personali e di risonanza universale.

Membro di Aosdána, ha esposto ampiamente in Irlanda, Regno Unito, Stati Uniti e India. Le sue opere sono presenti in numerose collezioni pubbliche e private e ha ricevuto riconoscimenti internazionali, tra cui premi dalla Fundación Valparaíso in Spagna e dalla Sanskriti Foundation in India.

Questa mostra segna un significativo ritorno nell'Irlanda occidentale per un artista la cui pratica è radicata nel silenzio, nello spirito e nel paesaggio.

Casa sulla spiaggia
Contenitore
Con opere dell'artista Nina McGowan, in collaborazione con il Trinity College di Dublino, beneficiario del Creative Climate Action Fund, un'iniziativa del Creative Ireland Programme. Con il supporto dei Climate Action and Culture Teams del Wexford County Council.

Venerdì 15 agosto – venerdì 12 settembre 2025
Consiglio della contea di Wexford, Carricklawn Wexford, Y35 WY93

Evento di apertura: giovedì 14 agosto, ore 6:XNUMX
Relatore ospite: Consulente artistico, Ruairí Ó Cuív

Container, una mostra dell'artista visiva Nina McGowan, inaugura alla County Hall giovedì 14 agosto alle 6:XNUMX. Questa mostra, che esplora il nostro rapporto con il cambiamento climatico, utilizza oggetti domestici familiari trasformati in un'installazione scultorea di grandi dimensioni.

Negli ultimi due anni, Nina ha collaborato con il Trinity College di Dublino nell'ambito di "House on the Beach", un progetto Creative Climate Action finanziato da Creative Ireland. La mostra è accompagnata da una serie di tavole rotonde curate da esperti sulle spiagge di Wexford, su temi come l'economia circolare, i materiali, le soluzioni basate sulla natura e la qualità dell'acqua; tutti temi molto attuali per i tempi in cui viviamo.

La mostra "Container" si propone di rendere comprensibile l'urgenza di agire di fronte alla minaccia della crisi climatica. Si compone di tre sculture realizzate con oggetti domestici su scala monumentale. La scala intende riflettere la portata della sfida che ci troviamo ad affrontare. Il medium trasmette il peso del materialismo e il suo contributo al cambiamento climatico. Mentre il trattamento – ogni pezzo è carbonizzato per rivelare una superficie di carbone bella ma dissonante – evoca il senso di ciò che stiamo rischiando di perdere.
Le sculture stimolanti ci portano a interrogarci su ciò che abbiamo accumulato nelle nostre case. Cosa c'è nei nostri armadi e nelle nostre case che forse non usiamo o di cui non abbiamo bisogno? Tutti questi accumuli possono essere un peso e mettere a dura prova le risorse finite del pianeta. In Irlanda, ogni anno scartiamo circa 110,000 tonnellate di tessuti, di cui circa 64,000 tonnellate vengono smaltite come rifiuti domestici tramite la raccolta differenziata, la maggior parte dei quali è costituita da indumenti.

Una "casa sulla spiaggia" rappresenta un'aspirazione e un ideale: qualcuno potrebbe dire che in ultima analisi vorrebbe andare in pensione in "una casa sulla spiaggia". Ma il problema del riscaldamento globale e l'impatto dell'erosione costiera stanno mettendo in discussione il nostro sistema di valori e la sostenibilità dello stile di vita a cui ci siamo abituati. Come viviamo e cosa potremmo dover cambiare e abbandonare?

Si tratta di un'opera che parla della perdita e della prospettiva di perdere non solo il mondo naturale, ma anche manufatti e pratiche culturali. La varietà di mobili utilizzati nella mostra riflette l'architettura ed evoca le aspirazioni delle generazioni passate. Eppure, questi oggetti antichi non sono apprezzati nel mondo di oggi.

