¿Qué pasa en Irlanda?

Tres de mis esculturas seleccionadas para la galería de arte Eco Aware Art Gallery ®
Nuestra visión es reducir los desechos en el mundo a través del arte. Promovemos obras de arte hechas con desechos, materiales reciclados y encontrados.

https://visit.virtualartgallery.com/ecoawareartgallery

Esta exposición se centra en la instalación textil de la artista Varvara Keidan Shavrova, nacida en la Rusia soviética y que actualmente vive en Inglaterra e Irlanda. La instalación presenta ocho mantas de fieltro serigrafiadas, cada una de las cuales representa imágenes de su álbum de fotos familiar. Esta obra de arte social y performativa invita a la interacción: se anima a los visitantes a tocar las mantas o a colocarlas sobre sus hombros.

Junto a las obras de arte se encuentran objetos históricos de la colección del Centro de Documentación, entre ellos un mantel de Prusia Oriental, una colcha de Bohemia y un pequeño mantel de Brandeburgo.

Los textiles como mantas, manteles, pañuelos, trajes tradicionales, abrigos, capas, bufandas y mantas son testigos conmovedores de las dificultades y el sufrimiento. Son reliquias de la pérdida y la privación, y encarnan el deseo profundamente humano de conectarse con el calor, la familiaridad y la familia. Estos objetos ofrecen una sensación de consuelo frente a las dolorosas experiencias del desplazamiento, la soledad y el desarraigo.

El trabajo de Varvara Keidan Shavrova habla de estas experiencias compartidas de millones de refugiados, personas desplazadas y emigrantes, y resuena con sus historias perdurables.

Fechas de la exposición: 2 de febrero al 16 de noviembre de 2025

IColección MMA: El arte como agencia es una importante exposición trienal que celebra la Colección Permanente del IMMA como fuente de agencia y conocimiento. Presenta más de 100 artistas, desde la década de 1960 hasta la actualidad, y destaca obras clave, incluidas muchas adquisiciones recientes. Esta ambiciosa exposición invita a la participación y la investigación a lo largo del tiempo, permitiendo una rica experiencia duradera de la Colección de Arte Moderno y Contemporáneo de Irlanda.

A través de enfoques temáticos, cronológicos, geográficos y basados ​​en los medios, la exposición examina cómo las obras de arte se conectan a través del tiempo y los contextos, fomentando nuevas interpretaciones y relevancia. Las obras de los años 1960 a los años 1980 evocan la historia fundacional del mundo del arte irlandés. Si bien reconoce el contexto del predominio modernista predominantemente masculino de esa época, la exposición también destaca la innovación material y las prácticas socialmente comprometidas de otros que persistieron a pesar del status quo relativamente conservador.

La exposición también presenta prácticas más recientes que exploran temas globales urgentes como el género, la hibridez, las historias culturales, el descolonialismo, la diáspora, la migración, la injusticia alimentaria, el clima y el cambio ecológico. La memoria, la imaginación y la narración desempeñan papeles fundamentales en estas obras, ofreciendo formas generativas de procesar la fragmentación, la dislocación y la supervivencia en espacios desconocidos. Las obras nuevas y existentes en el recinto del IMMA ampliarán estos temas.

La exposición incluye un espacio de galería en forma de "cubo blanco" especialmente creado e inspirado en la famosa serie de ensayos de Brian O'Doherty. Dentro del cubo blanco: la ideología del espacio de la galería (1976), que critica los efectos auráticos y mercantiles del formato de galería de cubos blancos. Asimismo, la selección de obras comisariadas para este espacio contraataca destacando obras de mujeres estadounidenses de la posguerra, obras conceptuales pioneras de Marcel Duchamp y Brian O'Doherty, así como una respuesta feminista contemporánea de Andrea Geyer.

Al entrelazar narrativas históricas y contemporáneas, El arte como agencia Invita al público a reflexionar sobre los significados y posibilidades cambiantes del arte para dar forma a nuestra comprensión y acción en el mundo.

Kith & Kin: The Quilts of Gee's Bend es una exposición colectiva que presenta el trabajo de mujeres afroamericanas de una pequeña comunidad de Alabama, cuyos trabajos se han convertido en símbolos del empoderamiento y el orgullo cultural de los negros. Esta impresionante colección de obras textiles celebra la cultura y el legado afroamericanos.

28 de febrero de 2025–27 de octubre de 2025
Galería 3

IMMA presenta Kith & Kin: The Quilts of Gee's Bend, la primera exposición de las edredones de Gee's Bend en Irlanda, coorganizada con Souls Grown Deep. Las edredones de Gee's Bend, un grupo de mujeres afroamericanas de una pequeña comunidad de Alabama con una tradición de 200 años en la confección de edredones, han creado edredones que tienen un significado tanto artístico como político. Artísticamente, su trabajo es famoso por su estilo improvisado, colores llamativos y diseños abstractos, a menudo comparados con movimientos artísticos modernistas como el expresionismo abstracto. Sus edredones, hechos de telas recicladas, están profundamente arraigados en las tradiciones textiles afroamericanas y muestran una creatividad única en patrones geométricos.

Políticamente, las colchas reflejan resiliencia y autosuficiencia, ya que nacieron de la necesidad en una región económicamente deprimida y racialmente segregada. El movimiento por los derechos civiles atrajo la atención hacia estas mujeres, que se convirtieron en símbolos del empoderamiento y el orgullo cultural de los negros. Su artesanía se ha exhibido en museos de todo el mundo, destacando la importancia de las voces marginadas en la historia estadounidense. Las colchas sirven como una celebración de la herencia afroamericana y un testimonio de la fuerza y ​​la creatividad de las mujeres frente a la opresión sistémica.

A través del programa público, IMMA explorará paralelismos con las tradiciones textiles y de confección de colchas en Irlanda.

IMMA TALKS / Conferencia y lanzamiento
Los edredones de Gee's Bend
Raina Lampkins-Fielder
Únase a Raina Lampkins-Fielder, curadora en jefe de la Fundación Souls Grown Deep, para una charla sobre la singular tradición de confección de colchas de Gee's Bend, una comunidad de más de cinco generaciones de colchoneros afroamericanos ubicada en las orillas del río Alabama. Esta charla coincide con el lanzamiento de la exposición Kith & Kin: The Quilts of Gee's Bend.

Jueves 27 de febrero de 2025, 5:6 a XNUMX:XNUMX horas
Suite Johnston, IMMA
Es necesario reservar – Gratis

En 2025, Lismore Castle Arts celebrará 20 años presentando una exposición dedicada al tema de Kunstkammer, curada por el historiador de arte y escritor, Robert O'Byrne.

Kunstkammer es un tipo de museo donde se exhiben objetos extraños o raros, también conocido como Gabinete de Curiosidades. Antiguamente extendidos por toda Europa, estos museos privados eran famosos por presentar una amplia gama de objetos, incluyendo Arteficialia (productos del hombre) y Naturalia (productos de la naturaleza), junto con instrumentos científicos, relojes y autómatas.

Obras de arte invaluables se exhibieron junto a curiosas curiosidades, antigüedades junto a los últimos inventos. Unidas por su diversidad y belleza, la Kunstkammer del Castillo de Lismore es a la vez una recreación y una reinvención del género. A través de una serie de salas, cada una diferente en tamaño y forma, objetos históricos de colecciones privadas y públicas compartirán espacio con obras de destacados artistas contemporáneos irlandeses e internacionales.

La exposición crea nuevos encuentros con lo familiar y lo inquietante, invitando a conversaciones oportunas sobre la exhibición, las colecciones y la práctica contemporánea como el artefacto del futuro. A partir de los temas de la exhibición, la obra invita al público a interactuar con el arte contemporáneo de forma accesible, en referencia a una de las ambiciones originales del Gabinete de Curiosidades: fomentar el aprendizaje a través del encuentro.

Robert O'Byrne es uno de los escritores y conferenciantes más reconocidos de Irlanda, especializado en bellas artes y artes decorativas. Exvicepresidente de la Sociedad Georgiana Irlandesa, es autor de más de una docena de libros, excolumnista de la revista Apollo y colaborador tanto de The Burlington Magazine como de la Irish Arts Review. Robert ha comisariado numerosas exposiciones, entre ellas "Ireland's Fashion Radicals" para el Little Museum de Dublín, y "In Harmony with Nature: The Irish Country House Garden" para la Sociedad Georgiana Irlandesa, ambas con un récord de asistencia. Durante los últimos doce años, ha escrito el galardonado blog "The Irish Aesthete".

La exposición irá acompañada de un amplio programa de eventos, charlas, proyecciones y un amplio programa de aprendizaje. En el verano de 2025 se publicará un catálogo para acompañar la exposición.

Pallas Projects/Studios se complace en anunciar a los artistas participantes en nuestro programa de Proyectos Iniciados por Artistas 2025, financiado por el Consejo de las Artes. La serie de ocho exposiciones de tres semanas de duración, entre marzo y noviembre de 8, presentará nuevas obras de:

Cillian Finnerty, Michella Randilu Perera, Niamh Coffey, Reuben Brown, Lucy Andrews, Kathryn Maguire, Gary Farrelly y Caroline Mac Cathmaoil.

Proyectos iniciados por artistas en Pallas Projects/Studios es un programa de galería anual de presentación abierta de 8 exposiciones de 3 semanas que se llevarán a cabo entre marzo y noviembre de 2025. Este programa único de proyectos financiados, iniciados por artistas y seleccionados mediante convocatoria abierta es muy accesible. a artistas, con un enfoque en los inicios de su carrera, artistas emergentes y recién graduados. Los proyectos se complementan con charlas, textos, talleres o actuaciones de artistas y visitas a galerías por parte de universidades y escuelas locales.

Cillian Finnerty — 27 de marzo – 12 de abril

Michella Randilu Perera — 24 de abril – 10 de mayo

Niamh Coffey — 22 de mayo – 7 de junio

Reuben Brown — 19 de junio – 5 de julio

Lucy Andrews — 17 de julio – 2 de agosto

Kathryn Maguire — 11 al 27 de septiembre

Gary Farrelly — 9 al 25 de octubre

Caroline Mac Cathmhaoil ​​– 6 – 22 de noviembre

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Pallas Projects/Studios es uno de los espacios dirigidos por artistas más antiguos de Irlanda, con una tradición dedicada de más de 28 años al desarrollo profesional de los artistas en un entorno de apoyo dirigido por pares, que brinda oportunidades para que los artistas emergentes y de mitad de carrera se desarrollen y expongan. nuevo trabajo. PP/S ha establecido una reputación a nivel nacional e internacional entre artistas y organizaciones, y un perfil público a través de exposiciones, publicaciones, colaboraciones y asociaciones exitosas y críticamente comprometidas, y programas educativos para escuelas. Los proyectos recientes incluyen el proyecto de investigación de 4 años y la publicación 'Artist-Run Europe', publicado por Onomatopee, Eindhoven en 2016, y la exposición anual 'Periodical Review', ahora en su decimotercer año.

