Was ist los in Irland

Drei meiner Skulpturen wurden für die Eco Aware Art Gallery ® ausgewählt.
Unsere Vision ist es, den Abfall auf der Welt durch Kunst zu reduzieren. Wir fördern Kunstwerke, die aus Abfall, recyceltem und gefundenem Material hergestellt werden.

https://visit.virtualartgallery.com/ecoawareartgallery

Im Mittelpunkt dieser Galerieausstellung steht die Textilinstallation der in Sowjetrussland geborenen und heute in England und Irland lebenden Künstlerin Varvara Keidan Shavrova. Die Installation besteht aus acht im Siebdruckverfahren bedruckten Filzdecken, die jeweils Bilder aus ihrem Familienfotoalbum zeigen. Dieses soziale und performative Kunstwerk lädt zur Interaktion ein: Besucher werden ermutigt, die Decken zu berühren oder sie sich über die Schultern zu legen.

Den Kunstwerken werden historische Objekte aus der Sammlung des Dokumentationszentrums gegenübergestellt, darunter eine Tischdecke aus Ostpreußen, eine Tagesdecke aus Böhmen und eine kleine Tischdecke aus Brandenburg.

Textilien wie Decken, Tischdecken, Taschentücher, Trachten, Mäntel, Umhänge, Schals und Überwürfe sind ergreifende Zeugnisse von Not und Leid. Sie dienen als Relikte von Verlust und Entbehrung und verkörpern den tief menschlichen Wunsch nach Wärme, Vertrautheit und Familie. Diese Objekte bieten Trost angesichts der schmerzhaften Erfahrungen von Vertreibung, Einsamkeit und Entwurzelung.

Die Arbeiten von Varvara Keidan Shavrova greifen diese gemeinsamen Erfahrungen von Millionen Flüchtlingen, Vertriebenen und Auswanderern auf und lassen ihre bleibenden Geschichten widerhallen.

Ausstellungsdaten: 2. Februar – 16. November 2025

IMMA-Kollektion: Kunst als Agentur ist eine große dreijährige Ausstellung, die die Dauerausstellung des IMMA als Quelle der Handlungsmacht und des Wissens feiert. Mit über 100 Künstlern von den 1960er Jahren bis heute werden Schlüsselwerke hervorgehoben, darunter viele Neuerwerbungen. Diese anspruchsvolle Ausstellung lädt zu längerfristiger Auseinandersetzung und Recherche ein und ermöglicht ein umfassendes, dauerhaftes Erlebnis der irischen Sammlung moderner und zeitgenössischer Kunst.

Durch thematische, chronologische, geografische und medienbasierte Ansätze untersucht die Ausstellung, wie Kunstwerke über Zeit und Kontexte hinweg miteinander verbunden sind und neue Interpretationen und Relevanz fördern. Werke aus den 1960er bis 1980er Jahren erinnern an die Gründungsgeschichte der irischen Kunstwelt. Während die Ausstellung den Kontext der modernistischen, überwiegend männlichen Dominanz dieser Ära anerkennt, beleuchtet sie auch die materiellen Innovationen und sozial engagierten Praktiken anderer, die trotz des relativ konservativen Status quo durchhielten.

Die Ausstellung präsentiert auch neuere Arbeiten, die sich mit drängenden globalen Themen wie Geschlecht, Hybridität, Kulturgeschichte, Entkolonialismus, Diaspora, Migration, Nahrungsmittelungerechtigkeit, Klima und ökologischem Wandel befassen. Erinnerung, Vorstellungskraft und Geschichtenerzählen spielen in diesen Arbeiten eine zentrale Rolle und bieten produktive Möglichkeiten, Fragmentierung, Vertreibung und Überleben in unbekannten Räumen zu verarbeiten. Neue und bestehende Arbeiten auf dem IMMA-Gelände werden diese Themen weiter vertiefen.

Die Ausstellung umfasst einen speziell geschaffenen „White Cube“-Galerieraum, der von Brian O'Dohertys berühmter Essayreihe inspiriert ist Inside the White Cube – Die Ideologie des Galerieraums (1976), das die auratischen, marktorientierten Effekte des White Cube-Galerieformats kritisiert. Auch die Auswahl der für diesen Raum kuratierten Werke lehnt diese ab, indem sie Werke amerikanischer Frauen der Nachkriegszeit, bahnbrechende konzeptuelle Kunstwerke von Marcel Duchamp und Brian O'Doherty sowie eine zeitgenössische feministische Antwort von Andrea Geyer in den Vordergrund stellt.

Durch die Verflechtung historischer und zeitgenössischer Erzählungen Kunst als Agentur lädt das Publikum ein, über die sich entwickelnden Bedeutungen und Möglichkeiten der Kunst bei der Gestaltung unseres Verständnisses und Handelns in der Welt nachzudenken.

Kith & Kin: The Quilts of Gee's Bend ist eine Gruppenausstellung mit Arbeiten afroamerikanischer Frauen aus einer kleinen Gemeinde in Alabama, deren Arbeiten zu Symbolen der Selbstbestimmung und des kulturellen Stolzes der Schwarzen geworden sind. Diese beeindruckende Sammlung textiler Arbeiten würdigt die afroamerikanische Kultur und ihr Erbe.

28. Februar 2025–27. Oktober 2025
Gallery 3

IMMA präsentiert Kith & Kin: The Quilts of Gee's Bend, die erste Ausstellung der Gee's Bend Quiltmakers in Irland, die gemeinsam mit Souls Grown Deep organisiert wird. Die Gee's Bend Quiltmakers, eine Gruppe afroamerikanischer Frauen aus einer kleinen Gemeinde in Alabama mit einer 200-jährigen Tradition der Quiltherstellung, haben Quilts geschaffen, die sowohl künstlerische als auch politische Bedeutung haben. Künstlerisch sind ihre Arbeiten für ihren improvisatorischen Stil, ihre kräftigen Farben und abstrakten Designs bekannt und werden oft mit modernistischen Kunstbewegungen wie dem abstrakten Expressionismus verglichen. Ihre aus recycelten Stoffen hergestellten Quilts sind tief in den afroamerikanischen Textiltraditionen verwurzelt und zeigen einzigartige Kreativität in geometrischen Mustern.

Politisch gesehen spiegeln die Quilts Widerstandskraft und Selbständigkeit wider, da sie aus der Not heraus in einer wirtschaftlich benachteiligten, rassisch getrennten Region entstanden. Die Bürgerrechtsbewegung lenkte die Aufmerksamkeit auf diese Frauen, die zu Symbolen der Selbstbestimmung und des kulturellen Stolzes der Schwarzen wurden. Ihr Kunsthandwerk wurde in Museen auf der ganzen Welt ausgestellt und unterstreicht die Bedeutung marginalisierter Stimmen in der amerikanischen Geschichte. Die Quilts sind sowohl eine Hommage an das afroamerikanische Erbe als auch ein Zeugnis der Stärke und Kreativität von Frauen angesichts systematischer Unterdrückung.

Im Rahmen des öffentlichen Programms wird IMMA Parallelen zu den Textil- und Quiltherstellungstraditionen in Irland erkunden.

IMMA TALKS / Vortrag & Launch
Die Quilts von Gee's Bend
Raina Lampkins-Fielder
Nehmen Sie an einem Vortrag von Raina Lampkins-Fielder, Chefkuratorin der Souls Grown Deep Foundation, über die einzigartige Quilttradition von Gee's Bend teil, einer Gemeinschaft von über fünf Generationen schwarzer amerikanischer Quiltmacher am Ufer des Alabama River. Dieser Vortrag findet zeitgleich mit der Eröffnung der Ausstellung Kith & Kin: The Quilts of Gee's Bend statt.

Donnerstag, 27. Februar 2025, 5:6 – XNUMX:XNUMX Uhr
Johnston Suite, IMMA
Reservierung erforderlich – Kostenlos

Pallas Projects/Studios freuen sich, die teilnehmenden Künstler an unserem vom Arts Council geförderten Programm „Artist-Initiated Projects 2025“ bekannt zu geben. Die Reihe von 8 x 3-wöchigen Ausstellungen zwischen März und November 2025 präsentiert Ausstellungen neuer Arbeiten von:

Cillian Finnerty, Michella Randilu Perera, Niamh Coffey, Reuben Brown, Lucy Andrews, Kathryn Maguire, Gary Farrelly, Caroline Mac Cathmaoil.

Von Künstlern initiierte Projekte bei Pallas Projects/Studios ist ein offenes, jährliches Galerieprogramm mit 8 x dreiwöchigen Ausstellungen, die zwischen März und November 3 stattfinden. Dieses einzigartige Programm finanzierter, von Künstlern initiierter Projekte, die über eine offene Ausschreibung ausgewählt werden, ist leicht zugänglich an Künstler, mit Schwerpunkt auf jungen, aufstrebenden Künstlern und Absolventen. Ergänzt werden die Projekte durch Künstlergespräche, Texte, Workshops oder Performances sowie Galeriebesuche von Hochschulen und örtlichen Schulen.