Nina McGowan è un'artista visiva che lavora nel campo delle installazioni scultoree immersive da oltre 20 anni. È un'attivista per il clima e una campionessa mondiale e detentrice del record mondiale di apnea, uno sport in rapida crescita. È ambasciatrice irlandese della Captain Paul Watson Foundation, la cui missione è porre fine alla distruzione degli habitat e all'uccisione illegale della fauna marina nei nostri mari.
………………………………………………………………………

Conversazioni sulla marea
Parallelamente alla mostra, una serie di incontri a cura di esperti esaminerà diversi temi climatici e analizzerà le azioni che possiamo intraprendere insieme. Tra i relatori ospiti figurano artisti locali e gruppi comunitari, insieme a ricercatori e personale del Trinity College di Dublino. Questi incontri si terranno sulla spiaggia con l'avvicinarsi della marea. Siete tutti invitati a partecipare alla conversazione con l'artista Nina McGowan, gli ospiti e il personale del team Climate Action del Wexford County Council.

Per ulteriori informazioni su questo progetto, inviare un'e-mail a houseonthebeachwexford@gmail.com o visitare https://www.tcd.ie/sustainability/events-listing/.

Echo/Locate, una mostra personale dell'artista Sorcha McNamara, verrà inaugurata al Linenhall Arts Centre venerdì 15 agosto alle 5:27. La mostra rimarrà aperta fino a sabato XNUMX settembre.
Echo/Locate è un'installazione site-specific di opere nuove ed esistenti di Sorcha McNamara.
La pratica di McNamara si avvale di metodi decostruttivi di pittura, inquadratura, linguaggio e creazione di immagini. Riutilizza materiali di recupero per creare composizioni liriche e frammentate che spesso rispondono agli spazi in cui sono collocate, mettendo in discussione le tensioni personali e concettuali legate a artigianato, manipolazione, azione e valore.
Come processo, l'ecolocalizzazione è utilizzata da alcuni animali, così come da persone cieche, ipovedenti e vedenti, per mappare o valutare il loro ambiente. Un modo per localizzare oggetti distanti o invisibili emettendo rumori particolari e prestando attenzione alle onde sonore, o echi, che vengono riflesse. Un modo per leggere una stanza, elaborare informazioni spaziali, determinare la forma, la posizione e il movimento degli oggetti. Adattando questo concetto al senso di familiarità che si può provare in un dato spazio in un dato momento, Echo/Locate agisce come una sorta di interlocutore, interrogando i modi in cui valutiamo ciò che ci circonda attraverso forme tangibili e sensoriali.
Esplorando questa dinamica tra spazio e sentimento, il progetto espositivo è stato sviluppato in collaborazione con Aidan Conway di MARMAR Architects. L'installazione si concentra sulla rottura e la modifica dello spazio utilizzando le strutture espositive esistenti, oltre a smantellare le nozioni convenzionali su come un'opera d'arte viene vista, accolta e apprezzata.
Echo/Locate è supportato congiuntamente dal Mayo County Council Arts Office e dal Golden Fleece Award.

Informazioni sull'artista:
Sorcha McNamara è un'artista originaria della contea di Mayo, attualmente residente presso i Fire Station Artists' Studios di Dublino. Il suo lavoro è stato selezionato per il Golden Fleece Award 2025. Tra le mostre collettive in corso e recenti figurano la Green on Red Gallery (2025); il VISUAL Carlow Centre for Contemporary Art (2024); Catalyst Arts, Belfast (2024); la Draíocht Gallery, Dublino (2023); e The LAB, Dublino (2023). Tra le residenze recenti si annoverano il Leitrim Sculpture Centre (2024); Zaratan Arte Contemporanea, Lisbona (2024); Totaldobze Art Centre, Riga (2022); e Tangent Projects, Barcellona (2021). Tra i progetti personali precedenti figurano Fathomless Arms, Ballina Arts Centre (2023); (dis)attachments, The Hyde Bridge Gallery (2022); e Readymade #2, Oonagh Young Gallery (2022). Il lavoro di Sorcha è stato sostenuto dall'Arts Council of Ireland Agility Award (2023, 2022, 2021) e dal Mayo Artist Bursary Award (2025, 2023, 2022). Ha conseguito un Master in Arte e Collaborazione alla Ricerca presso l'IADT di Dún Laoghaire (2024) e una laurea triennale in Pittura presso la Limerick School of Art & Design (2019).