La exposición continúa del 25 de marzo al 1 de noviembre de 2025.

Jack Butler Yeats; El camino de los sueños
Mar. 25 marzo – sáb. 1 de noviembre de 2025

El Camino de los Sueños ofrece al público la oportunidad de recorrer la extraordinaria trayectoria artística de Jack Butler Yeats a través de cuatro etapas importantes e interconectadas de su vida y obra. La exposición aborda el legado de su singular familia artística, así como la indeleble influencia de sus primeros años en Sligo en toda su carrera. Una selección de sus pinturas de la década de 1920, con una fuerte carga política, se exhibe junto con varias de las grandes obras maestras de sus últimos años, conocidas por su estilo profundamente romántico y expresionista. Si bien Jack se mostró notablemente reticente a hablar de su práctica creativa, la exposición se complementa con varias declaraciones del propio artista que arrojan luz sobre aspectos de sus actitudes y enfoques pictóricos.

La familia Yeats fue una de las más creativas y distinguidas del mundo literario y cultural de la Irlanda de principios del siglo XX. El patriarca, John Butler Yeats, fue un artista distinguido, especialmente reconocido por su trabajo en el retrato. Los tres hermanos de Jack, William, Susan y Elizabeth, realizaron importantes contribuciones a la literatura, la publicación y la educación a lo largo de su vida. Su madre, Susan Pollexfen, era hija de una acaudalada familia de comerciantes de Sligo e inculcó en sus hijos un profundo amor por la gente, el paisaje y la mitología del condado.

Jack Butler Yeats sigue siendo uno de los artistas más queridos y consagrados de Irlanda. A diferencia de sus hermanos, Jack fue enviado a Sligo con sus abuelos maternos, donde vivió entre los ocho y los dieciséis años. Se formó como artista gracias a la profunda experiencia de la vida irlandesa que encontró en la ciudad, y sus personajes del oeste y su dramático paisaje poblaron sus obras hasta el final de su vida. Si bien su temática se mantuvo inalterada a lo largo de su dilatada carrera, su estilo pictórico y el significado que atribuía a sus obras cambiaron con el tiempo. Sus primeras representaciones de la vida occidental estuvieron marcadas por un fuerte sentimentalismo, que plasmó en acuarelas entre 16 y 1898. Esto dio paso, en su primera etapa al óleo (1910-1910), al marcado realismo que desarrolló para realizar comentarios políticos y sociales.

Jack había regresado a Sligo en 1898, donde presenció algunas de las recreaciones del centenario de la Rebelión de 1798. El espectáculo del evento despertó en Jack su pasión por el drama de la vida cotidiana, y esto le inspiró a crear una de sus primeras escenas políticas, Robert Emmet: Procesión en Carricknagat, Condado de Sligo, 1898. La preocupación más seria por la nacionalidad irlandesa, que las celebraciones del centenario pusieron de relieve, también impactó al joven artista. A partir de 1898, se convenció aún más del derecho a la autodeterminación irlandesa. Pintó varias obras de carácter más abiertamente político, algunas de las cuales también se exhiben en esta exposición, culminando en las obras maestras El funeral de Harry Boland, 1922, y Comunicación con prisioneros, c. 1924.

A partir de la década de 1920 y hasta la última etapa de su carrera, se afianzó otro desarrollo más marcado. La temática de Jack se impregnó de un misticismo y un simbolismo más profundos. Su manejo de la pintura se volvió mucho más libre: abandonó la paleta y el pincel, y trabajó directamente sobre el lienzo utilizando únicamente los colores primarios. A lo largo de la década de 1940, sus pinturas nos presentan cada vez más visiones apocalípticas. Desarrolló una técnica muy personal, que priorizaba menos la composición. Se centró más en crear obras con un estilo de flujo de conciencia y denominó las pinturas que realizó de esta manera como "happenings".

La exposición continúa hasta el 1 de noviembre. Se ofrecerán visitas guiadas detalladas todos los sábados a las 11:XNUMX h durante junio, julio y agosto. Pueden reservarse en recepción o en www.themodel.ie.

Todas nuestras exposiciones son gratuitas y están abiertas a todo el mundo. Solicitamos a quienes puedan hacerlo que hagan una donación de 5 € para esta exposición. Pueden realizarla mediante pago sin contacto en la estación de esta galería.

Vida enredada
Comisariada por Cristina Nicotra
Mayo-diciembre de 2025

Vida Enredada, con el apoyo de Community Foundation Ireland, es un programa que explora las profundas conexiones entre el clima, la sociedad y los ecosistemas, donde el arte y la comunidad se entrelazan. Esta iniciativa desentraña temas climáticos y sociales heterogéneos, entendiendo la ecología como una compleja red de relaciones entre los humanos, el mundo más allá de lo humano y los entornos políticos y naturales.

Vida Enredada busca crear un espacio que facilite una red de relaciones, colaboración y participación comunitaria. A lo largo de 8 meses, el proyecto reunirá a participantes de la comunidad, artistas y expertos, entre ellos Lisa Fitzsimons (Directora de Estrategia y Sostenibilidad del Museo Irlandés de Arte Moderno), Eileen Hutton (Doctora en Filosofía y Ecología del Burren College of Art) y Gareth Kennedy (artista, profesor y coordinador principal de NCAD FIELD), en una serie de mesas redondas mensuales, talleres e intervenciones artísticas en Pallas Projects, que culminarán con una exposición en diciembre de 2025.

El proyecto se inspira en el libro homónimo de Merlin Sheldrake, que explora los mundos interconectados del micelio que abren posibilidades inesperadas, y en los principios de "Esperanza Activa" de Joanna Macy, que priorizan el conocimiento, la compasión y la acción. Con el objetivo final de promover un futuro descarbonizado, el proyecto explora los vínculos entre los problemas climáticos y la sociedad, y muestra su relevancia en nuestra vida diaria y en nuestra comunidad.

La serie de eventos ofrecerá diversas perspectivas y espacio para la interacción directa entre los participantes mediante un enfoque no lineal ni jerárquico, fomentando la exploración y el pensamiento crítico, considerando el bienestar mental. Esta iniciativa multidisciplinaria responde a la necesidad de brindar oportunidades para influir y promover el cambio de forma eficaz. Permite a la comunidad aprender sobre los problemas climáticos, reaccionar y cocrear conexiones e inspiraciones diversas, dinámicas e impredecibles. Los comentarios y reacciones recopilados a lo largo del programa se recopilarán en un informe de herramientas.

En total, se debatirán y debatirán siete temas a través de mesas redondas abiertas y talleres que comenzarán con El arte de la transición justa el miércoles 14 de mayo, con Rachel Fallon, artista; la Dra. Egle Gusciute, profesora adjunta de Sociología de la UCD; y Michelle Murphy, analista de investigación y políticas de Social Justice Ireland y miembro de la Comisión de Transición Justa.

Calendario de eventos

14 de mayo El arte de la transición justa (Charla)

11 de junio Descubriendo biomateriales en el arte y la sociedad (Charla)

9 de julio Arte y biomateriales (Taller)

3 de septiembre Más allá de las palabras: comunicar la sostenibilidad (Charla)

1 de octubre Interseccionalidad en el arte y el clima (Charla)

29 de octubre Clima y Arte: programación y promoción (Charla)

27 de noviembre Vida enredada (Inauguración de la exposición)

3 de diciembre Crisis climática y salud mental (Talleres)

17 de diciembre Activismo climático y arte socialmente comprometido (Charla)

Los eventos se llevan a cabo los miércoles de 6:8 a XNUMX:XNUMX h. Se invita a los participantes a asistir a algunos o a todos los eventos. Las plazas se pueden reservar a través de Eventbrite, pero habrá plazas disponibles para quienes no tengan cita previa.

IMMA presenta una exposición individual de Sam Gilliam (1933-2022), uno de los grandes innovadores de la pintura estadounidense de posguerra, coorganizada con la Fundación Sam Gilliam. Surgidas a mediados de la década de 1960, sus emblemáticas pinturas «Drape» fusionaron la pintura, la escultura y la performance en diálogo con la arquitectura de formas completamente nuevas. Al colgar lienzos pintados sin tensar de las paredes o techos de los espacios expositivos, Gilliam transformó su medio y los contextos en los que se exhibía.

Sewing Fields destaca la conexión de Gilliam con Irlanda, donde una residencia transformadora en la Fundación de Artes Ballinglen en la década de 1990 transformó su práctica artística. Gilliam adoptó nuevos materiales, trabajando con telas preteñidas que había enviado a Irlanda, cortándolas y superponiéndolas para crear composiciones escultóricas. Una colaboración con una modista local amplió aún más este proceso, reforzando su innovadora fusión de pintura y técnicas textiles.

Las formas dramáticas y ondulantes de su obra resuenan con la inmensidad y la naturaleza salvaje de la costa irlandesa, presentando composiciones sueltas y fluidas que reflejan la naturaleza orgánica e impredecible de la tierra y el mar. Los vibrantes campos de color característicos de Gilliam se vieron influenciados por la singular luz irlandesa, dando como resultado tonos atmosféricos, casi translúcidos. Al alejarse de la rígida geometría del modernismo, la obra de Gilliam en Irlanda fomentó un diálogo intuitivo con el entorno circundante, celebrando la fisicalidad de la pintura y la resonancia emocional del lugar a través de la abstracción y la materialidad.

Esta exposición continúa el compromiso de IMMA con artistas cuyo trabajo ha recibido renovada atención y elogios en los últimos años, entre los que se incluyen Howardena Pindell (2023), Derek Jarman (2019) y Frank Bowling (2018).

La exposición 'Arte en movimiento' se inaugurará en el Centro de día Baile Mhuire.

El Grupo de Arte de Tralee se complace en anunciar su última exposición colaborativa, «Arte en Movimiento», que se inaugurará oficialmente el martes 17 de junio a las 2.30:XNUMX h en el Centro de Día Baile Mhuire, Balloonagh, Tralee. La inauguración estará a cargo del invitado especial Paddy Garvey, presidente de Baile Mhuire, y todos están invitados a asistir. Los asistentes podrán disfrutar de una tarde de arte, música y refrigerios en un ambiente acogedor e inclusivo.