Cillian Finnerty — 27. März – 12. April

Michella Randilu Perera — 24. April – 10. Mai

Niamh Coffey — 22. Mai – 7. Juni

Reuben Brown — 19. Juni – 5. Juli

Lucy Andrews — 17. Juli – 2. August

Kathryn Maguire — 11. – 27. September

Gary Farrelly — 9. – 25. Oktober

Caroline Mac Cathmhaoil ​​– 6. – 22. November

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Pallas Projects/Studios ist einer der am längsten von Künstlern geführten Räume Irlands und blickt auf eine über 28-jährige Tradition der beruflichen Weiterentwicklung von Künstlern in einem von Gleichgesinnten geführten, unterstützenden Umfeld zurück, das aufstrebenden und in der Mitte ihrer Karriere stehenden Künstlern die Möglichkeit bietet, sich weiterzuentwickeln und auszustellen neue Arbeit. PP/S haben sich durch erfolgreiche und kritisch engagierte Ausstellungen, Veröffentlichungen, Kooperationen und Partnerschaften sowie Bildungsprogramme für Schulen einen landesweiten und internationalen Ruf bei Künstlern und Organisationen sowie ein öffentliches Profil erworben. Zu den jüngsten Projekten gehören das vierjährige Forschungsprojekt und die Publikation „Artist-Run Europe“, veröffentlicht von Onomatopee, Eindhoven im Jahr 4, und die jährliche Ausstellung „Periodical Review“, die nun bereits zum dreizehnten Mal stattfindet.

Die Ausstellung läuft vom 25. März bis 1. November 2025.

Jack Butler Yeats; Die Traumstraße
Di. 25. März – Sa. 1. November 2025

„The Dreaming Road“ bietet dem Publikum die Möglichkeit, Jack Butler Yeats' außergewöhnlichen Weg als Künstler durch vier wichtige, miteinander verbundene Phasen seines Lebens und Werks nachzuvollziehen. Die Ausstellung beleuchtet das Erbe seiner einzigartigen Künstlerfamilie sowie den unauslöschlichen Einfluss seines frühen Lebens in Sligo auf seine gesamte Karriere. Eine Auswahl seiner politisch aufgeladenen Gemälde der 1920er Jahre ist neben einigen großen Meisterwerken seiner späteren Jahre zu sehen, die für ihren wildromantischen und expressionistischen Stil bekannt sind. Obwohl Jack Yeats seine künstlerische Praxis nur ungern diskutierte, wird die Ausstellung durch zahlreiche Aussagen des Künstlers selbst ergänzt, die Aspekte seiner Haltung und Herangehensweise an die Malerei beleuchten.

Die Familie Yeats gehörte zu den kreativsten und erfolgreichsten in der irischen Literatur- und Kulturwelt des frühen 20. Jahrhunderts. Patriarch John Butler Yeats war ein angesehener Künstler und insbesondere für seine Porträtmalerei bekannt. Jacks drei Geschwister William, Susan und Elizabeth leisteten zeitlebens bedeutende Beiträge zur Literatur, zum Verlagswesen und zur Bildung. Ihre Mutter, Susan Pollexfen, war die Tochter einer wohlhabenden Kaufmannsfamilie aus Sligo und vermittelte ihren Kindern eine tiefe Liebe zu den Menschen, der Landschaft und der Mythologie der Grafschaft.

Jack Butler Yeats zählt bis heute zu den beliebtesten und erfolgreichsten Künstlern Irlands. Anders als seine Geschwister wurde Jack zu seinen Großeltern mütterlicherseits nach Sligo geschickt, wo er zwischen seinem achten und sechzehnten Lebensjahr lebte. Seine künstlerischen Wurzeln wurzelten in den intensiven Erfahrungen des irischen Lebens, die er in der Stadt machte, und die Westernfiguren und die dramatische Landschaft prägten seine Werke bis zu seinem Lebensende. Während seine Themen im Laufe seiner langen Karriere gleich blieben, veränderten sich sein Malstil und die Bedeutung seiner Werke im Laufe der Zeit. Seine anfänglichen Darstellungen des westlichen Lebens waren von einer starken Sentimentalität geprägt, die er zwischen 16 und 1898 in Aquarellen zum Ausdruck brachte. Diese wich in seiner frühen Ölmalereiperiode (1910–1910) dem ausgeprägten Realismus, den er entwickelte, um politische und gesellschaftliche Kommentare abzugeben.

Jack war 1898 erneut in Sligo gewesen und hatte dort einige der Nachinszenierungen zum hundertsten Jahrestag des Aufstands von 1798 miterlebt. Das Spektakel des Ereignisses sprach Jacks Liebe zur Dramatik des Alltags an und inspirierte ihn zu einer seiner ersten politischen Szenen: „Robert Emmet – Prozession in Carricknagat, Co. Sligo, 1898“. Die ernstere Sorge um die irische Nationalität, die durch die Hundertjahrfeierlichkeiten in den Vordergrund gerückt wurde, prägte auch den jungen Künstler. Ab 1898 wuchs seine Überzeugung vom Recht der Iren auf Selbstbestimmung. In der Folgezeit malte er mehrere, offenkundig politische Werke, von denen einige auch in dieser Ausstellung zu sehen sind. Ihren Höhepunkt erreichten die Meisterwerke „The Funeral of Harry Boland“ (1922) und „Communicating with Prisoners“ (ca. 1924).

Ab den 1920er Jahren und im späteren Verlauf seiner Karriere setzte eine weitere, deutlichere Entwicklung ein. Jacks Themen wurden von tieferer Mystik und Symbolik durchdrungen. Sein Umgang mit Farbe wurde deutlich freier, er verzichtete auf Palette und Pinsel und arbeitete direkt auf der Leinwand, wobei er ausschließlich die Primärfarben verwendete. In den 1940er Jahren präsentieren uns seine Gemälde zunehmend apokalyptische Visionen. Er entwickelte eine sehr persönliche Technik, die weniger Wert auf die Komposition legte. Er konzentrierte sich stärker auf die Schaffung von Werken im „Stream-of-Consciousness“-Stil und bezeichnete die auf diese Weise entstandenen Gemälde als „Happenings“.

Die Ausstellung läuft bis zum 1. November. Ausführliche Kuratorenführungen finden im Juni, Juli und August jeden Samstag um 11 Uhr statt und können an der Rezeption oder unter www.themodel.ie gebucht werden.

Der Eintritt zu unseren Ausstellungen ist frei und für alle zugänglich. Wir bitten alle, die es sich leisten können, eine Spende von 5 € für diese Ausstellung zu leisten. Dies ist kontaktlos an der Kasse in der Galerie möglich.

Verstricktes Leben
Kuratiert von Cristina Nicotra
Mai–Dezember 2025

Entangled Life, unterstützt von der Community Foundation Ireland, ist ein Programm, das die tiefen Zusammenhänge zwischen Klima, Gesellschaft und Ökosystemen erforscht, in denen Kunst und Gemeinschaft miteinander verflochten sind. Die Initiative beleuchtet heterogene Klima- und Sozialthemen, indem sie Ökologie als komplexes Beziehungsgeflecht versteht – zwischen Menschen, der übermenschlichen Welt sowie politischen und natürlichen Umgebungen.

Entangled Life möchte Raum für ein Netzwerk aus Beziehungen, Zusammenarbeit und Engagement innerhalb der Community schaffen. Acht Monate lang bringt das Projekt Community-Teilnehmer, Künstler und Experten – darunter Lisa Fitzsimons (Leiterin für Strategie und Nachhaltigkeit am Irish Museum of Modern Art), Dr. Eileen Hutton (Leiterin für Kunst und Ökologie am Burren College of Art) und Gareth Kennedy (Künstler, Dozent und leitender Koordinator von NCAD FIELD) – für eine Reihe monatlicher Podiumsdiskussionen, Workshops und künstlerischer Interventionen bei Pallas Projects zusammen. Der Höhepunkt ist eine Ausstellung im Dezember 8.

Das Projekt ist inspiriert von Merlin Sheldrakes gleichnamigem Buch, das die vernetzten Myzelwelten erforscht, die unerwartete Möglichkeiten eröffnen, sowie von Joanna Macys Prinzipien der „aktiven Hoffnung“, die Wissen, Mitgefühl und Handeln betonen. Mit dem Ziel, eine dekarbonisierte Zukunft zu fördern, untersucht das Projekt die Zusammenhänge zwischen Klimafragen und Gesellschaft und zeigt, wie diese in unserem Alltag und unserer Gemeinschaft relevant sind.