Il Galway Arts Centre è lieto di annunciare "The Air We Share", un'importante mostra collettiva di opere sviluppate attraverso un programma di residenza artistica della durata di un anno, che esplora la qualità dell'aria, il clima e il nostro ambiente condiviso attraverso la collaborazione artistica e il coinvolgimento della comunità di Galway.

"The Air We Share" riunisce il lavoro degli artisti Christopher Steenson, Leon Butler e del collettivo di artisti a place of their own (Sam Vardy e Paula McCloskey) che, negli ultimi nove mesi, hanno lavorato con scienziati, residenti e gruppi della comunità per rispondere in modo creativo alla ricerca sull'inquinamento atmosferico nel mondo reale e all'esperienza vissuta a Westside, Galway, con l'obiettivo di approfondire la comprensione pubblica dell'aria e del suo ruolo fondamentale nel nostro ambiente comune.

La mostra sarà inaugurata ufficialmente sabato 16 agosto 2025 alle 2:XNUMX dal vicesindaco di Galway, Alan Cheevers, con la partecipazione di Annie Fletcher, direttrice dell'Irish Museum of Modern Art. Tutti sono benvenuti.

"The Air We Share" riunisce un consorzio di partner locali, guidato dal Consiglio comunale di Galway e che comprende il Galway Arts Centre, il Centro per le tecnologie creative dell'Università di Galway, il Centro per gli studi sul clima e l'inquinamento atmosferico e l'Insight SFI Centre for Data Analytics, il Westside Resource Centre e la Galway Culture Company.

Tra le opere risultanti esposte nella mostra figurano: "Phosphene" di Leon Butler, un progetto che trasforma i dati sulla qualità dell'aria in tempo reale in forme scultoree e digitali, invitando i membri della comunità a progettare insieme il modo in cui i dati ambientali vengono percepiti e interpretati; "Where does the body end" di Christopher Steenson, che riflette sull'inquinamento atmosferico e sul respiro attraverso passeggiate sonore, scritti e workshop, collegando i dati in tempo reale con l'esperienza personale e collettiva e "un luogo tutto loro" (Paula McCloskey e Sam Vardy); "The 9 Freedoms for the Air", un'opera d'arte speculativa e collaborativa che immagina i futuri diritti sull'aria, sviluppata attraverso workshop partecipativi con residenti, scienziati ed esperti legali.

La mostra sarà visitabile dal 16 agosto al 21 settembre 2025, con un programma di conferenze, visite guidate ed eventi pubblici che si svolgeranno per tutta la sua durata. Per maggiori informazioni, consultare il sito https://www.galwayartscentre.ie/whats-on/thursday-evenings-at-galway-arts-centre/.

Un ringraziamento speciale ai collaboratori Karena Ryan, Alena Postnikova, Gary Stewart e ai partecipanti The Red Bird Youth Collective e a tutti i membri della Westside Community che hanno apportato la loro creatività collaborativa ai progetti.

'The Air We Share' è un beneficiario del Creative Climate Action Fund, un'iniziativa del Creative Ireland Programme, finanziata dal Dipartimento del Turismo, della Cultura, delle Arti, della Gaeltacht, dello Sport e dei Media in collaborazione con il Dipartimento dell'Ambiente, del Clima e delle Comunicazioni.

Per maggiori informazioni visita www.theairweshare.ie

In Ai confini del tuo mondoL'artista Anita Groener, nata in Olanda e residente in Irlanda, utilizza materiali umili – ramoscelli, cartone, carta tagliata – per esplorare i temi della perdita, dello sfollamento e della resilienza. Le sue sculture e i suoi disegni, dalla costruzione intricata, riflettono sull'impatto umano condiviso della migrazione, del conflitto e della memoria, plasmato in parte dai suoi viaggi attraverso il Sud America e le regioni del mondo colpite da sconvolgimenti. La mostra presenta anche la première di Rifugio, un nuovo video animato creato in collaborazione con il regista Matt Kresling e il Talbot Interfaith Shelter. Traendo spunto da narrazioni personali, Rifugio mette in luce storie di perseveranza e comunità, riecheggiando la riflessione della mostra sull'appartenenza, la memoria e la capacità umana di resistere.