Esta exposición especial es fruto de una colaboración única entre los miembros del Grupo de Arte de Tralee y los clientes del Centro de Día Baile Mhuire, y muestra la energía creativa y la expresión de ambos grupos. Con una variedad de obras en diferentes medios, estilos y temas, Art in Motion celebra el movimiento, la creatividad y el espíritu comunitario.

TAG se compromete a enriquecer la vida cultural de Tralee y sus alrededores. El grupo organiza periódicamente exposiciones, talleres y proyectos comunitarios, y ha forjado sólidas relaciones con organizaciones locales, incluyendo una colaboración continua de voluntariado con Baile Mhuire.

Esta exposición refleja esa colaboración, con obras de arte creadas no solo por miembros de TAG, sino también por clientes del Centro de Día que participan semanalmente en talleres creativos impartidos por voluntarios del Grupo de Arte de Tralee. El resultado es una colección de obras de arte alegre e inspiradora, donde cada pieza cuenta su propia historia de imaginación, conexión y colaboración.

Todos están invitados a asistir a la inauguración y celebrar esta inspiradora muestra de expresión artística en nuestra comunidad. La exposición durará un año y estará abierta al público entre semana de 4:5 a XNUMX:XNUMX h.

El Gran Libro de Irlanda es un extraordinario manuscrito en vitela que contiene el trabajo original de 120 artistas, 140 poetas y nueve compositores.

A todos los colaboradores se les pidió una sola cosa: que compartieran sus esperanzas, alegrías, miedos y amores como irlandés a principios del segundo milenio. Descrito por la expresidenta Mary Robinson como "el Libro de Kells del segundo milenio", entre los artistas y escritores que contribuyeron se encuentran Samuel Beckett, Eavan Boland, Cecily Brennan, Louis le Brocquy, Eiléan Ní Chuilleanáin, Barrie Cooke, Dorothy Cross, Daniel Day-Lewis, Nuala Ní Dhomhnaill, Seamus Heaney, Eithne Jordan, Michael Longley, John Montague, Tony O'Malley, Kathy Prendergast y Patrick Scott.

Los visitantes tendrán la oportunidad de ver el manuscrito original, así como de utilizar una pantalla táctil digital para pasar las páginas y explorar la excepcional gama de prácticas artísticas reunidas en este artefacto cultural único.

Los visitantes tendrán la oportunidad de ver el manuscrito original, así como de utilizar una pantalla táctil digital para pasar las páginas y explorar la excepcional gama de prácticas artísticas reunidas en este artefacto cultural único.

El Gran Libro de Irlanda cuenta con el apoyo del Arts Council Ireland, el University College Cork y la filantropía privada a través de la Cork University Foundation.

Sara Flynn, Sueharu Fukami, Shihoko Fukumoto, Joe Hogan, Eiko Kishi, Frances Lambe, Deirdre McLoughlin, O'Donnell + Tuomey, Satoru Ozaki, Sean Scully, Joseph Walsh, Kan Yasuda, Osamu Yokoyama.

Comisariada por Wahei Aoyama y Joseph Walsh.

RINN explora la cultura de la creación y su relación con el lugar y el tiempo a través de la obra de artistas y arquitectos irlandeses y japoneses. Si bien cada pieza es una expresión personal de la forma, sus obras están unidas por una inmersión en la cultura de la creación. Ya sea inspirándose en la tradición artesanal (los materiales y las habilidades asociadas con el lugar) o desafiando nuevas técnicas y buscando nuevos materiales, todos comparten una estrecha relación con lo hecho a mano.

Rinn en gaélico significa lugar o punto, y en japonés, la misma palabra significa círculo, anillo o circularidad. Joseph Walsh ha observado que el significado en ambos idiomas representa con fuerza ideas inherentes a su práctica, de lugar y de este momento en el tiempo, dentro de un ciclo temporal continuo.

Presentada por Making In de Joseph Walsh Studio como parte del programa Irlanda Japón 2025 en asociación con el Gobierno de Irlanda, la exposición se estrenó en abril en Ireland House y A Lighthouse called Kanata, Tokio.

Glucksman se enorgullece de presentar el espectáculo en su regreso a Irlanda.

RINN cuenta con el apoyo del Arts Council Ireland, University College Cork, el Gobierno de Irlanda, Ireland Japan 2025, A Lighthouse Called Kanata y la filantropía privada a través de la Cork University Foundation.

Inauguración de la exposición: sábado 9 de agosto, de 3.00 a 5.00 horas. Todos bienvenidos.

La Galería Butler, en colaboración con el Festival de Arte de Kilkenny, se complace en presentar una exposición que explora el tema de «Ciudades del Mundo» de dos artistas, Kathy Prendergast y Chris Leach. Ambos no se conocen, pero están intrínsecamente vinculados por este tema, que desarrollan de maneras muy diferentes.

Kathy Prendergast, artista irlandesa residente en Londres, está representada por su colección de 113 Dibujos de Ciudades, iniciada en 1992. Propiedad del IMMA, no se han exhibido en muchos años. Basándose en mapas contemporáneos de las capitales del mundo, Prendergast comprime cada ciudad, grande o pequeña, y sigue su propio sentido de la escala para contener cada ciudad en el mismo tamaño de papel. Transcribiendo la red de líneas con sutiles trazos de lápiz, transmite el patrón de rutas a través, dentro y alrededor de cada ciudad, imponiendo una insondable sensación de democracia al mundo. Las imágenes esqueletizadas reducen incluso a las comunidades más grandes y poderosas a una delicada red de líneas que se asemejan a patrones orgánicos de la naturaleza.

Chris Leach, artista británico residente en Manchester, comenzó su proyecto de dibujo "Ciudades Capitales" en 2012 y continuó hasta 2022. Ha completado 196 dibujitos de todas las capitales reconocidas del mundo, que en conjunto constituyen una sola obra. Los dibujos en miniatura de Leach son sólidamente tridimensionales, dibujados con lápiz, bisturí y herramientas de bruñido sobre la superficie enyesada de un bloque de roble. Leach se interesa por cómo la escala puede utilizarse como herramienta para la investigación psicológica y representacional.

El trabajo sobre las ciudades de Kathy Prendergast y Chris Leach constituye una yuxtaposición fascinante y suscita debates más amplios en torno a la geografía, la arquitectura y la política: lo que las ciudades dicen sobre nosotros y lo que no.

Además, el programa de cine «Ciudad como Personaje» destacará ciudades emblemáticas tanto del cine convencional como del cine de autor. Comisariado por la Galería Butler y Out of Focus, las películas se proyectarán en la Galería Digital y en colaboración con el Teatro Watergate de Kilkenny.

Anna O'Sullivan
Director y comisario de exposiciones

Eventos de aprendizaje y participación pública:

Los artistas Kathy Prendergast y Chris Leach conversan con la comisaria de la exposición, Anna O'Sullivan, y la Dra. Yvonne Scott, el martes 12 de agosto de 2025 a las 12.00:XNUMX h, en la Torre Parade del Castillo de Kilkenny. Entrada gratuita disponible para reservar en la página web del Festival de las Artes de Kilkenny.

La Dra. Yvonne Scott es miembro emérita y ex profesora asociada de Historia del Arte en el Trinity College de Dublín.
Recibió la Medalla de Oro de la RHA en 2025 en reconocimiento a su contribución al arte irlandés. Ha investigado y publicado extensamente sobre arte moderno y contemporáneo, incluyendo análisis de diversos aspectos de la obra de la artista Kathy Prendergast. Su libro más reciente es "Paisaje y entorno en el arte irlandés contemporáneo", publicado por Churchill House Press en colaboración con el Museo Irlandés de Arte Moderno en 2023.

Imagen: (Izq.) Kathy Prendergast, Ciudad de México, de «Dibujos de Ciudades», 1992, Lápiz sobre Papel, 24 x 32 cm, Colección Museo Irlandés de Arte Moderno, Adquisición 1996, © Kathy Prendergast. (Der.) Chris Leach, Tallin, Estonia, Lápiz, bisturí, bruñidor, yeso de piel de conejo sobre roble aserrado en cuartos, 32 x 43 mm (De la serie Ciudades Capitales 2013-2023)

In Hasta el borde de tu mundoLa artista Anita Groener, nacida en Holanda y residente en Irlanda, utiliza materiales sencillos —ramitas, cartón, papel recortado— para explorar temas de pérdida, desplazamiento y resiliencia. Sus esculturas y dibujos, de intrincada construcción, reflexionan sobre el impacto humano compartido de la migración, el conflicto y el recuerdo, moldeados en parte por sus viajes por el sur de Estados Unidos y regiones del mundo afectadas por la crisis. La exposición también presenta el estreno de Albergue, un nuevo video animado creado en colaboración con el cineasta Matt Kresling y el Refugio Interreligioso Talbot. Basado en narrativas personales, Albergue Destaca historias de perseverancia y comunidad, haciéndose eco de la meditación de la exposición sobre la pertenencia, la memoria y la capacidad humana de perdurar.

Esta exposición cuenta con el apoyo de Culture Ireland.

Bibliotecas de descanso de Ciara Barker.

Recepción de apertura: sábado 23 de agosto, de 2:4 a XNUMX:XNUMX horas.

Bibliotecas de Descanso de Ciara Barker es una exposición inmersiva que invita a los visitantes a imaginar el futuro de los espacios y prácticas de descanso. Bibliotecas de Descanso combina instalación, juego, sonido y luz, creando un espacio entre las artes visuales, el entorno inmersivo y la teoría crítica, centrado en el bienestar colectivo.

La investigación de Barker sobre el descanso como método de resistencia se basa en diversas obras críticas, incluyendo textos de Tricia Hersey, la Dra. Saundra Dalton-Smith, Sonya Renee Taylor y el Dr. Devon Price. Esta investigación se basa en el análisis de la desigualdad estructural y el descanso como un problema racial, de derechos de las personas con discapacidad y de justicia social que afecta desproporcionadamente a las comunidades marginadas.

Esta exposición está comisariada por Aoife Donnellan con un paisaje sonoro de Mankyy. Imagen: Ciara Barker, Libraries of Rest en el estudio transmediale de Berlín. Foto: Katie O'Neill.

Actos diagonales de Marie Farrington.

Recepción de apertura: sábado 23 de agosto, de 2:4 a XNUMX:XNUMX horas.