Die Veranstaltungsreihe bietet vielfältige Perspektiven und Raum für direkten Austausch zwischen den Teilnehmenden durch einen nichtlinearen, nichthierarchischen Ansatz. Sie fördert Erkundung und kritisches Denken und berücksichtigt das psychische Wohlbefinden. Diese multidisziplinäre Initiative trägt dem Bedürfnis Rechnung, Möglichkeiten zu schaffen, Veränderungen effektiv zu beeinflussen und zu aktivieren. Sie ermöglicht es der Community, sich über Klimathemen zu informieren, darauf zu reagieren und gemeinsam vielfältige, dynamische und unvorhersehbare Verbindungen und Inspirationen zu schaffen. Die im Rahmen des Programms gesammelten Rückmeldungen und Reaktionen werden in einem Toolkit-Bericht zusammengefasst.

Insgesamt werden sieben Themen erörtert und in offenen Podiumsdiskussionen und Workshops erörtert. Den Auftakt macht am Mittwoch, dem 14. Mai, „Die Kunst des gerechten Übergangs“ mit der Künstlerin Rachel Fallon, der Assistenzprofessorin für Soziologie am UCD, Dr. Egle Gusciute, und Michelle Murphy, Forschungs- und Politikanalystin bei Social Justice Ireland und Mitglied der Kommission für gerechten Übergang.

Veranstaltungskalender

14. Mai Die Kunst des gerechten Übergangs (Vortrag)

11. Juni Biomaterialien in Kunst und Gesellschaft entdecken (Vortrag)

9. Juli Kunst und Biomaterialien (Workshop)

3. September Beyond Words: Nachhaltigkeit kommunizieren (Vortrag)

1. Oktober Intersektionalität in Kunst und Klima (Vortrag)

29. Oktober Klima und Kunst: Programmierung und Interessenvertretung (Vortrag)

27. November Entangled Life (Ausstellungseröffnung)

3. Dezember Klimakrise und psychische Gesundheit (Workshops)

17. Dezember Klimaaktivismus und sozial engagierte Kunst (Vortrag)

Die Veranstaltungen finden mittwochs von 6 bis 8 Uhr statt. Sie können gerne an einigen oder allen Veranstaltungen teilnehmen. Plätze können über Eventbrite gebucht werden. Es gibt jedoch auch Plätze für spontane Besucher, sofern verfügbar.

IMMA präsentiert eine Einzelausstellung von Sam Gilliam (1933–2022), einem der großen Innovatoren der amerikanischen Nachkriegsmalerei, die gemeinsam mit der Sam Gilliam Foundation organisiert wird. Seine Mitte der 1960er Jahre entstandenen, kanonischen „Drape“-Gemälde verbanden Malerei, Skulptur und Performance auf völlig neue Weise im Dialog mit Architektur. Indem Gilliam unbespannte, bemalte Leinwände von Wänden oder Decken der Ausstellungsräume abhängte, transformierte er sein Medium und die Kontexte, in denen es betrachtet wurde.

„Sewing Fields“ unterstreicht Gilliams Verbindung zu Irland. Dort prägte ein prägender Aufenthalt in der Ballinglen Arts Foundation in den 1990er Jahren seine künstlerische Praxis grundlegend. Gilliam entdeckte neue Materialien und arbeitete mit vorgefärbten Stoffen, die er nach Irland verschiffen ließ, und schnitt und schichtete sie zu skulpturalen Kompositionen. Die Zusammenarbeit mit einer lokalen Schneiderin vertiefte diesen Prozess und untermauerte seine innovative Verbindung von Malerei und Textiltechniken.

Die dramatischen, wellenförmigen Formen seiner Werke spiegeln die Weite und Wildheit der irischen Küste wider und zeichnen sich durch lockere, fließende Kompositionen aus, die die organische und unberechenbare Natur von Land und Meer widerspiegeln. Gilliams charakteristische, lebendige Farbfelder wurden vom einzigartigen irischen Licht beeinflusst und erzeugten stimmungsvolle, fast durchscheinende Farbtöne. Durch die Abkehr von der starren Geometrie der Moderne förderte Gilliams Werk in Irland einen intuitiven Dialog mit der umgebenden Natur und zelebrierte die Körperlichkeit der Malerei und die emotionale Resonanz des Ortes durch Abstraktion und Materialität.

Mit dieser Ausstellung setzt IMMA sein Engagement für Künstler fort, deren Werke in den letzten Jahren erneut Aufmerksamkeit und Anerkennung erfahren haben, darunter Howardena Pindell (2023), Derek Jarman (2019) und Frank Bowling (2018).

Eröffnung der Ausstellung „Art in Motion“ im Baile Mhuire Day Centre.

Die Tralee Art Group freut sich, ihre neueste Gemeinschaftsausstellung „Art in Motion“ bekannt zu geben. Die offizielle Eröffnung findet am Dienstag, den 17. Juni, um 2.30:XNUMX Uhr im Baile Mhuire Day Centre in Balloonagh, Tralee, statt. Die Eröffnung wird von Ehrengast Paddy Garvey, dem Vorsitzenden von Baile Mhuire, moderiert. Alle sind herzlich eingeladen. Genießen Sie einen Nachmittag mit Kunst, Musik und Erfrischungen in einem gemütlichen und einladenden Ambiente.

Diese Sonderausstellung ist das Ergebnis einer einzigartigen Zusammenarbeit zwischen Mitgliedern der Tralee Art Group und den Klienten des Baile Mhuire Day Centre und zeigt die kreative Energie und den Ausdruck beider Gruppen. Mit einer Vielzahl von Werken in unterschiedlichen Medien, Stilen und Themen zelebriert „Art in Motion“ Bewegung, Kreativität und Gemeinschaftsgeist.

TAG engagiert sich für die kulturelle Bereicherung von Tralee und Umgebung. Die Gruppe veranstaltet regelmäßig Ausstellungen, Workshops und Gemeinschaftsprojekte und pflegt enge Beziehungen zu lokalen Organisationen – darunter eine laufende Freiwilligenpartnerschaft mit Baile Mhuire.

Diese Ausstellung spiegelt diese Partnerschaft wider. Die Kunstwerke stammen nicht nur von TAG-Mitgliedern, sondern auch von Klienten des Tageszentrums, die wöchentlich an kreativen Workshops teilnehmen, die von den Freiwilligen der Tralee Art Group geleitet werden. Das Ergebnis ist eine freudige und inspirierende Sammlung von Kunstwerken, von denen jedes seine eigene Geschichte von Fantasie, Verbundenheit und Zusammenarbeit erzählt.

Alle sind herzlich eingeladen, an der Eröffnung teilzunehmen und diese erbauliche künstlerische Darbietung in unserer Gemeinde zu feiern. Die Ausstellung läuft ein Jahr lang und ist werktags zwischen 4 und 5 Uhr für die Öffentlichkeit zugänglich.

Das Great Book of Ireland ist ein außergewöhnliches Pergamentmanuskript, das die Originalwerke von 120 Künstlern, 140 Dichtern und neun Komponisten enthält.

Alle Beitragenden wurden gebeten, ihre Hoffnungen, Freuden, Ängste und Lieben als Iren an der Wende zum zweiten Jahrtausend mitzuteilen. Die ehemalige Präsidentin Mary Robinson beschrieb das Buch als „das Book of Kells des zweiten Jahrtausends“. Zu den Künstlern und Schriftstellern, die daran mitwirkten, gehören Samuel Beckett, Eavan Boland, Cecily Brennan, Louis le Brocquy, Eiléan Ní Chuilleanáin, Barrie Cooke, Dorothy Cross, Daniel Day-Lewis, Nuala Ní Dhomhnaill, Seamus Heaney, Eithne Jordan, Michael Longley, John Montague, Tony O'Malley, Kathy Prendergast und Patrick Scott.

Besucher haben die Möglichkeit, das Originalmanuskript anzusehen und mithilfe eines digitalen Touchscreens die Seiten umzublättern und die außergewöhnliche Bandbreite künstlerischer Praktiken zu erkunden, die in diesem einzigartigen kulturellen Artefakt vereint sind.

Besucher haben die Möglichkeit, das Originalmanuskript anzusehen und mithilfe eines digitalen Touchscreens die Seiten umzublättern und die außergewöhnliche Bandbreite künstlerischer Praktiken zu erkunden, die in diesem einzigartigen kulturellen Artefakt vereint sind.

Das Great Book of Ireland wird vom Arts Council Ireland, dem University College Cork und privaten Wohltätigkeitsorganisationen über die Cork University Foundation unterstützt.

Sara Flynn, Sueharu Fukami, Shihoko Fukumoto, Joe Hogan, Eiko Kishi, Frances Lambe, Deirdre McLoughlin, O'Donnell + Tuomey, Satoru Ozaki, Sean Scully, Joseph Walsh, Kan Yasuda, Osamu Yokoyama.

Kuratiert von Wahei Aoyama und Joseph Walsh.