Questa mostra è sostenuta da Culture Ireland.

La mostra prosegue dal 12 agosto al 30 settembre 2025.
Allestita sia nella Cattedrale di Santa Brigida che nella Torre Rotonda, la mostra rende omaggio all'eredità di Brigida, celebrando la sua presenza duratura come figura di ispirazione, compassione e speranza. La Cattedrale espone le opere d'arte originali nel suo ambiente sacro, mentre la Torre Rotonda ospita un'esposizione immersiva di repliche illuminate raffiguranti immagini di Brigida. Installate lungo le sue nove finestre e nell'esclusivo spazio sopraelevato sulla sommità della torre, le opere lasciano filtrare la luce naturale, creando un omaggio modesto ma potente. Questo trasforma la Torre Rotonda in un radioso simbolo di speranza e offre un'esperienza unica. Attraverso l'interazione di luce, spazio e immagini, la mostra invita i visitatori a riflettere sul ruolo di Brigida come simbolo unificante nel patrimonio irlandese, creando un dialogo tra tradizione e innovazione e incoraggiando la riflessione sui valori che incarna e sulla loro continua rilevanza nel mondo moderno.

La mostra prosegue dal 15 agosto al 20 settembre 2025. 
Mary Cullen-Kelly presenta Carousel.
Dal 15 agosto al 20 settembre presso il Dunamaise Arts Centre.
L'ingresso è gratuito durante gli orari di apertura e 1 ora prima degli eventi (dal martedì al sabato, dalle 1:5 alle XNUMX:XNUMX).

Mary Cullen Kelly ama viaggiare nel tempo usando pittura, stampe e collage. Le sue immagini colorate e dettagliate possono sembrare familiari e insolite al tempo stesso. Crea momenti e luoghi che potrebbero essere esistiti o meno. È interessata e ha studiato l'esperienza della Teoria del Flusso in relazione alla creazione artistica.

Mary ha ricevuto questa mostra personale come premio del nostro Open Submission Show 2024 dalla Guest Selector Vera Klute, RHA.

Informazioni sull'artista
Mary è un'artista di Dublino che vive a Carlow. Ha conseguito una laurea in Stampa Artistica presso il NCAD e un Master in Studi sulla Disabilità presso l'UCD, con specializzazione in esperienze di coinvolgimento in attività artistiche, per il quale ha vinto la medaglia Eunice Kennedy Shriver. Ha precedentemente esposto al VISUAL Carlow e ha partecipato a numerose mostre collettive e a partecipazione libera, tra cui l'RHA Annual. Mary è stata coinvolta in attività artistiche comunitarie a Dublino e Carlow. Per saperne di più, visita www.marycullenkelly.com

Il titolo della mostra fa riferimento alla serie televisiva MadMen; in questo caso la "giostra" è un proiettore per diapositive Kodak che "sposta l'osservatore avanti e indietro" nel tempo.
Questa serie di dipinti, stampe e oggetti cerca di descrivere un mondo che può sembrare familiare e strano allo stesso tempo. Le cose cambiano continuamente. L'artista si ispira ai film di fantascienza degli anni '50 e '60. Dipinti colorati di ambientazioni domestiche e di "piccole città" ci catturano con un pizzico di nostalgia, un senso di familiarità che viene sovvertito quando le cose non sono esattamente come ci si aspetta. Stampe fotopolimeriche e oggetti realizzati offrono indizi che il mondo in cui ci troviamo è cambiato. Flora e altri oggetti sono apparsi nelle vicinanze. Le domande vengono poste ma non trovano risposta. Il mondo è cambiato e non siamo del tutto sicuri di dove ci troviamo.

False Kingdoms, una mostra personale presentata da Kaye Maahs, sarà allestita nella galleria al piano superiore. La pratica di Maahs è dedicata alla ricerca della pittura. Con l'ausilio della fotografia, documenta momenti, luoghi e ambienti. Le immagini sono utilizzate come strumenti di navigazione per assisterla durante la pittura.
Maahs ha tenuto numerose mostre personali e ha partecipato a diverse collettive a livello nazionale. Ha vinto numerosi premi, tra cui il Thomas Dammann Junior Memorial Trust Award e l'Hunt Museums Curator's Choice Award.