Actos Diagonales se refiere a cómo las líneas diagonales se perciben como formas de conectar, dividir y transitar entre diversos lugares o ideas. La exposición explora temas de memoria, lugar y conexión, explorando brechas, fragmentos y límites dentro de la arqueología, la geología, la escultura y la performance.

Los resultados materiales de Diagonal Acts están respaldados por una variedad de colaboraciones y conectados por un programa público de elementos generativos diseñados para involucrar críticamente a las audiencias en persona y en línea, mejorando y ampliando la participación y el acceso.

Esta exposición está comisariada por Kate Strain con contribuciones de Liliane Puthod y Laura Ní Fhlaibhín. Imagen: Marie Farrington, Figuras para Levantar, 2024, esteatita tallada. Foto: Rein Kooyman.

La exposición continúa del 13 de junio al 4 de enero de 2026.

Una exposición de obras de arte raramente vistas del fotógrafo de guerra japonés de importancia internacional Akihiko Okamura, que documenta su relación con Irlanda durante los Problemas. 

Desde finales de la década de 1960 hasta principios de la década de 1980, el fotógrafo de guerra japonés Akihiko Okamura (1929-1985) creó una poderosa y en gran parte invisible colección de fotografías en Irlanda, tanto del norte como del sur. 

Tras cubrir la guerra de Vietnam, Akihiko Okamura visitó Irlanda en 1968, atraído por la conexión con las raíces familiares de John F. Kennedy. Un año después, se mudó a Irlanda con su familia y permaneció allí hasta su repentino fallecimiento en 1985. Durante ese tiempo, capturó la vida cotidiana de su familia y el conflicto en Irlanda del Norte, conocido como el conflicto de Irlanda del Norte.

Las fotografías de Okamura, poco conocidas hasta ahora, muestran una visión artística única de la Irlanda de la época. Lo que distingue a su obra es que eligió Irlanda como su hogar. Entre todos los fotógrafos internacionales que trabajaban en aquella época, Okamura destacó por su compromiso con la historia de Irlanda e Irlanda del Norte.

Al conectar tan estrechamente con lo que fotografiaba, Okamura creó imágenes innovadoras, tanto en su propio estilo como en la forma en que se mostraban los disturbios a través de la fotografía. Su profunda relación personal con Irlanda le permitió desarrollar un nuevo método para documentar el conflicto: momentos poéticos y etéreos de paz en tiempos de guerra.

Akihiko Okamura: Las memorias de otros ya está abierta en la Galería de Arte 4 del Museo del Ulster. No es necesario reservar. 

"Las Memorias de Otros" es una exposición itinerante del Museo de Fotografía de Irlanda. Comisariada por Pauline Vermare, Seán O'Hagan, Masako Toda, Brendan Maher y Trish Lambe, con el apoyo del patrimonio de Akihiko Okamura, se estrenó en el Museo de Fotografía de Irlanda en 2024. Se inauguró en Belfast durante el Festival de Fotografía de Belfast.

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La exposición continúa del 23 de agosto al 1 de noviembre de 2025

Una importante exposición individual de la artista Maud Cotter, maelstrom, presenta un grupo de obras que buscan examinar la complejidad del presente y abordan la complejidad y la forma del cambio como proceso, con obras que hacen referencia a la doble direccionalidad del tiempo y la naturaleza relacional de la materia.

Esta exposición de obras a gran escala de este consagrado artista irlandés responde a la complejidad y variedad espacial del sitio de la Galería Highlanes en sus dos pisos.

La exposición incluye una serie de actividades relacionadas con el trabajo histórico y contemporáneo de la Colección de Arte Municipal de Drogheda.

Dentro de la exposición de esculturas e instalaciones nuevas y recientes a gran escala se encuentra la obra homónima, Maelstrom, que Maud Cotter describe como "una espiral, un arroyo que gira".

Ella añade: "Veo este fenómeno como una expresión de la naturaleza del cambio, una forma compleja que se expande e ingiere espacio; una dinámica direccional dual, que ingiere forma gastada y ofrece una dirección conceptual diferente".

La escritora y crítica Rebecca Geldard ha escrito recientemente sobre la práctica de Cotter:

En la rutina escénica de Marcel Marceau, hay un momento de suspensión, perfectamente coreografiado, que pasa desapercibido para el público, explica Maud Cotter. Sirve para amplificar la fisicalidad de su proeza, su capacidad de mantener la armonía y congelarse imperceptiblemente. Pero esto solo se percibe entre bastidores, desde donde ella lo dibuja. Más allá del escenario, la interrupción de la energía, del flujo, parece no cambiar nada, pero, de hecho, lo cambia todo en el campo energético. Con la elegancia muscular de la gimnasta o la incesante súbita de una partitura musical, el ligero cambio de humor altera silenciosamente los parámetros de lo performativo posible.

La interconexión, a nivel molecular, es el motor de la investigación escultórica de Cotter; manifiesta momentos de "geometría imperfecta" en el núcleo donde las cosas, los seres, las ideas y los entornos se encuentran. Ya sea atreviéndose a "dibujar" esto masivamente en metal, fabricándolo mediante la colocación de materiales preexistentes u orquestando los elementos esenciales intermedios, cualquier sensación de coerción artística es siempre, y muy ligeramente, custodial, por muy práctico que sea el proceso. Cada fijación, sección inscrita, bucle de escritura arquigráfica, puede hablar con su propia energía como parte de un conjunto de insistente discreción, llevándonos más allá de la necesidad de significado y hacia una sensación colectiva de estar en el centro de todo: elevándonos, en espiral, sintiendo que todas las cosas parecen tocarse, así son.

Ormston House en colaboración con EVA International presenta Bíodh Orm AnochetLa exposición estará abierta desde Del 29 de agosto al 26 de octubre.

Bíodh Orm Anochet, que se traduce aproximadamente como "quédate conmigo esta noche", es una exposición colectiva que presenta obras nuevas y existentes de cuatro artistas: Seán Hannan, Laura Ní Fhlaibhín, Ciarán Ó Dochartaigh y Kiera O'Toole, presentada en Ormston House y en otras sedes. Si bien los participantes trabajan con diversos medios y procesos, les une una preocupación por las costumbres y prácticas que, en términos generales, podrían describirse como conocimiento popular. Estos métodos y sistemas intuitivos desafían los sistemas de pensamiento tecnorracional.

Estos cuatro artistas transmiten un conocimiento que trasciende el lenguaje y que es aún más potente porque permanece implícito en la escritura y la palabra. Cada artista se interesa por las cualidades metafóricas de los materiales. Se inspiran en disciplinas ajenas a las artes visuales (como la mitología, la zoología y la cartografía), infundiéndoles un significado personal. Inherente a estas obras está la posibilidad de que la sabiduría atávica provenga del mundo natural.

Seán HannanEl trabajo de Hannan explora cómo las voces y los rituales olvidados pueden resonar en el futuro, tanto a través de tecnologías inestables como de sistemas de colaboración. Utilizando fragmentos de archivo de memorias autobiográficas que remiten a las tradiciones irlandesas, las obras de Hannan reflejan la obsolescencia y la inestabilidad poética. Recibido en el Cementerio es una instalación sonora que gira en torno a una IA (inteligencia artificial) vocal en evolución. En su núcleo se encuentran unas cuantas grabaciones de campo realizadas en Irlanda en la década de 1950 que capturaron los últimos vestigios de una tradición casi extinta, el lamento (caoineadh). Otra obra presentada en esta exposición es LUCK (2022), una escultura en forma de piseóg (pish-ohg): brujería popular. Principalmente un fenómeno de la Irlanda rural, los piseógs se lanzaban como un acto de malicia, a menudo utilizando un huevo de gallina sobre el que se había lanzado una maldición.

A diferencia de, Laura Ní Fhlaibhín Emplea materiales tradicionalmente asociados con la curación y la nutrición. Al tamizar historias y rastros asociados con el lugar, la memoria y la práctica de hechizos, Ní Fhlaibhín crea escenarios escultóricos complejos pero delicados. Con frecuencia introduce seres vivos en entornos cúbicos blancos, típicamente destinados a la exhibición de objetos inanimados. Si bien obras anteriores han incluido lombrices de tierra, babosas leopardo y sauces, la familia de conjuntos escultóricos que se presenta aquí está hecha de trozos de sal mineral y madera de fresno. La creación de estas esculturas ha contado con la coautoría de caballos, quienes han lamido los cristales de sal para crear formas biomórficas. El fresno es sagrado en la mitología irlandesa y se le atribuyen poderes talismánicos.

El reino equino también es mencionado en la obra cosmológica de Ciarán Ó DochartaighSu obra "Herramientas de masaje especulativo para una familia de burros" (2022) incorpora herramientas de masaje para estas criaturas domesticadas. Otras obras de Ó Dochartaigh presentadas en Ormston House incluyen una representación en cerámica vidriada del estómago de su difunto padre. Una edición apilada de dibujos impresos vincula el declive ecológico de las especies de peces con las modificaciones médicas del cuerpo humano, la historia irlandesa y el legado del colonialismo británico.

La preparación para este proyecto ha implicado visitas a terrenos y trabajo de campo abierto en cementerios, el río Shannon, pescaderías y calles de la ciudad. Esto se ejemplifica mejor en el trabajo de Kiera O'Toole, cuya práctica se basa en elementos derivados de espacios públicos cotidianos, en este caso el centro de Limerick. Mediante dibujos in situ, O'Toole registra las energías sutiles de estos lugares (que describe como emociones espacializadas) y traduce sus encuentros sensoriales prerreflexivos en mapas y cartas topográficas que describe como «cartografías afectivas».

La exposición toma su nombre de una canción tradicional irlandesa transcrita por primera vez por la Comisión de Folklore Irlandesa en 1936. La canción es esencialmente una pieza de música oral o cadenciosa en la que la melodía y el ritmo prevalecen sobre el contenido lírico. Antes de su conservación a través de la palabra escrita, «Bíodh Orm Anocht» se transmitió oralmente de generación en generación y, por lo tanto, fue alterada con el tiempo. En las pocas grabaciones disponibles (como el álbum Celtic Folkweave de Mick Hanly y Micheál O Domhnaill de 1974), las palabras del cantante oscilan entre las posibilidades de significado lírico, tono y ritmo. De esta manera, la canción es un vehículo para formas de expresión que trascienden el tiempo y el idioma y que son el resultado de la autoría comunitaria, no individual.