RINN erforscht die Kultur des Schaffens und ihre Beziehung zu Ort und Zeit anhand der Werke irischer und japanischer Künstler und Architekten. Jedes Stück ist ein persönlicher Ausdruck der Form, doch ihre Werke vereint das Eintauchen in die Kultur des Schaffens. Ob sie nun auf das handwerkliche Erbe – die mit dem Ort verbundenen Materialien und Fertigkeiten – zurückgreifen oder neue Techniken und Materialien ausprobieren, sie alle verbindet eine enge Beziehung zum Handgemachten.

Rinn bedeutet auf Gälisch Ort oder Punkt – und auf Japanisch bedeutet dasselbe Wort Kreis, Ring oder Zirkularität. Joseph Walsh hat festgestellt, dass die Bedeutung in beiden Sprachen die seiner Praxis innewohnenden Ideen von Ort und Zeitpunkt innerhalb eines kontinuierlichen Zeitzyklus stark widerspiegelt.

Präsentiert von Making In by Joseph Walsh Studio als Teil des Programms Ireland Japan 2025 in Partnerschaft mit der irischen Regierung, feierte die Ausstellung im April sowohl im Ireland House als auch im A Lighthouse called Kanata, Tokio, Premiere.

Das Glucksman ist stolz, die Show bei ihrer Rückkehr nach Irland auszurichten.

RINN wird vom Arts Council Ireland, dem University College Cork, der irischen Regierung, Ireland Japan 2025, A Lighthouse Called Kanata und privaten Wohltätigkeitsorganisationen durch die Cork University Foundation unterstützt.

Bibliotheken der Ruhe von Ciara Barker.

Eröffnungsempfang: Samstag, 23. August, 2–4 Uhr.

„Libraries of Rest“ von Ciara Barker ist eine immersive Ausstellung, die Besucher einlädt, sich die Zukunft erholsamer Räume und Praktiken vorzustellen. „Libraries of Rest“ kombiniert Installation, Gameplay, Ton und Licht und bewegt sich zwischen bildender Kunst, immersiver Umgebung und kritischer Theorie, mit Fokus auf kollektivem Wohlbefinden.

Barkers Untersuchung von Ruhe als Methode des Widerstands basiert auf einer Reihe kritischer Werke, darunter Texte von Tricia Hersey, Dr. Saundra Dalton-Smith, Sonya Renee Taylor und Dr. Devon Price. Diese Forschung basiert auf der Untersuchung struktureller Ungleichheit und Ruhe als ein Problem der Rasse, der Rechte von Menschen mit Behinderungen und der sozialen Gerechtigkeit, das marginalisierte Gemeinschaften überproportional betrifft.

Diese Ausstellung wird von Aoife Donnellan kuratiert und enthält eine Klanglandschaft von Mankyy. Bild: Ciara Barker, Libraries of Rest im transmediale Studio in Berlin. Bild: Ciara Barker, Libraries of Rest im transmediale Studio in Berlin. Foto: Katie O'Neill.

Diagonale Akte von Marie Farrington.

Eröffnungsempfang: Samstag, 23. August, 2–4 Uhr.

Diagonal Acts zeigt, wie diagonale Linien als Mittel zur Verbindung, Trennung und Bewegung zwischen verschiedenen Orten oder Ideen verstanden werden. Die Ausstellung beschäftigt sich mit den Themen Erinnerung, Ort und Verbindung – und erkundet Lücken, Fragmente und Kanten in Archäologie, Geologie, Skulptur und Bühnenperformance.

Die materiellen Ergebnisse von Diagonal Acts werden durch eine Reihe von Kooperationen unterstützt und durch ein öffentliches Programm generativer Elemente verbunden, die darauf ausgelegt sind, das Publikum persönlich und online kritisch einzubeziehen und so die Teilnahme und den Zugang zu verbessern und zu erweitern.

Kuratiert wird diese Ausstellung von Kate Strain mit Beiträgen von Liliane Puthod und Laura Ní Fhlaibhín. Bild: Marie Farrington, Figures for Lifting, 2024, geschnitzter Speckstein. Foto von Rein Kooyman.

Die Ausstellung läuft vom 13. Juni bis 4. Januar 2026

Eine Ausstellung selten gezeigter Kunstwerke des international bedeutenden japanischen Kriegsfotografen Akihiko Okamura, die seine Beziehung zu Irland während des Nordirlandkonflikts dokumentieren. 

Von den späten 1960er bis zu den frühen 1980er Jahren schuf der japanische Kriegsfotograf Akihiko Okamura (1929–1985) eine eindrucksvolle und weitgehend ungesehene Sammlung von Fotografien aus Nord- und Südirland. 

Nach seiner Berichterstattung über den Vietnamkrieg besuchte Akihiko Okamura 1968 Irland, angezogen von der familiären Verbindung zu John F. Kennedy. Ein Jahr später zog er mit seiner Familie nach Irland und blieb dort bis zu seinem plötzlichen Tod 1985. Während dieser Zeit hielt er den Alltag seiner Familie und den Konflikt in Nordirland, bekannt als „Troubles“, fest.

Okamuras Fotografien sind bisher selten zu sehen und zeigen einen einzigartigen künstlerischen Blick auf das Irland dieser Zeit. Was seine Arbeit auszeichnet, ist seine Wahl, Irland zu seiner Heimat zu machen. Unter allen internationalen Fotografen dieser Zeit ragte Okamura durch sein Engagement für die Geschichte Irlands und Nordirlands heraus.

Da er eine so enge Verbindung zu dem aufbaute, was er fotografierte, schuf Okamura innovative Bilder, die sowohl seinen eigenen Stil als auch die Art und Weise widerspiegelten, wie der Nordirlandkonflikt fotografisch dargestellt wurde. Seine tiefe, persönliche Beziehung zu Irland ermöglichte es ihm, eine neue Methode der Konfliktdokumentation zu entwickeln: poetische und ätherische Momente des Friedens in Kriegszeiten.

„Akihiko Okamura: The Memories of Others“ ist jetzt in der Art Gallery 4 des Ulster Museums geöffnet. Keine Buchung erforderlich. 

„The Memories of Others“ ist eine Wanderausstellung des Photo Museum Ireland. Kuratiert von Pauline Vermare, Seán O'Hagan, Masako Toda, Brendan Maher und Trish Lambe und mit Unterstützung des Nachlasses von Akihiko Okamura, feierte sie 2024 im Photo Museum Ireland Premiere. Die Eröffnung fand während des Belfast Photo Festivals in Belfast statt.

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Ausstellung läuft vom 23. August bis 1. November 2025

Eine große Einzelausstellung der Künstlerin Maud Cotter „maelstrom“ präsentiert eine Gruppe von Werken, die die Komplexität der Gegenwart untersuchen und sich mit der Komplexität und Form des Wandels als Prozess auseinandersetzen, mit Werken, die auf die duale Richtung der Zeit und die relationale Natur der Materie verweisen.

Diese Ausstellung großformatiger Werke dieses etablierten irischen Künstlers reagiert auf die Komplexität und räumliche Reichweite des Standorts der Highlanes Gallery auf seinen beiden Etagen.

In die Ausstellung integriert ist eine Auseinandersetzung mit historischen und zeitgenössischen Werken aus der städtischen Kunstsammlung von Drogheda.

In der Ausstellung mit neuen und aktuellen großformatigen Skulpturen und Installationen befindet sich das gleichnamige Werk „Maelstrom“, das Maud Cotter als „eine Spirale, ein wirbelnder Strom“ beschreibt.

Sie fügt hinzu: „Ich sehe dieses Phänomen als Ausdruck der Natur der Veränderung, als eine komplexe Form, die sich ausdehnt und Raum einnimmt; eine Dynamik mit zwei Richtungen, die verbrauchte Form einnimmt und eine andere konzeptionelle Richtung bietet.“

Die Autorin und Kritikerin Rebecca Geldard hat kürzlich über Cotters Praxis geschrieben:

„In Marcel Marceaus Bühnenstück gibt es einen perfekt choreografierten Moment des Schwebens, der vom Publikum unbemerkt bleibt“, erklärt Maud Cotter. „Er verstärkt die Körperlichkeit seiner Leistung, die Fähigkeit, Sehnen und Knochen im Takt zu halten und unmerklich zu erstarren. Doch dieser Moment ist nur in den Kulissen spürbar, von wo aus sie ihn zeichnet. Jenseits der Bühne scheint die Unterbrechung der Energie, des Flusses, nichts zu verändern, verändert aber tatsächlich alles im Energiefeld. Mit der muskulösen Eleganz des Turners oder dem allgegenwärtigen Kriechen einer Partitur verändert der leichte Stimmungswechsel lautlos die Parameter des performativ Möglichen.“