Vi invitiamo a unirvi a noi la sera di giovedì 21 agosto 2025, dalle 6:8 alle XNUMX:XNUMX, per i discorsi di apertura di Anne Hodge, National Gallery of Ireland e Katriona Gillespie, responsabile dei Custom House Studios + Gallery.
Questa mostra è sostenuta dall'Arts Council of Ireland e dal Mayo County Council.

Giovedì 21 agosto – Martedì 30 settembre 2025

A cura di Margarita Cappock 

Nach Cuma? A chi importa? è una mostra che esplora le politiche di cura e responsabilità, con un focus su classe e razza all'interno delle comunità operaie di Dublino. Sviluppato a partire da una serie di workshop collaborativi con gruppi di giovani e adulti a Rialto, Bluebell e Ballymun, il progetto risponde a un allarmante aumento della retorica e della divisione alimentate dall'odio, in particolare all'interno degli spazi operai. 

Questa mostra è il seguito dei lavori precedenti di Carey Pietre, che si è concentrato sulla relazione tra individui e luogo a Ballymun. Dove Pietre concentrato su una comunità, Nach Cuma? si espande per occupare spazi in più sedi, coinvolgendo le persone in conversazioni lente e sincere su verità difficili e realtà vissute. Attraverso un processo dialogico e workshop all'interno della LAB Gallery, la mostra diventa una piattaforma per il dialogo e la riflessione intergenerazionale. Rifiutando il simbolismo e le politiche reazionarie, l'opera cerca invece di mettere al centro la cura e si chiede: chi la fornisce, chi la riceve e cosa succede quando è assente? Attraverso forme visive, sociali e dialogiche, Nach Cuma? non offre conclusioni, ma una metodologia: quella dell'ascolto, della riflessione e della responsabilità.

La mostra sarà inaugurata il Giovedì 21 agosto: 6:8 – XNUMX:XNUMX 

La mostra sarà inaugurata da Willa White.

Aaron Sunderland Carey Aaron è un artista e operatore giovanile impegnato a Dublino, che lavora in spazi comunitari, circoli giovanili e contesti educativi sia informali che formali. Il suo lavoro indaga le intersezioni tra territorio, classe, mascolinità, comunità e oppressione sistemica. Al centro della sua pratica c'è l'uso di collaborazioni a lungo termine, spesso con gruppi emarginati, per creare spazi per conversazioni difficili e necessarie. Al centro di questa pratica a lungo termine ci sono oltre tre anni di collaborazione con il Rialto Youth Project e una vita trascorsa a Ballymun, creando arte e lavorando con la comunità di Ballymun. Il lavoro di Aaron si basa sull'etica della cura e della responsabilità ed è influenzato dalla sua città natale, Ballymun. Impiega metodi radicati nell'ascolto, nella riflessione e nell'apprendimento reciproco, facilitando workshop che danno priorità alla voce e all'azione della comunità. Ha lavorato ampiamente in aree come Ballymun e Rialto, sviluppando partnership con progetti giovanili, organizzazioni comunitarie e scuole locali.

Aaron ha partecipato a numerose residenze e progetti socialmente impegnati, tra cui Common Grounds Studio 468, e ha collaborato con gruppi come Rialto Youth Project, Poppintree Youth Project, The Axis Ballymun e The LAB Gallery. La sua pratica artistica si colloca a metà strada tra arte visiva, narrazione e azione sociale, puntando sempre a creare spazio per la narrazione e la trasformazione.

"The Fresh to the Salt" è una mostra bipersonale delle artiste visive Angie Shanahan e Bridget Flannery (postume 1959-2024), che sarà allestita nella sala principale della galleria. La mostra si compone di disegni e dipinti che riflettono il coinvolgimento delle artiste con i paesaggi costieri e fluviali attraverso il disegno, gli schizzi e la mappatura. La storia, la toponomastica e gli studi locali alimentano anche la loro attenzione al senso del luogo.