Esta exposición está acompañada de un programa de actos:

-En Sábado 30 de agosto De 12:1 a XNUMX:XNUMX, Seán Hannan nos acompañará en una charla con el artista y una transmisión inalámbrica de "Recibido en el Cementerio". El punto de encuentro será en Ormston House, seguido de una caminata de cinco minutos hasta el Cementerio de San Miguel. Este evento tendrá acceso limitado debido a escaleras y desniveles del terreno.
-En Viernes 19 septiembreDe 5:6 a 9:2025 h, nos acompañará la historiadora residente Sharon Slater para una charla y un recorrido sobre la historia del Cementerio de San Miguel. Esta charla tendrá acceso limitado debido a los escalones y el terreno irregular. La exposición también permanecerá abierta hasta las XNUMX:XNUMX h como parte de la Noche de la Cultura XNUMX.
-En Viernes 26 septiembreDe 6:8 a XNUMX:XNUMX h, nos reuniremos con Laura NíFhlaibhín para una charla artística y un taller táctil con la equinoterapeuta Muriel Foxton. Reserva tus entradas gratuitas aquí.
-En Sábado 27 Septiembre De 2:4 a XNUMX:XNUMX, la artista Kiera O'Toole impartirá un taller de dibujo participativo. Mediante ejercicios de dibujo gestual, los participantes mapearán las energías y atmósferas de la ciudad de Limerick. El punto de encuentro será en Ormston House y, a continuación, se realizará un paseo por el centro de la ciudad. Se proporcionarán materiales. El aforo es limitado, así que reserve aquí para evitar decepciones.

Biografías de los artistas:

Seán Hannan Vive y trabaja en Ámsterdam y se graduó de la Gerrit Rietveld Academie de Ámsterdam en 2009. Su obra se ha exhibido en numerosos espacios artísticos, como el espacio expositivo RU de Nueva York; la galería Upstream de Ámsterdam; y el Hotel Maria Kapel de Hoorn. Hannan participó en Unfair16. También ha recibido numerosas becas para proyectos del Fondo de Ámsterdam para las Artes (AFK).

Laura Ní Fhlaibhín Es una artista de Wexford. Completó su maestría en Bellas Artes en Goldsmiths, Universidad de Londres, en 2019 con honores y su licenciatura en el National College of Art and Design, Dublín, en 2013. Ha recibido la beca Staff Prize del National College of Art and Design, Dublín; la beca Goldsmiths Graduate Almacantar 2019; el premio Next Generation del Consejo de las Artes de Irlanda 2020; el premio al desarrollo de prácticas creativas del Consejo de las Artes de Inglaterra 2021; y becas del Consejo de las Artes de Irlanda.

Ciarán Ó Dochartaigh Es artista, investigador y gaélico oriundo de Derry, y vive y trabaja con una enfermedad crónica. Su práctica de medios mixtos explora las complejidades inherentes a la encarnación de la pérdida personal, con el legado de la violencia política y la experiencia vivida. Le interesa combinar los procesos de fabricación industrial con la materialidad de los objetos artesanales para crear un lenguaje escultórico específico.

Kiera O'Toole Es artista visual investigadora y profesora en la ATU Sligo. Su práctica explora el dibujo como método para registrar las emociones espacializadas del lugar, fusionando la fenomenología y la teoría atmosférica. O'Toole expone internacionalmente y publica ampliamente sobre dibujo contemporáneo. Es miembro profesional de Visual Artists Ireland y de la Red de Investigación de Dibujo (Reino Unido), y cofundadora de Drawing deCentered. Actualmente vive y trabaja en Sligo, Irlanda.

La exposición cuenta con el apoyo del Consejo de las Artes de Irlanda y la Oficina de Artes de Limerick. El programa de eventos está financiado por Creative Ireland y el Ayuntamiento de Limerick a través del Programa de Pequeñas Subvenciones para Comunidades Creativas de Limerick 2025. La participación de Seán Hannan en esta exposición es posible en parte gracias al Fondo Mondriaan, el fondo público para las artes visuales y el patrimonio cultural de los Países Bajos.

Page Turners es una exposición de libros de artistas que se inaugura en la Catedral de St Fin Barre a las 5:30 p. m. el jueves 4 de septiembre.
Esta exposición de otoño en el deambulatorio de la catedral invita a los visitantes a detenerse y pasar un rato explorando libros de artistas seleccionados de Irlanda, el Reino Unido y Francia.
Entre los artistas literarios nacionales e internacionales seleccionados se encuentran Ambeck Design, Coracle Press, Helen Douglas, Paul Gaffney, Helena Grimes, ottoGraphic Books, Road Books y Tom Sowden. Las ediciones estarán a la venta en la tienda de la catedral.

Page-turners es una exposición conjunta con MTU Crawford College of Art & Design y representa un momento importante en la catedral, ya que somos pioneros en un programa de artes itinerantes.

También habrá una mesa redonda en la catedral a las 12:30 horas el jueves 18 de septiembre.
La exposición estará abierta hasta el 31 de octubre de 2025.

No hay costo para ver esta exposición: envíe un correo electrónico arts@stfinbarres.ie para recibir tu boleto.

La Oficina de Obras Públicas y la Oficina de Artes de la Ciudad de Dublín se complacen en presentar una nueva exposición de la obra de Eithne Jordan RHA, comisariada por Margarita Cappock. Se celebra en el Casino Marino, Cherrymount Crescent, Marino, Dublín 3, D03 HH70.

La exposición está abierta todos los días de 10.00 a 5.00 horas y la entrada es gratuita.

Sobre el artista
Eithne Jordan es una de las pintoras más destacadas de Irlanda. En esta exposición, Jordan ha dirigido su mirada artística hacia los interiores de espacios públicos y privados, como museos y edificios institucionales, que ha visitado en sus viajes por Irlanda, Francia, Italia, Suiza y Estados Unidos. Jordan explora la forma en que las pinturas, esculturas y objetos se exhiben en estos espacios. Crea pinturas que son, en sus propias palabras, «paisajes emocionales». Jordan se siente atraída por exponer en espacios inusuales donde su obra puede interactuar con el entorno, como en esta exposición en el Casino Marino. Sus pinturas reflejan su constante interés por la arquitectura y la interacción que puede darse entre sus pinturas y su entorno, ya sea un espacio modernista o un edificio histórico.

La resonancia de este nuevo conjunto de obras —la mayoría de los últimos cinco años—, expuestas en las salas del Casino, evoca una conversación continua con el siglo XVIII, razón por la cual la artista eligió este título para la exposición. Eithne Jordan creció en Clontarf, cerca del Casino. Afirma: «El Casino tiene un aire de grandeza, pero también una sensación de intimidad en la belleza de sus proporciones. Es una de las cosas que más me encantan de él».

Financiado por la OPW y la Oficina de Artes de la Ciudad de Dublín con el apoyo del Consejo de las Artes.

RECEPCIÓN DE APERTURA CON EL ARTISTA, ENCUENTRO CON EL CURADOR, PROYECCIONES DE PELÍCULAS Y MÁS

Es terrible pensar de dónde saco mi inspiración, pero todas estas cosas me sirven de inspiración como artista. Me encantan los árboles. Me encantan las montañas. Pero no quiero salir a pintarlas. No pinto para ganar dinero. Pinto lo que quiero, y siempre he tenido una visión política.

— Patricia Hurl

Durante los últimos 40 años, la pintora Patricia Hurl ha retratado las vidas de mujeres irlandesas y sus experiencias como amas de casa, madres, cuidadoras, proveedoras y guerreras que navegan en un mundo dominado por los hombres, evocando el amplio espectro de emociones que sienten sus sujetos a través de pinceladas expresionistas en capas y mezclando lo figurativo y lo abstracto.

Como parte de Irish Gothic, una retrospectiva de la extraordinaria carrera de Hurl presentada por IAC en asociación con el Museo Irlandés de Arte Moderno (IMMA), ofreceremos oportunidades especiales este septiembre para que el público interactúe con la artista y su trabajo, incluida una recepción la noche de apertura; una charla con la curadora Johanne Mullan de IMMA; un recorrido privado solo para miembros de la exposición; proyecciones del documental Amanecer hasta el anochecer, que sigue al colectivo artístico Na Cailleacha, del cual Hurl es miembro fundador; y horario de galería para una instalación teatral gótica irlandesa. Entrada gratuita.

'First-person', la exposición individual de Isabel English se inaugura en la galería LHQ, el 5 de septiembre a las 6h.

Isabel English, de Ballyhea, en el condado de Cork, es una artista visual y educadora residente en Dublín. Su obra utiliza la fotografía, el textil y la escultura para extenderse desde el género literario de la autoficción, que combina verdades autobiográficas con representaciones ficticias, creando instalaciones sensibles al contexto.
En primera persona, Isabel utiliza imágenes de anatomía corporal, tomadas de A Manual of Artistic Anatomy de John CL Sparkes (Londres: Bailliere, Tindall y Cox, 1888) como fuente para la obra. Estas imágenes han sido empalmadas y renderizadas hasta resultar irreconocibles, y presentadas al espectador como escaneos ampliados en diversas hojas de acetato. Estas acciones se reflejan en una serie de piezas escultóricas murales hechas de aluminio estampado desechable, que replican la composición del cartón alveolar, generalmente utilizado como embalaje protector en el envío y transporte de mercancías. Estos procesos de repetición, que subrayan gran parte de la práctica de English, se refieren al concepto psicológico de la Compulsión a la Repetición, como lo subrayó Freud en su ensayo "Más allá del principio del placer", publicado por primera vez en alemán en 1920, como una tendencia inconsciente a repetir patrones de comportamiento.

La exposición estará acompañada de una publicación producida por Isabel en la que la escritora de arte residente en Cork, Sarah Long, y la poeta Julie Morrisey han escrito sobre el trabajo de Isabel.
Isabel recibió el Premio inaugural al Artista Visual Emergente del Consejo del Condado de Cork en 2024. Isabel recibió el Premio inaugural al Artista Visual Emergente del Consejo del Condado de Cork en 2024. Este premio ofrece una beca y la oportunidad de realizar una exposición individual en la Galería LHQ.

La exposición estará abierta del viernes 5 de septiembre al viernes 24 de octubre.
Horario de apertura: La galería LHQ está abierta de lunes a viernes de 9.00:5.30 a XNUMX:XNUMX y cierra los días festivos.
Ubicación: La galería LHQ se encuentra en el edificio de la biblioteca del condado en Carrigrohane Road, Cork, T12K335.