„Vernetzung auf molekularer Ebene ist der Motor von Cotters bildhauerischer Auseinandersetzung; sie manifestiert Momente „unvollkommener Geometrie“ im Zentrum der Schnittstelle von Dingen, Wesen, Ideen und Umgebungen. Ob er es wagt, dies massiv in Metall zu „zeichnen“, es durch die Platzierung bereits vorhandener Materialien herzustellen oder die wesentlichen Teile dazwischen zu orchestrieren, jeglicher künstlerischer Zwang ist immer nur, und ach so leicht, beaufsichtigend, so praxisnah der Prozess auch sein mag. Jede Befestigung, jeder eingeschriebene Abschnitt, jede Schleife archigrafischer Schrift darf als Teil eines leise beharrlichen Ensembles mit ihrer eigenen Energie sprechen und uns über das Bedürfnis nach Bedeutung hinausführen und hin zu einem kollektiven Gefühl, mittendrin zu sein – schwebend, spiralförmig, mit dem Gefühl, dass sich alle Dinge zu berühren scheinen, also sind sie.“

„Page Turners“ ist eine Ausstellung mit Künstlerbüchern, die am Donnerstag, den 5. September, um 30:4 Uhr in der St. Fin Barre’s Cathedral eröffnet wird.
Diese Herbstausstellung im Domumgang lädt die Besucher zum Verweilen und Erkunden ausgewählter Künstlerbücher aus Irland, Großbritannien und Frankreich ein.
Zu den ausgewählten nationalen und internationalen Buchkünstlern gehören Ambeck Design, Coracle Press, Helen Douglas, Paul Gaffney, Helena Grimes, ottoGraphic Books, Road Books und Tom Sowden. Die Ausgaben werden über den Domshop erhältlich sein.

„Page-turners“ wird gemeinsam mit dem MTU Crawford College of Art & Design kuratiert und ist ein wichtiger Moment in der Kathedrale, da wir Pionierarbeit für ein fortlaufendes Kunstprogramm leisten.

Am Donnerstag, 12. September, findet außerdem um 30:18 Uhr eine Podiumsdiskussion im Dom statt.
Die Ausstellung läuft bis zum 31. Oktober 2025

Der Besuch dieser Ausstellung ist kostenlos: E-Mail arts@stfinbarres.ie um Ihr Ticket zu erhalten.

Das Office of Public Works und das Dublin City Arts Office freuen sich, eine neue Ausstellung mit Werken von Eithne Jordan RHA präsentieren zu dürfen, kuratiert von Margarita Cappock. Sie findet im Casino Marino, Cherrymount Crescent, Marino, Dublin 3, D03 HH70 statt.

Die Ausstellung ist täglich von 10.00 bis 5.00 Uhr geöffnet und der Eintritt zur Ausstellung ist frei.

Über den Künstler
Eithne Jordan ist eine der bedeutendsten Malerinnen Irlands. In dieser Ausstellung richtet Jordan ihren künstlerischen Blick auf die Innenräume öffentlicher und privater Räume wie Museen und institutionelle Gebäude, die sie auf ihren Reisen durch Irland, Frankreich, Italien, die Schweiz und die USA besucht hat. Jordan erkundet, wie Gemälde, Skulpturen und Artefakte in diesen Räumen präsentiert werden. Ihre Gemälde sind, wie sie es nennt, „emotionale Landschaften“. Jordan stellt gerne an ungewöhnlichen Orten aus, wo ihre Werke mit ihrer Umgebung interagieren können, wie in dieser Ausstellung im Casino Marino. Ihre Gemälde spiegeln ihr anhaltendes Interesse an Architektur und dem Zusammenspiel zwischen ihren Gemälden und ihrer Umgebung wider, sei es ein modernistischer Raum oder ein historisches Gebäude.

Die Resonanz dieser neuen Arbeiten – die meisten davon aus den letzten fünf Jahren –, die in den Räumen des Casinos ausgestellt sind, erzeugt das „Echo“ einer anhaltenden Auseinandersetzung mit dem 18. Jahrhundert, weshalb die Künstlerin diesen Ausstellungstitel wählte. Eithne Jordan wuchs in Clontarf, unweit des Casinos, auf. Sie sagt: „Das Casino strahlt eine gewisse Erhabenheit aus, vermittelt aber in der Schönheit seiner Proportionen auch ein Gefühl von Intimität. Das ist eines der Dinge, die ich daran liebe.“

Finanziert vom OPW und dem Dublin City Arts Office mit Unterstützung des Arts Council.

ERÖFFNUNGSEMPFANG MIT DEM KÜNSTLER, MEET-AND-GREET MIT DEM KURATOR, FILMVORFÜHRUNGEN UND MEHR

Es ist schrecklich, darüber nachzudenken, woher ich meine Inspiration nehme, aber all diese Dinge sind für mich als Künstler eine Quelle der Inspiration. Ich liebe Bäume. Ich liebe Berge. Aber ich möchte nicht hinausgehen und sie malen. Ich male nicht, um Geld zu verdienen. Ich male, was ich will, und ich war schon immer politisch.

— Patricia Hurl

In den letzten über 40 Jahren hat die Malerin Patricia Hurl das Leben irischer Frauen und ihre Erfahrungen als Hausfrauen, Kindergebärerinnen, Betreuerinnen, Versorgerinnen und Kriegerinnen in einer männerdominierten Welt dargestellt. Dabei hat sie durch expressionistische, vielschichtige Pinselstriche und die Vermischung von Figurativem und Abstraktem das breite Spektrum der Emotionen ihrer Modelle zum Ausdruck gebracht.

Im Rahmen von Irish Gothic, einer Retrospektive von Hurls außergewöhnlicher Karriere, präsentiert vom IAC in Zusammenarbeit mit dem Irish Museum of Modern Art (IMMA), bieten wir dem Publikum im September besondere Gelegenheiten, sich mit der Künstlerin und ihrem Werk auseinanderzusetzen, darunter ein Empfang zur Eröffnung, ein Gespräch mit Kuratorin Johanne Mullan vom IMMA, eine private Führung durch die Ausstellung nur für Mitglieder, Vorführungen des Dokumentarfilms Sonnenaufgang bis Sonnenuntergang, das dem Künstlerkollektiv Na Cailleacha folgt, dessen Gründungsmitglied Hurl ist; und Galeriestunden für eine irische Gothic-Theaterinstallation. Der Eintritt ist frei.

Die aktuelle Form der Trauer – eine neue, auf Fäden basierende Ausstellung von Ciara O'Connor
„Wenn ich dich verlasse, werde ich dir etwas von mir selbst weitergegeben haben. Du wirst ein anderer Mensch sein, weil du mich kennst. Das ist unvermeidlich.“
-Edna O'Brien

Die Trauer ist tief in mir verwurzelt, und ich vermute, sie wird nie wieder verschwinden. Doch sie ist so viel mehr als nur Kummer und Verzweiflung. Sie ist ein sich ständig verändernder Ausdruck der Liebe. Wir liebten sie, und sie liebten uns. Für mich ist diese Liebe manchmal ein Gefühl von Wärme, wenn ich auf meine Hände blicke und ihre sehe.

Manchmal ist es ein Stich des Bedauerns über die verletzenden Worte, die ich zu ihm gesagt habe. Manchmal sacke ich zusammen, wenn mich der Verlust und die Grausamkeit des Ganzen überwältigen. Aber manchmal, jetzt, wo die Wellen der Trauer immer weiter auseinanderdriften, ist es tiefe Dankbarkeit für alles, was ich dadurch gelernt habe.

„Grief’s Current Shape“ ist eine Erkundung der verschiedenen Phasen der Trauer und ein persönlicher Versuch, sich auf alles einzulassen.

Über Ciara
Ciara O'Connor ist eine bildende Künstlerin aus Kerry, die hauptsächlich mit Textilien und Freihandstickerei arbeitet. Ihre Arbeiten sind figurativ und behandeln Themen wie Identität, Feminismus, Trauma und Genesung. Sie möchte die Grenzen traditioneller Techniken erweitern, um zeitgenössische Geschichten zu erzählen.

Seit ihrer Rückkehr in die Kunstpraxis im Jahr 2019 wurde sie für 15 Gruppenausstellungen ausgewählt, darunter „Following Threads“ in der Crawford Art Gallery sowie die RUA- und RSA-Jahresausstellungen. Ihre erste Einzelausstellung fand 2022 im Garter Lane Arts Centre statt und sie war in FAIRE, Image Magazine, The Irish Examiner, The Kerryman und VAN (Januar/Februar 2024) zu sehen. Ihre zweite Einzelausstellung beginnt am 6. September im Garter Lane Arts Centre.

Die Ausstellung läuft vom 4. September bis 31. Oktober 2025

In ihrer Ausstellung, die diesen Donnerstag, den 4. September, im Rahmen der Late Night Art Belfast eröffnet wird, interpretiert Alexander Aristoteles' Vorstellung des Kosmos als 56 Himmelssphären anhand einer Reihe von Acrylskizzen auf Leinen. Jedes Fragment lädt zu einem Perspektivwechsel ein und erkundet Zwischenräume, Identität jenseits des Körpers und unseren Platz im Universum – eine Konstellation von Momenten, die fragen, wer wir sind und wie wir Sinn finden.