L'attuale pratica di Angie Shanahan si concentra su paesaggi influenzati dalla presenza umana, solitamente ambientati in uno specifico luogo delimitato dall'acqua, la costa. Ha realizzato numerose mostre personali e partecipato a numerose collettive in tutto il paese.

Durante la sua vita, il lavoro di Bridget Flannery si è concentrato principalmente sulla pittura e sul disegno. Ha esposto regolarmente in mostre personali e collettive in Irlanda e in Europa. Le sue opere sono conservate in collezioni pubbliche e private a livello nazionale e internazionale.

Vi invitiamo a unirvi a noi la sera di giovedì 21 agosto 2025, dalle 6:8 alle XNUMX:XNUMX, per i discorsi di apertura di Anne Hodge, National Gallery of Ireland e Katriona Gillespie, responsabile dei Custom House Studios + Gallery.
Questa mostra è sostenuta dall'Arts Council of Ireland e dal Mayo County Council.

Biblioteche del riposo di Ciara Barker.

Inaugurazione: sabato 23 agosto, dalle 2:4 alle XNUMX:XNUMX.

"Libraries of Rest" di Ciara Barker è una mostra immersiva che invita i visitatori a immaginare il futuro degli spazi e delle pratiche del riposo. "Libraries of Rest" combina installazione, gioco, suono e luce, abitando uno spazio tra arte visiva, ambiente immersivo e teoria critica, incentrato sul benessere collettivo.

L'indagine di Barker sul riposo come metodo di resistenza si basa su una serie di opere critiche, tra cui testi di Tricia Hersey, della Dott.ssa Saundra Dalton-Smith, di Sonya Renee Taylor e del Dott. Devon Price. Questa ricerca si basa sull'analisi della disuguaglianza strutturale e del riposo come questione di natura razziale, di diritti delle persone con disabilità e di giustizia sociale che colpisce in modo sproporzionato le comunità emarginate.

Questa mostra è curata da Aoife Donnellan con un paesaggio sonoro di Mankyy. Immagine: Ciara Barker, Libraries of Rest presso lo studio transmediale di Berlino. Immagine: Ciara Barker, Libraries of Rest presso lo studio transmediale di Berlino. Foto di Katie O'Neill.

Atti diagonali di Marie Farrington.

Inaugurazione: sabato 23 agosto, dalle 2:4 alle XNUMX:XNUMX.

Diagonal Acts si riferisce a come le linee diagonali siano viste come modi per connettere, dividere e muoversi attraverso vari luoghi o idee. La mostra esplora i temi della memoria, del luogo e della connessione, esplorando lacune, frammenti e margini all'interno di archeologia, geologia, scultura e performance scenica.

I risultati materiali di Diagonal Acts sono supportati da una serie di collaborazioni e collegati da un programma pubblico di elementi generativi ideati per coinvolgere in modo critico il pubblico di persona e online, migliorando e ampliando la partecipazione e l'accesso.

La mostra è curata da Kate Strain con il contributo di Liliane Puthod e Laura Ní Fhlaibhín. Immagine: Marie Farrington, Figures for Lifting, 2024, pietra ollare scolpita. Foto di Rein Kooyman.

La mostra prosegue dall'11 luglio al 12 settembre 2025

Per citare il nostro presidente Michael D. Higgins, "L'opera di Padraic Reaney richiama la promessa e la minaccia del paradosso che costituisce la radice di ogni cultura. Siamo esseri fisici finiti, ma dotati o maledetti di un'immaginazione infinita. Il tentativo di risolvere il paradosso ci ha donato l'arte e gli artisti.

Padraic Reaney è un artista prolifico, fin dall'inizio della sua carriera artistica. Il suo catalogo è immenso e An Gailearaí è lieto e onorato di presentare una selezione della sua opera. La pratica di Padriac comprende pittura, stampa e scultura ed è un disegnatore davvero abile.

Nato a Cheathrú Rua, nella contea di Galway, nel 1952, Padraic ha studiato Belle Arti al Galway Regional Technical College, dove ha avuto come insegnante lo scultore Oisín Kelly, e ha esposto ininterrottamente dagli anni '1970. Ha esposto ampiamente in Irlanda, Scozia e Galles e le sue opere sono presenti in numerose collezioni pubbliche e private. Nel 2020 Padraic è stato invitato a rappresentare l'Irlanda all'Intercontinental Art Exhibitions "Nazioni Unite - simbolo di vita, libertà e felicità", una mostra celebrativa per celebrare il 75° anniversario delle Nazioni Unite.