Comisariada por Francis Halsall y Belinda Quirke

De Peras y Apeiron Es una exposición colectiva de artistas que exploran procesos sistemáticos como parte integral de su práctica. Halsall y Quirke han comisariado una selección de obras que explora los diferentes sistemas numéricos, geométricos y metódicos que pueden utilizarse para crear arte. Han encontrado artistas que exploran el potencial de lo infinito e ilimitado (Aperion) y, al mismo tiempo, reconocen que siempre estarán sujetos a límites (Peras). La obra resultante revela enfoques matemáticos y racionales, ficticios y personales, a la vez que explora la profunda creatividad de los sistemas creados por humanos y otros agentes.

Gerard Caris (Nederlands) dedicó su práctica artística a infinitas aplicaciones de lo que él llamaba pentagonismo en el dibujo, la impresión y la escultura.

Channa HorwitzEl extraordinario sistema de notación estadounidense, la Sonakinatografía, integra color, sonido y movimiento en partituras lógicas inigualables. Trabajando metódicamente sobre papel milimetrado estadounidense de ocho cuadrados por pulgada, la Sonakinatografía de Horwitz permite al artista "ver el tiempo visualmente" y crear un lenguaje de notación universal para la interpretación creativa.

De Roy Johnston (NI) La obra de finales de los sesenta y principios de los ochenta emplea un riguroso racionalismo pitagórico y la permutación cromática, tanto en forma escultórica como en relieve bidimensional. Neil Clements (NI/Escocia) establece el año 2 como método de control, en deferencia a los "Sistemas" de Johnston. El artista recrea en placa de relieve facsímiles de pinturas abstractas, consideradas periféricas a las narrativas históricas del arte centrales. Las pinturas meméticas de Ronnie Hughes (IRE) frustran las exactitudes matemáticas mediante deslizamientos simétricos que desconciertan óptica y somáticamente al espectador.

La cuadrícula se utiliza a menudo en la práctica de Grace McMurray (Irlanda del Norte) como herramienta y como marco para la fabricación silenciosa y oculta del trabajo con género. McMurray utiliza el dibujo, el patchwork, el tejido y la tejeduría en su obra, buscando consuelo en la construcción memética y geométrica de textiles artesanales.

Tanto Dannielle Tegeder (EE. UU.) como Suzanne Treister (Reino Unido) exploran posibles futuros utópicos. Tegeder evoca lo cosmológico y lo espiritual mediante sigilos inventados dentro de esquemas urbanos artificiales, mientras que la personalidad multiplanetaria y ficticia de Treister y su futurismo tecnológico aluden frecuentemente a la gematría cabalística y a los sistemas místicos.

Inauguración de la exposición: viernes 5 de septiembre a las 6h., todos bienvenidos.

Una rodilla doblada ante un extraño vagamente familiar
Otra cara conocida conduciendo un taxi,
Un cambio de acento cuando aparecen nuevos amigos
– solo para ser cambiados nuevamente cuando se van,
Ori en la frente

Esta serie de collages explora cómo la clase social y la raza afectan la movilidad de las personas en el mundo, los empleos que se ocupan y los espacios que ocupan. Reflexionando sobre la vida de la diáspora nigeriana residente en Irlanda, estas obras muestran las peculiaridades de encontrar un hogar en una tierra extranjera, manteniendo, participando y creando cultura. "Family Trees hang over Property Lines" muestra los pequeños encuentros, los gestos sutiles y las interacciones que caracterizan a las personas negras e irlandesas.

Fiyin Oluokun recibió la 'Beca para artistas visuales emergentes' de 2024, apoyada por el Servicio de Artes del Consejo del Condado de Kildare y el Centro de Artes Riverbank.

Galería McKenna
Viernes 5 de septiembre-Sábado 25 de octubre
Lunes-Viernes 9:30am-5pm | Sábado 10am-4pm
Admisión libre

La forma actual del duelo – una nueva exposición basada en hilos de Ciara O'Connor
“Si te dejo, te habré transmitido algo de mí; serás una persona diferente por haberme conocido; es inevitable.”
-Edna O'Brien

El dolor se ha infiltrado en mis huesos y sospecho que nunca se irá. Pero es mucho más que tristeza y desesperación. Es una expresión de amor en constante cambio. Los amábamos y ellos nos amaban. Para mí, a veces ese amor es una oleada de calidez cuando miro mis manos y veo las suyas.

A veces siento una punzada de arrepentimiento por lo hiriente que le dije. A veces me derrumbo al sentirme abrumado por la pérdida y la crueldad. Pero a veces ahora, mientras las olas de tristeza se alejan cada vez más, siento una inmensa gratitud por todo lo que me ha enseñado.

La forma actual del duelo es una exploración de las distintas etapas del duelo y un intento personal de afrontarlo todo.

Acerca de Ciara
Ciara O'Connor es una artista visual residente en Kerry que trabaja principalmente con textiles y bordado de movimiento libre. Su obra es figurativa y aborda temas de identidad, feminismo, trauma y recuperación. Le interesa trascender las técnicas tradicionales para contar historias contemporáneas.

Desde su regreso a la práctica artística en 2019, ha sido seleccionada para 15 exposiciones colectivas, incluyendo Following Threads en la Galería de Arte Crawford y los Anuarios de RUA y RSA. Presentó su primera exposición individual en el Centro de Artes Garter Lane en 2022 y ha aparecido en FAIRE, Image Magazine, The Irish Examiner, The Kerryman y VAN en enero/febrero de 2024. Su segunda exposición individual se inaugura el 6 de septiembre en el Centro de Artes Garter Lane.

La exposición continúa del 4 de septiembre al 31 de octubre de 2025.

En su exposición, abierta al público en Late Night Art Belfast este jueves 4 de septiembre, Alexander interpreta la visión aristotélica del cosmos como 56 esferas celestes mediante una serie de bocetos acrílicos sobre lino. Cada fragmento invita a un cambio de perspectiva, explorando los espacios intermedios, la identidad más allá del cuerpo y nuestro lugar en el universo: una constelación de momentos que nos interrogan sobre quiénes somos y cómo encontramos significado.

Jennifer Alexander es una artista visual y curadora escocesa, actualmente residente en Irlanda del Norte. Su práctica investiga la interacción entre la percepción y la estratificación.

La exposición continúa del 6 de septiembre al 1 de noviembre de 2025.

El punto de partida de esta exposición fue el reciente doctorado práctico de Mandy O'Neill, donde examinó las implicaciones sociales y materiales del desarrollo y el abandono de viviendas en Cabra, un suburbio del centro de Dublín. Su investigación cuestionó los cambios ideológicos en la política de vivienda desde mediados del siglo XX en Irlanda, que han resultado en una transición de la vivienda como bien público a la vivienda como mercancía, con énfasis en el impacto de la planificación. En un contexto más amplio, la práctica de O'Neill se centra en las políticas de espacio y lugar, y en las relaciones de poder que configuran nuestro entorno construido.

La exposición continúa del 6 de septiembre al 1 de noviembre de 2025.

Con raíces en la belleza del oeste de Irlanda, The Push and Pull explora las dualidades de la maternidad: la ternura y la tensión, la entrega y el duelo, el amor intenso y la silenciosa pérdida de identidad. A través de una serie de obras íntimas y con textura, la artista captura los ritmos emocionales de la crianza: momentos de conexión que se ven afectados por las exigencias del cuidado, la identidad y el tiempo. Esta obra invita al espectador a sumergirse en el flujo y reflujo de la experiencia maternal, donde la naturaleza, el cuerpo y la memoria se fusionan.

Nueva vida, edificios viejos es el programa nacional del IAF sobre el futuro de los edificios ya construidos.

11 de septiembre, 12:30-8:XNUMX h, Wickham Way, Limerick
– Recorrido a pie | Nunca mires atrás
Mesa de debate abierta | Espacios para el arte y la cultura
– Visitas al sitio
– Panel | De los escombros al arrepentimiento: Las consecuencias de la demolición

18 de septiembre, 12:30-8:XNUMX h, Wickham Way, Limerick
– Recorrido a pie
Mesa de debate abierta | Espacios para la inclusión social y el desarrollo comunitario
– Visitas al sitio
– Panel | Historias contadas: Patrimonio para el futuro

23 de octubre, 1:XNUMX horas
– Webinar | Una mirada a la ciudad

24 de octubre, 1:XNUMX horas
– Seminario web | Creando espacio

En esta instalación de óleos coloridos a gran escala, esculturas y espejos de plexiglás, Karen Ebbs explora ideas relacionadas con la reflexión, la percepción y la realidad. El color, vital y transformador, es el eje central de la obra. En una época de desafíos ecológicos y sociales, Ebbs utiliza el color como una silenciosa rebelión contra la apatía gris para ofrecer esperanza. Mediante espejos, los límites entre las obras de arte y el individuo se desmoronan. Los espectadores se enfrentan a sus propios reflejos a medida que se entrelazan con las obras. A través de esta interacción, los visitantes se convierten en parte de una instalación en constante cambio, que se altera continuamente con su presencia. Esta idea desafía la noción de separación y cómo nos percibimos a nosotros mismos, ofreciendo a los espectadores la oportunidad de hacer una pausa.

Karen Ebbs es una artista residente en Dublín y miembro de Pallas Projects and Studios. Obtuvo una maestría en Bellas Artes, con especialización en pintura, en el NCAD en 2023 y posteriormente fue preseleccionada para los Premios de Artes Visuales RDS. También estudió en la Royal Hibernian Academy School de Dublín. Entre sus exposiciones individuales más recientes se incluyen las de Rathfarnham Castle (2024), Farmleigh Estate (2022) y la Galería LAB de Dublín (2022). En 2022, Karen recibió el Premio Agility del Consejo de las Artes de Irlanda y el Premio de Desarrollo Profesional de la Oficina de Artes del dlr.
Nuestro Programa de Aprendizaje en la Galería ofrece numerosos talleres, visitas guiadas para todas las edades y oportunidades para aprender más y probar diferentes técnicas artísticas. Para más información, visite nuestro sitio web: www.dlrcoco.ie/arts.

La práctica fotográfica se ha expandido recientemente y la RHA invitó a artistas a responder a la magnitud espacial de la galería más grande de Irlanda. Muchos de ellos se inspiraron en los espacios abiertos con obras circulares para crear algo más allá de la típica exposición fotográfica. Aquí se muestran: la prosa cotidiana convertida en poesía; reflexiones sobre paisajes psíquicos y alterados por el ser humano; documentales artísticos; abstracciones construidas; observaciones sobre fronteras, invisibles y ocultas; meditaciones sobre la sexualidad y la cosificación; la interconexión de la naturaleza y reflexiones sobre cómo Irlanda pierde su espíritu acogedor. En todo ello, se revela un collage de la identidad cultural irlandesa y el lugar que nuestros fotógrafos contemporáneos ocupan en ella.