Jennifer Alexander ist eine bildende Künstlerin und Kuratorin aus Schottland, die derzeit in Nordirland lebt. In ihrer Arbeit untersucht sie das Zusammenspiel von Wahrnehmung und Schichtung.

Die Ausstellung läuft vom 6. September bis 1. November 2025

Ausgangspunkt dieser Ausstellung war Mandy O'Neills kürzlich abgeschlossene praxisorientierte Promotion, in der sie die sozialen und materiellen Auswirkungen von Wohnungsbau und Verfall im Dubliner Vorort Cabra untersuchte. Ihre Forschung hinterfragte die ideologischen Veränderungen in der Wohnungspolitik seit Mitte des 20. Jahrhunderts in Irland, die zu einer Abkehr vom Wohnen als öffentlichem Gut hin zum Wohnen als Ware geführt haben, wobei der Schwerpunkt auf den Auswirkungen der Planung lag. In einem breiteren Kontext beschäftigt sich O'Neills Arbeit mit der Politik von Raum und Ort sowie den Machtverhältnissen, die unsere gebaute Umwelt prägen.

Die Ausstellung läuft vom 6. September bis 1. November 2025

„The Push and Pull“ ist in der Schönheit Westirlands verwurzelt und erkundet die Dualität des Mutterseins – Zärtlichkeit und Spannung, Geben und Trauern, leidenschaftliche Liebe und stillen Selbstverlust. In einer Reihe intimer, strukturierter Werke fängt die Künstlerin die emotionalen Rhythmen der Kindererziehung ein: Momente der Verbundenheit, die durch die Anforderungen von Fürsorge, Identität und Zeit auf die Probe gestellt werden. Dieses Werk lädt den Betrachter ein, in das Auf und Ab mütterlicher Erfahrungen einzutauchen, wo Natur, Körper und Erinnerung aufeinandertreffen.

In dieser Installation aus großformatigen, farbenfrohen Ölgemälden, Skulpturen und Plexiglasspiegeln erkundet Karen Ebbs Ideen rund um Reflexion, Wahrnehmung und Realität. Im Mittelpunkt der Arbeit steht die lebensbejahende und transformative Farbe. In einer Zeit ökologischer und sozialer Herausforderungen nutzt Ebbs Farbe als stille Rebellion gegen die graue Apathie und schenkt Hoffnung. Durch den Einsatz von Spiegeln verschwimmen die Grenzen zwischen Kunstwerken und Individuum. Der Betrachter wird mit seinem eigenen Spiegelbild konfrontiert, das sich mit den Kunstwerken verwebt. Durch diese Interaktion wird er Teil einer sich ständig verändernden Installation, die durch seine Anwesenheit kontinuierlich verändert wird. Diese Idee hinterfragt das Konzept der Trennung und unsere Selbstwahrnehmung und bietet dem Betrachter die Möglichkeit, innezuhalten.

Karen Ebbs ist eine in Dublin lebende Künstlerin und Mitglied von Pallas Projects and Studios. Sie erhielt 2023 einen Master of Fine Art in Malerei vom NCAD und wurde anschließend für die RDS Visual Arts Awards nominiert. Sie studierte außerdem an der Royal Hibernian Academy School in Dublin. Zu ihren jüngsten Einzelausstellungen gehören Rathfarnham Castle (2024), Farmleigh Estate (2022) und die LAB Gallery in Dublin (2022). Im Jahr 2022 erhielt Karen einen Agility Award vom Arts Council of Ireland und einen Professional Development Award vom dlr Arts Office.
Unser Galerie-Lernprogramm bietet zahlreiche Workshops, Führungen für alle Altersgruppen und die Möglichkeit, mehr zu erfahren und verschiedene Kunsttechniken auszuprobieren. Weitere Informationen finden Sie auf unserer Website: www.dlrcoco.ie/arts.

Die Golden Thread Gallery präsentiert stolz „Radical Hope“, eine neue Ausstellung, die in Zusammenarbeit mit der Arsenal Gallery im polnischen Białystok entstanden ist. Kuratiert aus der Collection II, einer der bedeutendsten Sammlungen zeitgenössischer Kunst Polens, bietet die Ausstellung eine zeitgemäße Reflexion über Unsicherheit, Resilienz und das transformative Potenzial der Kunst.

Die Sammlung II, die sich in der Arsenal Gallery befindet und unter der Leitung von Monika Szewczyk entstand, zeichnet die Entwicklung der zeitgenössischen Kunstlandschaft in Polen und Osteuropa in den letzten drei Jahrzehnten nach. Die als „offenes Korpus“ konzipierte Sammlung ist ein lebendiges Archiv: dynamisch, wachsend und reagierend auf die sich wandelnden Narrative unserer Zeit.

Diese Ausstellung ist Teil der UK/Poland Season 2025, die vom Adam Mickiewicz Institute, dem British Council und dem Polnischen Kulturinstitut in London organisiert und vom Ministerium für Kultur und nationales Erbe sowie dem polnischen Außenministerium unterstützt wird.

Die Ausstellung läuft vom 13. September bis 8. November 2025

Die Golden Thread Gallery präsentiert stolz „Radical Hope“, eine neue Ausstellung, die in Zusammenarbeit mit der Arsenal Gallery im polnischen Białystok entstanden ist. Kuratiert aus der Collection II, einer der bedeutendsten Sammlungen zeitgenössischer Kunst Polens, bietet die Ausstellung eine zeitgemäße Reflexion über Unsicherheit, Resilienz und das transformative Potenzial der Kunst.

Ausstellungseröffnung: Samstag, 13. September, 12 Uhr

Lorna Watkins lebt in Sligo und ist eine multidisziplinäre bildende Künstlerin. Sie studierte Textildruckdesign am NCAD und ist Stipendiatin des Ballinglen Fellowship. Ihre Ausstellung „Tend/er“ zeigt Malerei, Druckgrafik und Skulptur und beschäftigt sich mit Themen rund um das Zuhause, unbeachtete Alltagsgegenstände, Mutterschaft und Altern. Sie nimmt häufig Bezug auf den Körper, da das Zeichnen nach lebenden Modellen in den letzten zehn Jahren ein fester Bestandteil ihrer Arbeit war.

Im Jahr 2024 wurde Watkins für den John Richardson French Residency Award und 2020 für den JOYA AiR, Spanien, ausgewählt. Sie ist Preisträgerin des Arts Council Agility Award, des ADI Training Award und des Thomas Damann Travel Bursary. Ihre Werke sind Teil mehrerer öffentlicher und privater Sammlungen, darunter des Ulster Hospital und der Ballinglen Arts Foundation.

„Liminal Landscapes“ ist eine Doppelausstellung mit der Malerin Gabhann Dunne und dem Bildhauer und Schriftsteller Theo Hynan-Ratcliffe. Dunnes Gemälde erforschen den Übergang vom ökologischen Wandel zu den Grenzen von Skulptur und Schrift und reagieren auf die ökologischen Narrative des Burren und die Widerstandsfähigkeit der Burren Pines. Hynan-Ratcliffes skulpturale und schriftliche Arbeiten beschäftigen sich mit Materialität, feministischen Perspektiven und Zyklen von Trauer und Erneuerung. Gemeinsam schaffen ihre Arbeiten einen Dialog über Natur, Identität und Zeit und laden zum Nachdenken über unseren Einfluss und unsere Verbindung zur Erde ein.

„Let's Not Talk About This Now“ ist eine Einzelausstellung mit Zeichnungen, Skulpturen und Drucken von Peter Nash in der Cork Printmakers Studio Gallery, die am Kulturabend eröffnet wird. 

Seine visuellen Erkundungen haben die Form einer explodierten Enzyklopädie oder einer chaotischen Museumsausstellung, sind offen und von Natur aus menschlich; eine kontinuierliche Suche nach Verständnis in einem sich schnell entwickelnden digitalen Zeitalter.

Die Ausstellungsästhetik ist zwar von Museen und Fachbüchern beeinflusst, erhebt jedoch keinen Anspruch auf Autorität. Es werden bewusst mehr Fragen gestellt als Antworten präsentiert.

Künstlergespräch 8. Oktober 1 Uhr

THE SWALLOW, Tadhg O'Sullivans neuer Film mit Oscar-Preisträgerin Brenda Fricker in der Hauptrolle, läuft ab dem 19. September in ausgewählten irischen Kinos.
Der Film ist eine Meditation über Kunst, Erinnerung und Einsamkeit im späteren Leben. Dabei geht es um eine Künstlerin, die Erinnerungen und Fragmente der Vergangenheit erforscht und gleichzeitig versucht, ihren eigenen Unwillen, loszulassen, zu verstehen.

Trailer: https://vimeo.com/marmaladefilms/theswallowofficialtrailer

Tickets erhältlich über https://linktr.ee/marmaladefilms

The Swallow wurde vom Arts Council/An Comhairle Ealaíon im Rahmen des Authored Works-Programms finanziert.