Padraic Reaney ha partecipato attivamente alle attività artistiche nella contea di Galway; ha fatto parte del consiglio di amministrazione del Galway Arts Centre dal 1996 al 99, è stato membro fondatore della Western Artists Island Connection e della Drimcong Press, gli è stato conferito il premio Pádraic Mac Con Midhe all'Oireachtas nel 1979, il Galway Arts Centre ha presentato una retrospettiva di metà carriera dal 1973 al 1993 che ha toccato sei contee, ha esposto una serie di fotografie basate su questo lavoro dei cottage in rovina a Ros an Mhíl (1979-1983) al Galway City Museum, luglio-ottobre 2008.

Le sculture di Padraic Reaney sono altrettanto valide accanto ai suoi dipinti e alle sue grafiche e sono conservate in numerose collezioni pubbliche e private. Ha completato numerose commissioni pubbliche, in particolare il Giardino Commemorativo Liam Ó Flaherty a Inis Mór, da lui progettato, e la scultura in bronzo che lo ospita. Nel 2007 ha completato l'opera in bronzo "Diarmaid and Grainne" per Lawrencetown, commissionata dal Galway County Council, e sempre nel 2007 ha progettato la medaglia commemorativa Paddy Ryan. Nel 2011 ha realizzato tre vetrate, Teach Pobail Leitir Móir, Co. Galway.

Orari di apertura:
Lunedì, martedì, giovedì e venerdì: 11:5-XNUMX:XNUMX
Mercoledì: 1:8-XNUMX:XNUMX,

La mostra prosegue dal 13 giugno al 4 gennaio 2026

Una mostra di opere raramente esposte del fotografo di guerra giapponese di fama internazionale Akihiko Okamura, che documenta il suo rapporto con l'Irlanda durante i Troubles. 

Dalla fine degli anni '1960 all'inizio degli anni '1980, il fotografo di guerra giapponese Akihiko Okamura (1929-1985) ha creato una potente e in gran parte inedita raccolta di fotografie in Irlanda, sia a nord che a sud. 

Dopo aver documentato la guerra del Vietnam, Akihiko Okamura visitò l'Irlanda nel 1968, attratto dal legame con le radici familiari di John F. Kennedy. Un anno dopo, si trasferì in Irlanda con la sua famiglia e vi rimase fino alla sua improvvisa scomparsa nel 1985. Durante quel periodo, catturò la vita quotidiana della sua famiglia e il conflitto nell'Irlanda del Nord, noto come Troubles.

Le fotografie di Okamura sono state raramente viste prima e mostrano una visione artistica unica dell'Irlanda di quel periodo. Ciò che distingue il suo lavoro è la scelta di fare dell'Irlanda la sua casa. Tra tutti i fotografi internazionali attivi in ​​quel periodo, Okamura si distinse per il suo impegno per la storia dell'Irlanda e dell'Irlanda del Nord.

Grazie al suo profondo legame con ciò che fotografava, Okamura creò immagini innovative sia nel suo stile personale sia nel modo in cui i Troubles venivano raccontati attraverso la fotografia. Il suo profondo e personale rapporto con l'Irlanda gli permise di sviluppare un nuovo metodo di documentazione del conflitto: momenti poetici ed eterei di pace in tempo di guerra.

La mostra "Akihiko Okamura: The Memories of Others" è ora aperta al pubblico presso l'Art Gallery 4 dell'Ulster Museum. Non è necessaria la prenotazione. 

"The Memories of Others" è una mostra itinerante del Photo Museum Ireland. Curata da Pauline Vermare, Seán O'Hagan, Masako Toda, Brendan Maher e Trish Lambe, con il supporto dell'Estate di Akihiko Okamura, è stata presentata in anteprima al Photo Museum Ireland nel 2024. È stata inaugurata a Belfast durante il Belfast Photo Festival.

,,,