Esta exposición es fruto de la colaboración entre el departamento de exposiciones de la RHA y el grupo de artistas Island Photographers, que fomenta la interacción y la comprensión de la fotografía en Irlanda, tanto en el ámbito de las bellas artes como en la industria cultural de la fotografía en general, mediante charlas, eventos y talleres. Los ocho miembros participan en la muestra.

Las pinturas de Laura McMorrow se inspiran en imágenes encontradas de figuras trabajando en el jardín, paisajes alterados (topiarios y setos), plantas y personas disfrutando de jardines y espacios verdes.
McMorrow aprendió todo lo que sabe sobre jardinería de su madre, Gillian. Jardinera apasionada y desherbadora obsesiva, Gillian cuidaba su jardín en North Leitrim, decidiendo qué plantas debían autosembrarse y cuáles se convertían en una molestia. Su enfoque de la jardinería era naturalista y parecía natural, pero era una devota de su oficio.

El jardín, en cualquier clima hasta el anochecer, se convirtió en una forma de terapia para ella, ya que sufría una enfermedad crónica y fatal. El jardín se convirtió en un santuario para Gillian y una fuente de inspiración para Laura, quien comenzó a investigar y realizar trabajos sobre jardines en su estudio. El poeta y jardinero Ross Gay describe el tiempo que pasa haciendo jardinería como “un ejercicio de atención suprema”, un rasgo que comparte con la pintura.

Junto a las pinturas se exhibe una animación stop motion creada con la técnica de pintura sobre vidrio. Cada cuadro está pintado a mano, lo que le confiere una estética pictórica y expresiva. La animación ilustra una cita del cineasta Derek Jarman en el libro Modern Nature, un diario sobre el tiempo que pasó cultivando en Dungeness poco después de descubrir que era VIH positivo.

El jardinero excava en otro tiempo, sin pasado ni futuro, sin principio ni fin. Un tiempo que no divide el día con horas punta, pausas para el almuerzo, ni el último autobús a casa. Al caminar por el jardín, te adentras en este tiempo; el momento de entrar jamás podrá ser recordado. A tu alrededor, el paisaje yace transfigurado. Aquí está el Amén más allá de la oración. Derek Jarman.

A McMorrow le interesa explorar personalmente el jardín como santuario y espacio de refugio. Sin embargo, también cuestiona la complejidad de la jardinería en tiempos de emergencia climática y la inutilidad de intentar controlar y dominar la naturaleza. La transición hacia un enfoque más ecológico de la jardinería, por ejemplo, cultivando un prado de flores silvestres en lugar de césped, le permite a McMorrow abrazar esta dualidad de la jardinería como terapia y su aplicación en el contexto más amplio de nuestro tiempo.

Laura McMorrow es una artista visual de Leitrim. Obtuvo una maestría en Bellas Artes en la Universidad del Ulster en Belfast (2012) y se graduó en pintura en la Escuela de Arte y Diseño de Limerick (2008). Su práctica artística abarca la videoinstalación, la animación, la escultura, el collage y la pintura.
Entre sus exposiciones individuales más recientes se incluyen "The Gardener Digs" en The Dock y "The Lost Acre" en el Centro de Escultura de Leitrim. Entre sus proyectos artísticos comunitarios más recientes se incluyen un proyecto de animación colaborativa con adolescentes, financiado por Creative Ireland, y un proyecto de mapeo sensorial con el Festival de Ciclismo de Leitrim.
McMorrow forma parte del colectivo, que gestiona un estudio artístico y un espacio experimental en Manorhamilton, Leitrim. Su estudio se encuentra actualmente en el espacio colectivo. En 2023, el colectivo colaboró ​​en un proyecto colaborativo llamado "Waking the Land", que abordaba el duelo ambiental, con el apoyo de la Irish Hospice Foundation.

Todas las obras de la exposición, El Mundo Conocido y Desconocido, se han inspirado en el dibujo de un gato de cinco patas de George McCutcheon. Esta obra, realizada en 1996, sigue siendo el logotipo de KCAT hasta la fecha. Esta singular criatura se encuentra en el centro de una extensa exposición que evoca el diseño multidimensional de una Wunderkammer.

Desde el siglo XVI, estos gabinetes de curiosidades combinaron elementos de las artes, la naturaleza y las ciencias para presentar visiones idiosincrásicas de la existencia. Al yuxtaponer monumentos locales con paisajes fantásticos, pájaros cantores comunes con criaturas de diseño especulativo, retratos humanos con seres extraplanetarios, El mundo conocido y desconocido invita al espectador a descubrir y celebrar la multiplicidad de maneras en que el mundo puede experimentarse, comprenderse y documentarse.

Los artistas que aparecen en esta exposición incluyen: Andrew Pike, Brianna Hurley, Declan Byrne, Diana Chambers, Erin Hacking, Eileen Mulrooney, Fergus Fitzgerald, Fintin Kelly, Jason Turner, Karl Fitzgerald, Lorna Corrigan, Margaret Walker, Shay Croke, Sinead Fahey, Thomas Barron, Mary Cody, Francis Casey, Jack Foskin y George McCutcheon.

Comisariada por Benjamin Stafford en colaboración con KCAT Studio. Esta exposición se presentó por primera vez en el Centro de Arte KCAT, Callan, Condado de Kilkenny, como parte del Festival de Arte de Kilkenny de 2025.

La próxima exposición de Marianne Keating reúne dos nuevas películas que cuestionan el cambiante lugar de Irlanda en las historias del nacionalismo, la migración y el poder global. Cad Leis a Bhfuilimíd Ailínithe / To What Do We Align (2025) es una película multicanal que reflexiona sobre la visión idealizada de Irlanda de Éamon de Valera, su estancamiento económico y emigración masiva, y la posterior reorientación del país bajo el liderazgo de Seán Lemass, cuando Irlanda optó por alinearse con la hegemonía occidental en lugar del recién formado Movimiento de Países No Alineados.

No Irish Need Apply (2025) examina la experiencia de los irlandeses en Gran Bretaña durante las décadas de 1970 y 80, un período en el que la violencia política en Irlanda del Norte alimentó la discriminación sistémica, la vigilancia y los prejuicios sociales contra las comunidades irlandesas. En conjunto, estas obras exploran cómo Irlanda ha sido objeto y cómplice de historias más amplias de colonialismo, migración y exclusión, revelando las contradicciones en el corazón de la identidad nacional.

Marianne Keating es una artista e investigadora irlandesa residente en Londres. Tiene un doctorado práctico en Cultura Visual y Material y Práctica Artística Contemporánea titulado "Ellos no hacen mucho en el estilo de los agujeros de caña", Historias Ocultas de la Diáspora Irlandesa en Jamaica, financiado por KSA en la Universidad de Kingston, Londres, y es asociada de TECHNE. Tiene una maestría en Bellas Artes del Royal College of Art, Londres, y una licenciatura en Bellas Artes de la Limerick School of Art and Design, Irlanda. Actualmente es profesora asociada en el Royal College of Art, Londres (2020-presente).

Keating fue preseleccionado para representar a Irlanda en la Bienal de Venecia de 2022 y ha expuesto extensamente en Irlanda y a nivel internacional. Entre sus exposiciones más recientes y próximas se incluyen (2025) The Irish Pavilion, World Expo, Japón; The Model, Sligo; Limerick City Gallery of Art, Limerick; Wexford Arts Centre, Wexford, Irlanda. Sus colecciones incluyen la Oficina de Obras Públicas, Irlanda; Royal College of Art, Londres; Norlinda and José Lima Collection, Portugal; Zuckerman Museum of Art, Georgia, EE. UU.; Palazzo Fogazzaro, Vicenza, Italia.

La Galería Golden Thread se enorgullece de presentar Radical Hope, una nueva exposición desarrollada en colaboración con la Galería Arsenal de Białystok, Polonia. Curada con piezas de la Colección II, una de las colecciones de arte contemporáneo más importantes de Polonia, la exposición ofrece una oportuna reflexión sobre la incertidumbre, la resiliencia y el potencial transformador del arte.

La Colección II, perteneciente a la Galería Arsenal y creada bajo la dirección de Monika Szewczyk, explora la evolución del panorama del arte contemporáneo en Polonia y Europa del Este durante las últimas tres décadas. Desarrollada como un «corpus abierto», la colección es un archivo vivo: dinámico, en constante crecimiento y receptivo a las narrativas cambiantes de nuestro tiempo.

Esta exposición es parte de la Temporada Reino Unido/Polonia 2025 organizada por el Instituto Adam Mickiewicz, el British Council y el Instituto Cultural Polaco en Londres, y apoyada por el Ministerio de Cultura y Patrimonio Nacional, así como por el Ministerio de Asuntos Exteriores de Polonia.

La exposición continúa del 13 de septiembre al 8 de noviembre de 2025.

La Galería Golden Thread se enorgullece de presentar Radical Hope, una nueva exposición desarrollada en colaboración con la Galería Arsenal de Białystok, Polonia. Curada con piezas de la Colección II, una de las colecciones de arte contemporáneo más importantes de Polonia, la exposición ofrece una oportuna reflexión sobre la incertidumbre, la resiliencia y el potencial transformador del arte.

Lanzamiento de la exposición: Sábado 13 de septiembre a las 12 del mediodía

Lorna Watkins, residente en Sligo, es una artista visual multidisciplinar. Estudió Diseño Textil Impreso en NCAD y recibió una beca Ballinglen. Su exposición "Tend/er" presenta pintura, grabado y escultura que explora ideas sobre el hogar, los objetos cotidianos olvidados, la maternidad y el envejecimiento. A menudo hace referencia al cuerpo, ya que el dibujo del natural ha sido una constante en su práctica durante la última década.

En 2024, Watkins fue seleccionada para el Premio de Residencia Francesa John Richardson y, en 2020, para JOYA AiR, España. Ha recibido el Premio Agility del Consejo de las Artes, el Premio de Formación ADI y la Beca de Viaje Thomas Damann, y sus obras forman parte de diversas colecciones públicas y privadas, como las del Hospital del Ulster y la Fundación de las Artes Ballinglen.

La oda personal de Jason McCarthy a Drogheda, su ciudad natal, abarca espacios urbanos cotidianos, viviendas, calles, rincones olvidados,
el abandono, lo postindustrial y las tierras marginales donde lo urbano gradualmente da paso a lo rural y al flujo y reflujo de la
majestuoso río Boyne.