Pollanroe Burn oder An Pollán Rua – der kleine rote Teich – entfaltet sich in einer Reihe neuer Filme und Archivfragmente und ist Teil der fortlaufenden Langzeitforschung der Künstlerin Emily McFarland zur sich verändernden Ökologie der Sperrin Mountains in West Tyrone, Nordirland, im Schatten der geplanten großindustriellen Goldgewinnung. Das Projekt fragt: Wie können wir Denkweisen entwickeln, die es Intellekt und Empathie ermöglichen, die langjährigen und empfindlichen Verbindungen zwischen Mensch und Umwelt zu begreifen?

Eröffnung: Samstag, 27. September 2025 im Void Art Centre, 6–8 Uhr

VISUAL freut sich zu präsentieren Schöpfungsakte: Über Kunst und MutterschaftDiese bahnbrechende Wanderausstellung wurde von Hettie Judah in Zusammenarbeit mit der Hayward Gallery Touring konzipiert. Nach einer erfolgreichen Tournee durch Großbritannien Schöpfungsakte kommt zu VISUAL, ergänzt durch die Aufnahme von Werken irischer Künstler und Sammlungen.

„Acts of Creation“ präsentiert in allen Galerien der VISUAL Werke aus Malerei, Zeichnung, Skulptur, Film, Fotografie und Ton, die die Erfahrung der Mutterschaft in all ihrer Komplexität thematisieren. Begleitend dazu bietet die VISUAL ein vertiefendes Lernprogramm, das auf die Themen und Werke der Ausstellung eingeht. Ein Lesebereich, ein Reflexionsraum sowie spezielle Workshops und Führungen bieten den Besuchern zudem die Möglichkeit, sich mit den Ideen und Erfahrungen dieser eindrucksvollen Ausstellung auseinanderzusetzen.

„Acts of Creation: Über Kunst und Mutterschaft“ taucht anhand von über 100 Kunstwerken in die Freuden und Sorgen, das Chaos, die Mythen und Missgeschicke der Mutterschaft ein, von der Frauenbewegung der 1960er und 70er Jahre bis heute.
Während die Madonna mit Kind eines der großen Sujets der europäischen Kunst ist, finden wir selten Kunst, die echte Mutterschaft in all ihrer Komplexität thematisiert. Acts of Creation thematisiert diesen blinden Fleck der Kunstgeschichte und betont die Künstlerin Mutter als wichtige kulturelle Figur.
Wie verändert sich das Bild der Mutterschaft, wenn die Künstlerin auf gelebte Erfahrungen zurückgreift? Was wird sichtbar? Welche Herausforderungen werden an die Mutterschaft als Institution gestellt, durch die die Mutter als aufopfernd, heilsam, unermüdlich und klaglos idealisiert wird?
In vier thematischen Ausstellungen werden vielfältige Erfahrungen erkundet. „Creation“ befasst sich mit Empfängnis, Schwangerschaft, Geburt und Stillen. Mutterschaft wird als kreativer Akt dargestellt, bei dem die Freude jedoch mit Angst, Schmerz und Erschöpfung einhergehen kann.
Maintenance widmet sich der täglichen Arbeit von Müttern und deren Betreuung. Hier finden wir Künstlerinnen, die sich um den Haushalt kümmern, sich um die Sicherheit ihrer Kinder kümmern und die Balance zwischen Kunst und Elternschaft finden.
In „Loss“ reflektieren Künstlerinnen und Künstler Erfahrungen mit Fehlgeburten, Adoption und ungewollter Kinderlosigkeit. Die Werke in diesem Abschnitt protestieren zudem gegen den Verlust der reproduktiven Rechte von Frauen.
„The Temple“ ist eine Serie von Selbstporträts, in denen Künstlerinnen ihre eigene Identität in Bezug auf die Mutterschaft erforschen. Jahrzehntelang wurde Frauen gesagt, sie könnten nicht gleichzeitig Künstlerin und Mutter sein. Diese Porträts widerlegen diese Vorstellung.

Diese Ausstellung zeigt Kunstwerke, die Nacktheit beinhalten und sich mit Geburt, (Un-)Fruchtbarkeit, Fehlgeburt, Abtreibung, Verlust und häuslicher Gewalt befassen.

Die Ausstellung dauert vom 27. September bis 22. November 2025.

„So Nice Day“ des Carrowbeg Artist Collective lädt die Betrachter zu einem intensiven Dialog zwischen Kunst, Ökologie und gelebter Erfahrung ein. Die von sieben Künstlern mit geistiger Behinderung geschaffene Ausstellung verbindet natürliche Materialien mit persönlichen Erzählungen und erforscht Sinneswahrnehmung, Nachhaltigkeit und unsere Verbundenheit mit der Natur. Durch die Verstärkung unterschiedlicher Stimmen unterstreicht CHG&S die transformative Kraft der Kunst, fördert Inklusion und vertieft den kulturellen Dialog über Ökologie und Barrierefreiheit.

Die Ausstellung dauert vom 20. September bis 1. November 2025.

Gerard Byrne, Künstler des Baggotonia Festivals 2025, präsentiert „Light Falls: Ode to Baggotonia“ in seinem privaten Atelier mit Galerie in Ranelagh. Byrne fängt Dublins einzigartiges Licht ein – das Leuchten zwischen Gebäuden, das Schimmern des Kanals, Schatten, die sich ins Laubwerk legen. Die Ausstellung zeigt kontemplative Stillleben, verträumte Stadtlandschaften und kühne figurative Werke. Byrne reflektiert georgianische Straßen und die Bohème-Seele der Stadt, in der einst Beckett, Behan und Bacon wandelten, und verwandelt alltägliche Anblicke in lyrische Meditationen über Licht, Erinnerung und Ort – und führt Irlands impressionistisches Erbe mit zeitgenössischen Erkenntnissen fort.

Start: Mittwoch, 1. Oktober, 6:30 Uhr

Diese Ausstellung erforscht die Verbindung zwischen Stimme, Selbst und Gemeinschaft. Mittels Fotografie demonstriert das Kollektiv die Bedeutung von Kreativität für die Vermittlung aktueller kultureller Werte, des Erbes für zukünftige Generationen, von Identität und Wohlbefinden sowie die Bedeutung von Raum. Diese Ausstellung ist ein partizipatives Erlebnis. Wir laden alle Besucher ein, Smartphones und Kopfhörer mitzubringen, um die Audioreflexionen und Klanglandschaften zu den Fotografien freizuschalten.

Carol beschreibt diese Ausstellung als

„Diese Sammlung entstand als berauschender Ansturm visueller Geschichten. Sie begannen um die Wintersonnenwende und nahmen unregelmäßige Formen in intensiven Blau-, Lila- und Purpurtönen sowie sattem Bronze und Gold an. Sie erkundeten die Dunkelheit und Dämmerung des Winters, wenn der Hund zum Wolf wird.“

Ihre Arbeiten befinden sich in Privatsammlungen, öffentlichen Institutionen, Unternehmen und Galerien im Vereinigten Königreich, Irland, den USA, Südafrika und Australien.

Zu sehen von Donnerstag, 2. Oktober, bis Donnerstag, 6. November.

Mehr dazu: https://www.catalystarts.org.uk/nonstick-frying-pan

Norio Ishiwata und Chifumi Ishiwata gründeten nach ihrer Hochzeit die Künstlergruppe Orinotawashi. Von Tokio aus begannen sie mit der Erstellung von Collagen, die sie gemeinsam fertigstellten. 2013 widmeten sie sich der Kunst und nahmen an Artist-in-Residence-Programmen in fünf Ländern teil: Spanien, Italien, Sambia, Ägypten und Marokko. Ihre Auslandsreisen inspirierten sie dazu, sich dem Thema „Kunst zum Leben“ zu widmen. In Spanien trafen sie den irischen Künstler Mark Redden, dessen traditionelles irisches Boot, die Currach, und sein künstlerischer Stil sie beeinflussten.

Eröffnungsvorstellung am Donnerstag, 2. Oktober, 7 Uhr
Creative Spark freut sich, Glór | Ciúnas zu präsentieren, eine Gruppenausstellung mit neuen Arbeiten von Künstlern aus dem Artist-in-Residence-Programm 2024/25. Mit einer lebendigen Mischung aus Malerei, Druckgrafik, Installation, Skulptur und Mixed Media vereint die Ausstellung Werke von Aoife Cawley, Klowi, Claire McAteer, Colleen Eilís Murphy, Nicola Moran, Áine Dunne, Maria Atanacković und Eimear Murphy. Der Titel Glór | Ciúnas, übersetzt „Laut | Stille“, spiegelt die Arbeiten der diesjährigen Künstler wider. Einige verwenden helle, kräftige Farben, um Energie und Geschichten auszudrücken, während andere subtile, ruhige Werke schaffen, die zum Nachdenken einladen. Glór | Ciúnas markiert das elfte Jahr der Artists-in-Residence-Ausstellung, die im Táin Arts Centre stattfindet.
Das Creative Spark Residency Programme, das vom Arts Service des Louth County Council und dem Arts Council of Ireland unterstützt wird, hat sich zum Ziel gesetzt, Künstlern grundlegende Unterstützung zu bieten.

Manchmal ruft ein Gemälde ein Gefühl oder eine Erinnerung hervor, an die sich der Betrachter nicht immer erinnern kann.

Obwohl Laura Butler und Audrey Kyle sehr unterschiedliche künstlerische Stile und Medien verwenden, teilen sie eine Vision: Sie beschäftigen sich mit einer Welt jenseits des Augenblicks. Oftmals porträtieren sie Szenen an denselben Orten, entwickeln aber ihre eigenen Interpretationen. Audrey erkundet die Welt durch eine tiefe Verbundenheit mit der Natur und einen ausgeprägten Sinn für Mythisches, Mystisches und Folkloristisches. Lauras Ziel in ihren Landschaftsgemälden ist es, den Geist des menschlichen Lebens und die Spuren, die ihre Anwesenheit in der Landschaft hinterlässt, einzufangen.

Die Ausstellung ist von Freitag, dem 3. bis Freitag, dem 31. Oktober 2025, zu sehen, einschließlich der Samstagsöffnung am 11. Oktober. Öffnungszeiten: Montag bis Freitag, 10:00 – 16:00 Uhr.

Eröffnungsempfang: Donnerstag, 02. Oktober 2025, 6–8 Uhr

Frank Sweeneys neuer Film „Go Ye Afar“ begleitet einen irisch-nigerianischen Taxifahrer auf seiner wundersamen Reise durch die Straßen von Dublin und Calabar. Mithilfe verschiedener Techniken und Quellen – von nachgestellten Interviews und Archivaufnahmen bis hin zu Rückprojektionen und Nollywood-inspirierten Spezialeffekten – werden verschiedene Charaktere durch miteinander verbundene Orte in Irland und Nigeria transportiert.

Bernadette erkundet mit dem Kajak die versteckten Buchten von West Cork und sammelt Ton und vom Meer veränderten Schutt, den sie später durch keramische Prozesse in Gefäße verwandelt, die sie als Claytography der Küste bezeichnet – taktile Notizen von Zeit, Ort und Transformation.
Neben ofengegossenen Glasstücken, die ihre emotionalen und körperlichen Reaktionen auf das Meerwasser verkörpern, bewahren die Keramiken die Energie, Textur und Zeitlichkeit der Orte, aus denen sie stammen. Jedes Werk thematisiert die geologische Zeit, die Vergänglichkeit von Küsten und das fragile Gleichgewicht zwischen Mensch und Umwelt.

Die Ausstellung läuft vom 3. Oktober bis 2. November 2025

Diese Ausstellung vereint die Werke von 34 herausragenden Nachwuchskünstlern. Mehr als 55 Werke füllen die Galerie. Von Malerei und Druckgrafik bis hin zu Fotografie und Mixed Media – es erwartet Sie eine beeindruckende Mischung aus Ideen, Stilen und Stimmen, die voller Energie und Entdeckungen steckt.

Die Eröffnung findet am Freitag, den 3. Oktober, von 7 bis 9 Uhr statt. Bringen Sie Ihre Freunde mit, treffen Sie die Künstler, trinken Sie ein Glas Wein und feiern Sie mit uns. Premieren sind immer ein Erlebnis, und diese wird etwas ganz Besonderes.

Samstags und sonntags von 12 bis 18 Uhr geöffnet (geschlossen am 6. und 19.)

Die Ausstellung läuft vom 4. Oktober 2025 bis zum 8. November 2025

Parallel Lands vereint neue Werke der neufundländischen Künstler Michael Flaherty, Susan Furneaux und Kym Greeley, kuratiert von Philippa Jones im Rahmen der internationalen Partnerschaft zwischen Artlink (Donegal, Irland) und CRUX (Neufundland, Kanada). Ihre Werke spiegeln einen tiefen Dialog mit Land und Meer wider und zeigen, wie Irland und Neufundland, getrennt durch den Atlantik, durch parallele Geschichten von Besiedlung, Verlust, Widerstandsfähigkeit und Zugehörigkeit verbunden sind.

Die Ausstellung läuft vom 3. Oktober bis 15. November 2025.

„When Stars Collide“ ist eine Multimedia-Installation, die den Galerieboden mit Sandwegen und Kieshaufen neu gestaltet, auf denen eine Reihe gefallener Sterne und ein abgetrennter Bronzekopf liegen. Der Kopf wird sowohl zum Relikt als auch zum Erzähler und bringt seine Dilemmata und Gedanken zum Ausdruck: die Verkörperung des Nachthimmels, erinnerte Erinnerungsfragmente, ererbte Überzeugungen, den verlorenen Körper, seine Enttäuschungen und seine Hoffnung, während er wartet … wartet auf das, was als Nächstes kommt. Zwischen Analyse und Poesie schwebend, kreist der Kopf hin und her und reflektiert das Spektrum der Existenz in dem Raum und der Zeit, in dem er sich gerade befindet.

Die Ausstellung läuft vom 2. Oktober bis 6. November 2025

Eine Ausstellung zum Thema Häuslichkeit und Zuhause mit Werken von Alex Keatinge und Niamh Hannaford.

Das Selbst, das Haustier und eine Badewanne bilden ein Dreieck aus Elementen, die in diesem Ölgemälde auf Leinen, dessen Titel zugleich der Titel der gesamten Ausstellung ist, als Komposition angeordnet sind. 

Die Badewanne stammt aus meiner Heimat, den Feldern rund um mein Atelier in der Grafschaft Donegal, wo Bauern Badewannen willkürlich in der Landschaft aufstellen, aus denen ihre Kühe und Bullen trinken können. Einst eine intime Funktion im Haushalt, sind dies heute kuriose Formen in offenen Räumen, die an Entfremdung und Korrosion erinnern, auf dem Weg zurück zu den Elementen Metall und Erde.  

William McKeown schuf Gemälde, Zeichnungen, Drucke und Installationen, die die Offenheit und lebensbejahende Kraft der Natur einfingen.
Geleitet von seinem Glauben an die Vorrangstellung des Gefühls, ähnelten seine Gemälde auf den ersten Blick oft dem objektiven Minimalismus oder der Monochromie. Doch sie boten viel mehr: die Natur als real und greifbar, überall um uns herum, etwas, das man berühren und fühlen kann.
Jedes Gemälde ist leicht vom Quadrat abweichend, was die Perfektion der Geometrie untergräbt, und ist in etwa auf die Größe der menschlichen Brust skaliert, als ob es die Kapazität unserer Lungen zum Einatmen von Luft widerspiegeln würde.

In den letzten 15 Jahren hat Sean Molloy den Kanon der barocken Malerei untersucht und dekonstruiert. Zunächst geschah dies in Form der Porträtmalerei, vor allem anhand der beunruhigenden Darstellung Philipps IV. von Velazquez, später führte er zur Erforschung des barocken Landschaftskanons, insbesondere der Werke von Berchem, Ruisdael, Cuyp und Wouwerman. Ab 2014 konzentrierte er sich auf die Schaffung Stimmungen, imaginäre Landschaften, die aus Referenzen des Barockkanons zusammengesetzt sind, gelegentlich Staffage enthalten und mit störenden, überlagerten und stark gesättigten „Glitch“-Elementen überlagert sind.

Picasso lebte umgeben von seiner Kunst. Sein Privatleben und sein Werk, seine Häuser und Ateliers waren stets eng miteinander verbunden. Die Ausstellung stellt Picasso in den Kontext seiner Ateliers und beleuchtet die verschiedenen Facetten und Phasen seiner Kunst und seines Lebens. Sie erkundet die wichtigsten Orte, die ihn prägten, von seiner Ankunft in Paris zu Beginn des 20. Jahrhunderts bis zu seinem Atelier im Mas Notre-Dame de Vie (1961–1973) in Mougins. Die Ausstellung zeigt Gemälde, Skulpturen, Keramiken und Arbeiten auf Papier sowie fotografische und audiovisuelle Werke.

„Sea Skin“ ist eine fühlbare, weiche Skulptur, die von der Erfahrung des Schwimmens im Meer und Begegnungen unter der Meeresoberfläche inspiriert ist.

Die Texturen und Farben des Stücks basieren auf Besuchen vor Ort auf den Inseln von West Cork und spiegeln die vielfältigen Arten von Seetang wider, die die Küstenlandschaft prägen.

Die Installation lädt die Betrachter ein, sich mit der Textilskulptur auseinanderzusetzen, während weiche, luftige Stoffe sanft über Ihre Haut streichen und durch handgenähte Fäden zu einer taktilen Erkundung anregen.