Los impactantes retratos de McCarthy son de las personas que habitan estos lugares. Todos miran directamente a la cámara y, por lo tanto, a la
espectador, cada persona segura de su lenguaje corporal, presentación e individualidad.

El lugar de origen habla de arraigo, pertenencia y conexión. De sentirse moldeado por un lugar y también de ser intrínseco a moldearlo.
Las fotografías de McCarthy están imbuidas de perspicacia, tranquilidad y quietud que brindan una perspectiva particular de su ciudad natal y
Anímennos a mirar más profundamente nuestros propios lugares de origen.

Paisajes Liminales es una exposición conjunta del pintor Gabhann Dunne y el escultor y escritor Theo Hynan-Ratcliffe. Al explorar las transiciones del cambio ecológico a los límites de la escultura y la escritura, las pinturas de Dunne responden a las narrativas ecológicas del Burren y a la resiliencia de los pinos del Burren. Las obras escultóricas y escritas de Hynan-Ratcliffe abordan la materialidad, las perspectivas feministas y los ciclos de duelo y renovación. Juntas, sus prácticas crean un diálogo entre la naturaleza, la identidad y el tiempo, invitando a la reflexión sobre nuestro impacto y nuestra conexión con la tierra.

Let's Not Talk About This Now es una exposición individual de dibujos, esculturas y grabados de Peter Nash en la Cork Printmakers Studio Gallery que se inaugura en la Noche de la Cultura. 

Sus exploraciones visuales, que toman la forma de una enciclopedia explotada o de una exhibición caótica de museo, son abiertas e inherentemente humanas: una búsqueda continua de comprensión en una era digital en rápida evolución.

Si bien la estética de la exposición está influenciada por museos y libros de referencia, no se pretende autoridad. Se plantean deliberadamente más preguntas que respuestas.

Charla del artista 8 de octubre a la 1pm

THE SWALLOW, el nuevo largometraje de Tadhg O'Sullivan, protagonizado por la ganadora del Oscar Brenda Fricker, se estrenará en cines irlandeses seleccionados a partir del 19 de septiembre.
La película presenta una meditación sobre el arte, la memoria y la soledad en la vida adulta, a través de una artista que explora recuerdos y fragmentos del pasado mientras intenta dar sentido a su propia falta de voluntad para dejarse ir.

Tráiler: https://vimeo.com/marmaladefilms/theswallowofficialtrailer

Entradas disponibles a través de https://linktr.ee/marmaladefilms

The Swallow fue financiada por The Arts Council/An Comhairle Ealaíon, bajo el programa Authored Works.

La exposición continúa del 19 de septiembre al 24 de octubre de 2025.

Presentada por la Fundación Crespo y el Goethe-Institut Irland, y comisariada por Ben Livne Weitzman, esta exposición reúne el trabajo de dos grupos de artistas y antiguos artistas residentes en Glenkeen Garden, West Cork: a través de dos instalaciones y un libro que las acompaña, los artistas nos llevan en un viaje a las zonas de transición que rodean Glenkeen Garden, reflexionando sobre el tiempo preservado en los pantanos del paisaje irlandés y los ritmos y formas siempre cambiantes de la costa.

Transitional Terrains es la quinta exposición de la serie The Glenkeen Variations.

Flaxen es una colección de nuevas obras de Alice Fox que explora la planta del lino en cada etapa: desde los tallos secos hasta la fibra sin hilar. Las obras se tejen o se construyen de otras maneras para resaltar la fuerza y ​​delicadeza de la planta, dando como resultado piezas texturizadas y estructurales de diferentes escalas. Recepción inaugural y oportunidad de conocer a la artista: sábado 27 de septiembre, de 14:00 a 16:00 h. Bienvenidos todos.

La exposición incluirá una charla del artista en línea el 14 de octubre de 2025 a las 6:00 p. m. (reserva a través de Eventbrite).

Horario de apertura de la galería: martes a sábado, de 11:00 a 17:00 horas.

Pollanroe Burn o An Pollán Rua (el pequeño estanque rojo) se desarrolla a través de una serie de nuevas películas y fragmentos de archivo, como parte de la investigación a largo plazo de la artista Emily McFarland sobre la ecología cambiante de las montañas Sperrin de West Tyrone, en Irlanda del Norte, a la sombra de la propuesta de una importante extracción de oro a escala industrial. El proyecto se pregunta: ¿Cómo podemos cultivar modos de pensamiento que permitan que el intelecto y la empatía comprendan las antiguas y delicadas conexiones entre los humanos y sus entornos?

Inauguración: sábado 27 de septiembre de 2025 en el Void Art Centre, de 18:00 a 20:00 horas.

Estudio Nocturno presenta una colección única de artefactos recopilados durante más de una década de exploración y experimentación artística por el artista y educador Glenn Loughran. Las obras expuestas sirven como rastros de eventos de investigación, una constelación diversa de elementos que han mediado prácticas, desde la investigación artística hasta la pedagogía crítica y el compromiso social.

El evento inaugural será una conversación en la galería entre el artista Glenn Loughran y el historiador y filósofo del arte, Prof. Thierry de Duve, el sábado 27 de octubre a las 15:00 horas.

Allí Arriba, durante la Semana del Espacio, del 27 de septiembre al 25 de octubre de 2025, en el Observatorio del Castillo Blackrock de la MTU, Marie Bryan explora elementos de escala y dimensión, indescriptibles e insondables, utilizando su vívida imaginación. Busca nuevos horizontes. Su afán aventurero y mágico la lleva a pintar un paralelismo con la astrofísica, y ahora, allí arriba, se encuentra artísticamente inspirada, investigando la materia oscura. Su visión es de colores vibrantes.
Recepción de inauguración, lunes 29 de septiembre, 19:00 h. Charla con el artista, sábado 11 de octubre, 18:00 h.
Marie Bryan es estudiante de Bellas Artes en la Facultad de Arte y Diseño Crawford de la MTU. Su colección de retratos de residentes de la comunidad Simon de Cork, "Encantada de conocerte", se expuso en el Aeropuerto de Cork en noviembre de 2023 y en ocho bibliotecas municipales de Cork entre junio de 2024 y marzo de 2025. Su exposición individual "Shadow Side and the Artist's Escape" se celebró en la Escuela de Música de la MTU Cork entre enero y febrero de 2025. Fue contratada por las Fuerzas de Defensa Irlandesas para pintar para la Armada Irlandesa entre junio y agosto de 2025.

VISUAL se complace en presentar Actos de creación: sobre el arte y la maternidadEsta emblemática exposición itinerante ha sido concebida por Hettie Judah en colaboración con Hayward Gallery Touring. Tras una exitosa gira por el Reino Unido, Actos de creación llega a VISUAL aumentada con la inclusión de obras de artistas y colecciones irlandesas.

Abarcando todas las galerías de VISUAL, Actos de Creación presenta obras de pintura, dibujo, escultura, cine, fotografía y sonido que abordan la experiencia de la maternidad en toda su complejidad. En VISUAL, un programa de aprendizaje en profundidad responderá a los temas y obras de la exposición. Una zona de lectura, un espacio de reflexión, talleres y visitas guiadas especializadas ofrecerán a los visitantes la posibilidad de conectar con las ideas y experiencias reflejadas en esta impactante exposición.

Actos de creación: sobre el arte y la maternidad se adentra en las alegrías y las angustias, el desorden, los mitos y los contratiempos de la maternidad a través de más de 100 obras de arte, desde el movimiento de mujeres de los años 1960 y 70 hasta la actualidad.
Si bien la Virgen con el Niño es uno de los grandes temas del arte europeo, rara vez vemos arte sobre la maternidad real, en toda su complejidad. Actos de Creación aborda este punto ciego en la historia del arte, afirmando a la madre artista como una figura cultural importante.
¿Cómo cambia la imagen de la maternidad cuando la artista se inspira en la experiencia vivida? ¿Qué se visibiliza? ¿Qué desafíos se plantean a la maternidad como institución, a través de la cual se idealiza a la madre como abnegada, íntegra, incansable y sin quejas?
Se exploran diversas experiencias en cuatro exposiciones temáticas. La Creación aborda la concepción, el embarazo, el parto y la lactancia. Imagina la maternidad como un acto creativo, aunque la alegría puede verse atenuada por la ansiedad, el dolor y el agotamiento.
Mantenimiento se dedica a la labor continua de la maternidad y el cuidado en el día a día. Aquí encontramos artistas dedicadas a las tareas domésticas, a la seguridad de los niños y a encontrar un equilibrio entre el arte y la crianza.
En Pérdida, los artistas reflexionan sobre experiencias de aborto espontáneo, adopción e infertilidad involuntaria. Las obras de esta sección también protestan contra la pérdida de los derechos reproductivos de las mujeres.
El Templo es una serie de autorretratos en los que las artistas exploran su propia identidad en relación con la maternidad. Durante décadas, se les dijo a las mujeres que no podían ser artistas y madres a la vez. Estos retratos desafían esa idea.

Esta exposición presenta obras de arte que incluyen desnudez y exploran el parto, la (in)fertilidad, el aborto espontáneo, la pérdida y el abuso doméstico.

La exposición continúa del 27 de septiembre al 22 de noviembre de 2025.

“So Nice Day”, del Carrowbeg Artist Collective, invita al público a un diálogo inmersivo entre el arte, la ecología y la experiencia vivida. Creada por siete artistas con discapacidad intelectual, la exposición entrelaza materiales naturales con narrativas personales, explorando la conciencia sensorial, la sostenibilidad y nuestro vínculo con la naturaleza. Al amplificar voces diversas, CHG&S resalta el poder transformador del arte, fomentando la inclusión y profundizando las conversaciones culturales en torno a la ecología y la accesibilidad.

La exposición continúa del 20 de septiembre al 1 de noviembre de 2025.

Gerard Byrne, artista del Festival Baggotonia 2025, presenta "Light Falls: Oda a Baggotonia", ambientada en su íntimo estudio y galería de Ranelagh. Byrne captura la luz única de Dublín: el resplandor entre los edificios, el brillo de los canales, las sombras que se funden con el follaje. La exposición incluye bodegones contemplativos, paisajes urbanos de ensueño y figuras audaces. Reflexionando sobre las calles georgianas y el alma bohemia de la ciudad por donde pasearon Beckett, Behan y Bacon, Byrne transforma las imágenes cotidianas en meditaciones líricas sobre la luz, la memoria y el lugar, continuando el legado impresionista irlandés con una perspectiva contemporánea.